Porto Alegre em Cena _ BLOG

Os náufragos da louca esperança: venda de ingressos

2011-11-27T12:13:00.000-08:00

Dia 28 de novembro, segunda-feira às 9h, abre a bilheteria para as apresentações do espetáculo Les Naufragés du Fol Espoir, mais recente produção do grandioso grupo francês Théâtre du Soleil, dirigido por Ariane Mnouchkine. As apresentações acontecerão no Parque Eduardo Gomes na cidade de Canoas, de 6 a 11 de dezembro, às 20h.

Apresentações do espetáculo:

De 6 a 11 de dezembro, 20h - Parque Eduardo Gomes – Canoas
Av. Guilherme Schell, 3.600
Via Trensurb – Estação Fátima
Estacionamento no local

Os ingressos custam R$ 100,00 e serão respeitados todos os descontos oferecidos pelo 18º Porto Alegre em Cena.

Pontos de venda nas lojas My Ticket:
Rua dos Andradas, 1425 - loja 69 - Centro - Porto Alegre
Rua Padre Chagas, 327 – loja 06 - Moinhos de Vento - Porto Alegre
Canoas Shopping - Av. Guilherme Schell, 6750 - Centro - Canoas
Serviço de venda pela internet: www.ingressorapido.com.br

Limite de 04 ingressos por pessoa - 24h, a partir das 9h do dia 28 de novembro
Call Center: 4003-1212

Viva Nora Bastos!

2011-11-07T06:01:00.000-08:00

A pedido do Coordenador-geral do Porto Alegre em Cena, Luciano Alabarse, revelo um dos "mistérios" mais divertidos do 18º Porto Alegre em Cena: a tufônica Nora Bastos, autora de uma das postagens mais visitadas de toda a história deste blog

(http://poaemcena.blogspot.com/2011/10/pterodatilos-por-nora-bastos.html), é o pseudônimo (ou seria melhor dizer heterônimo?) do dramaturgo gaúcho Diones Camargo (que ilustra a imagem acima; importante dizer: Diones é o moço sem chifres, o de chifres você pode tentar adivinhar também a identidade secreta).

A Nora Bastos fez tanto sucesso com sua língua viperina, que certamente terá espaço garantido neste blog para futuras opiniões. Parabéns Diones, pelo bom humor e pela maneira inusitada de defender a liberdade de criação artística, que é exaltada por muitos apenas da boca para fora.

Pterodátilos por Matheus Melchionna Diello

2011-10-24T09:37:00.000-07:00

Nicky Silver?*

No dia 18 de setembro, estava marcada a sessão que eu iria assistir de Pterodátilos. A peça, dirigida por Felipe Hirsch, era uma das principais atrações do 18º POA Em Cena, todo mundo estava ansiosíssimo para assistir a montagem do diretor para o texto de Nicky Silver, dramaturgo contemporâneo americano. E pode-se dizer que o que menos se viu na encenação foi o texto original, mesmo que o texto adaptado pelo diretor seja a melhor coisa da peça.

Não que eu esteja desmerecendo o fabulo cenário de Daniela Thomas, muito menos a luz muito bem feita por Beto Bruel – dos quais já falo –, mas enquanto assistia à peça, as palavras que eram ditas me vinham com um peso, uma acidez incomodativa. A peça retrata a história de uma família que entra em crise após o filho voltar para casa depois de anos longe, revelando que está com AIDS. Nessa família, existe uma mãe alcoólatra, um pai distante, uma irmã louca e o seu noivo, que também é a empregada. As relações se mostram distorcidas, os diálogos são ágeis e por muitas vezes cheio de ironia e humor negro, onde mora o erro da montagem. O diretor optou por transformar o texto em uma comédia fácil, abusando das expressões “engraçadas”, e também em uma peça onde um ator teria mais destaque que os outros: Marco Nanini.

Ele fazia dois personagens – o pai e a irmã – e por causa disso, vários momentos de interação desses personagens foram cortados, o que também enfraqueceu o texto. E por fazer um personagem feminino, só de entrar em cena, já garantia a gargalhada do público, que estava extremamente risonho no dia - era até um pouco constrangedor que em momentos mais pesados houvesse risadas em diversos pontos da platéia. Talvez por causa disso, o outro personagem que Nanini fazia sempre que entrava parecia apagado, sem vida. Faltava alguma coisa ali.

Os outros atores estavam bem, principalmente Marina Lima, que cada vez mais se destaca como uma das melhores atrizes de sua geração. A sutileza com que ela constrói a mãe que não se preocupa com seus filhos, alcoólatra e extremamente viciada nas aparências é impressionante. Os que menos se destacavam era o noivo, que não aparecia muito, e ironicamente, o filho, que no texto seria o protagonista. Ele cumpre a sua função muito bem, mas parecia que faltava algum entrosamento das suas ações com o resto, principalmente na hora de tirar o chão do cenário. A metáfora do título do texto – pterodátilo, um dinossauro extinto, e a família – perde-se completamente, pois os ossos que estão escondidos debaixo das folhas secas da plataforma não são mostrados completamente e parecem apenas decoração.

Essa plataforma, junto com os sofás em cima da mesma, eram o cenário. Ela tinha uma função interessante: se inclinar durante toda a peça, desequilibrando os atores. Como efeito estético, é muito bonito ver isso em cena, o problema é que logo na sua primeira inclinação, ela começava paralela ao solo, já tinha alcançado toda a sua possibilidade de inclinação, ou seja, não iria mais trazer surpresa ao público. E mesmo a sua inclinação era pouca, ainda trazendo comodidade ao atores caminhando em cena, que se fosse para realmente mexer com as estruturas dessa família, seria preferível a inclinação ir aumentando aos poucos até um grau onde seria realmente impossível de caminhar.

Tanto a plataforma, quanto os sofás, também o piso e a parede atrás de tudo isso, tem um tom metalizado, industrial. Os figurinos também seguem essa linha sóbria, cheio de preto, branco e cinza – as únicas cores são a saia roxa da filha e o figurino do filho, todo marrom. A luz, que tem uma montagem interessante, de troca de focos, é essencialmente branca, trazendo mais desse clima para o espectador. Tudo converge para um mesmo símbolo, o que pode ser interessante, depende de quem está assistindo. A única exceção é quando a filha, já morta, volta para falar com o público e aí se utiliza o refletor sem o difusor, deixando a sua luz amarelada em cima da mesma, trazendo então mesmo a sensação que estamos a falar com o passado, pois acostumado com a luz branca, essa luz amarela modifica a percepção e tudo parece enevoado.

No fim da peça, há um monólogo do filho, enquanto sua mãe bebe e o noivo é mostrado morto, com uma luz fluorescente piscante e nesse clima sombrio, acaba por ser introduzida a mensagem da peça, um pouco tardiamente. Nesse momento, o teatro é silêncio, nada se escuta a não ser o ator e o barulho do ar-condicionado - parece que finalmente é percebida a natureza ácida do texto.

Infelizmente, Felipe Hirsch parece ter errado a mão ao transformar a peça em nada mais que entretenimento barato, sem mostrar essa família realmente se destruindo, tudo conseqüência dos seus cortes no texto e inserção de outros textos do mesmo dramaturgo, mas mesmo com tudo isso, o que mais chama em sua montagem é o texto e as suas tiradas satíricas de humor negro.

* Matheus Melchionna Diello é estudante do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Uma flauta mágica por Manoela Wilhelms Wolff

2011-10-24T09:32:00.000-07:00

“A” flauta mágica*

Uma flauta mágica, espetáculo trazido a Porto Alegre pelo encenador e diretor Peter Brook, baseado na ópera homônima de Mozart, e livremente adaptado por Brook, juntamente com Marie-Hélène Estienne e Franck Krawczyk, com certeza além de trazer uma flauta em cena, trouxe também muita magia.

A história da ópera - no libreto original com cerca de três horas de duração, no de Brook, com uma hora e meia - é uma história de amor. Tamino, um jovem príncipe, se apaixona por Pamina, a filha da Rainha da Noite, que está, no momento, mantida em cárcere por Sarastro. Tamino conhece na floresta Papageno, um atrapalhado caçador de pássaros que vai auxiliar Tamino a salvar Pamina de Sarastro. Nesse momento é que entram os dois atores (espíritos da floresta) de Peter Brook que entregam aos dois uma flauta e um triângulo, que são objetos que os protegerão durante sua jornada. Diferentemente do roteiro original, Uma flauta mágica de Brook, é cantada e dialogada. A narrativa é feita especialmente nos diálogos, enquanto as mais célebres árias da ópera foram mantidas. No elenco, que possui dois grupos completos que se apresentam alternadamente, existem sete cantores líricos e dois atores. Aqui em Porto Alegre, um grupo de cantores/atores se apresentou na quarta e na sexta-feira, e o outro na quinta-feira.

Com os atores de pés descalços, a atmosfera é onírica e intimista. As luzes da plateia ficaram o tempo todo levemente acesas e o cenário já estava à mostra quando entrava-se na sala de espetáculos do Bourbon Country. Alguns bambus no palco, com uma iluminação azul ao fundo, mas com foco amarelo nos bambus permaneceu assim por quase todo o espetáculo, exceto nos momento do ritual de iniciação de Tamino e Papageno. Além dos bambus, que durante o espetáculo eram manejados pelos atores e transformados tanto em castelo, como túneis, como prisão e floresta, utilizava-se, na cena com Papageno e Papagena, um caixote com rodinhas (aparentemente de transporte aéreo), um manto vermelho, uma garrafa de vinho e um jantar. Como acessórios, visualizamos a flauta mágica e o triângulo mágico. Afora isso, eram só os cantores/atores.

A respeito dos cantores/atores também deve ser feito um comentário. Com certeza, a parte musical estava excelente, principalmente pela vanguarda de Brook: ao invés de uma orquestra completa, apenas um pianista, que em alguns espetáculos era o próprio Franck Krawczyk e em outros Matan Porat. Os sete cantores, fizeram muito mais do que é o papel de um cantor lírico: eles mostraram organicidade e energia, retiraram o ar conhecido da ópera (de algo muito mais realista e “pomposo”) para algo simples. Além disso, renderam (principalmente os Papagenos) momentos de risadas enfáticas. As músicas eram cantadas em alemão e os diálogos em francês, e, conforme pessoas que sabem francês e alemão, percebia-se o sotaque em ambos, apesar disso não ser o suficiente para atrapalhar o entendimento (além de legendas, para aqueles que não compreendem nenhuma das duas línguas). Os dois personagens que eram feitos propriamente por atores (os espíritos da floresta), com certeza representavam o antropológico de Brook: movimentos precisos e energéticos, um deles nada fala, comunicando-se apenas visualmente, enquanto o outro até mesmo arrisca palavras em português. Seus figurinos e penteados excêntricos, com certeza atraem o foco dos olhares.

Mas além dessas questões bastante práticas de como funcionou o espetáculo, é necessário acrescentar que foi com grande espera que Peter Brook voltou ao Brasil. Não foi somente em Porto Alegre que os ingressos se esgotaram rapidamente, mas São Paulo e Rio de Janeiro tiveram sessões extras. E não somente em âmbito nacional, América do Norte e Europa também aclamaram o espetáculo. Mas o que será que chamou mais atenção dos espectadores, o nome de Peter Brook, o de Mozart, ou a busca por uma ópera mais leve?

Aqui, muitas pessoas na saída do teatro disseram que o que Brook e sua equipe produziram não foi uma ópera. Em contraposição a isso, faço minhas as palavras de André Toso, que criticou o espetáculo para a Revista Bravo!:

“De uma maneira geral, no entanto, a aproximação entre a ópera e o teatro de vanguarda é um casamento apropriado. Afinal, a ópera foi inventada na Florença do século 17 justamente para ser a primeira forma de arte multimídia. A ideia era misturar talentos de várias áreas artísticas e deixá-los criar livremente (...) Nesse sentido, os encenadores – especialmente os mais criativos – são extremamente bem-vindos ao mundo da ópera, uma forma de arte que já nasceu de vanguarda.” (Bravo! Setembro, 2011)

Acredito que avaliamos provavelmente mal a ópera de Brook, porque temos pouquíssimo contato com o gênero no nosso país. Não sabemos direito nem bem como ele é originalmente, imagine óperas vanguardistas. Mas, para pessoas que se deixam envolver no espetáculo e o admiram sem conceitos pré-estabelecidos o encantamento é o mesmo, porque a mensagem é comunicada. Peter Brook, em uma de suas falas a respeito do espetáculo por ele dirigido, ressalta ainda mais o que acontece longe do Brasil, mas que na Europa e Estados Unidos está em “voga”:

“nos últimos trinta anos, vi muitas encenações de A flauta mágica. E pude constatar que a primeira dificuldade para o encenador e o cenógrafo é o conjunto de imagens que considero demasiado imponente: no caso de Carmen, é um pouco como se a imagem que se projeta e que se espera tivesse um peso excessivo em relação ao restante. A ideia é chegar a que os cantores – jovens cantores – avancem de modo natural, vivo, amável, no desenrolar da intriga sem se impor projeções, construções, vídeos ou cenários giratórios…”.

Não se leva mais tanto em consideração (seja no teatro, seja na ópera – ou seria a mesma coisa?) a imponência de um cenário, de um figurino, ou de uma figura “estrela” do elenco: se leva o todo, o que o todo comunica. Tanto que, pouco nos importa o nome dos atores de Uma flauta mágica, apesar de que o nome de Brook chame público. Mas este é um fardo unicamente dele que cometeu a terrível falha de ser inovador na arte da encenação.

Uma flauta mágica, para mim, é A flauta mágica. Foi minha primeira ópera e meu primeiro espetáculo de Peter Brook. Mas acima de tudo, me deu uma nova visão, me trouxe coisas que eu não conhecia, perspectivas sobre um gênero que até então só via em livros. O espetáculo Uma flauta mágica foi com certeza simples, mas não simplista.

* Manoela Wilhelms Wolff é estudante no Departamento de Arte Dramática da UFRGS

A vida como ela é por Eriam Schoenardie

2011-10-22T15:23:00.000-07:00

A vida como ela não é*

Devo admitir que, ao me incorporar à plateia do espetáculo A vida como ela é, já tinha algumas perspectivas quanto ao estilo de representação escolhido pelo diretor Luiz Arthur Nunes para a peça que estava por vir. Para transformar em ação dramática cinco contos escritos por Nelson Rodrigues para uma coluna de jornal homônima na década de 1950, são empregadas técnicas do teatro épico desenvolvido por Brecht que visam o distanciamento do espectador perante as situações narradas. Nesse sentido, a obtenção da não-identificação do público se dá com êxito, exemplificada pelas risadas nervosas dos espectadores até em momentos de carga dramática mais densa. Ao optar por esse estilo de trabalho, o diretor acerta com a sua vontade de usar de diferentes meios cênicos para contar histórias, porém acaba por se perder em meio a excessos e superficialidades.

Basicamente, parecem questionáveis algumas escolhas da montagem. O primeiro conto mostrado, por exemplo, enfraquece o começo do espetáculo ao recorrer a quadros vivos compostos por dois atores, que ilustram fielmente a história relatada pelos demais. A novidade da proposta se esgota rapidamente, dando lugar a uma monotonia intimamente ligada ao caráter estático que circunda não só os referidos quadros, mas também a montagem como um todo. Por isso, vibramos ao ver uma maior movimentação corporal, como é o caso do “coro” de quatro personagens do terceiro conto, brincando com o uso de leques (desgastado, mas que funciona) e com uma dinâmica estrutural acelerada que encaminha o conto para um desenlace belamente contrastante ao da atmosfera instituída. É, sem dúvida, uma encenação que priva por uma marcação exata dos atores, característica que às vezes parece suprimir o trabalho destes e que instaura a questão: “Aquilo não poderia ter sido explorado mais a fundo?”.

O segundo conto se desenrola não menos estático, porém esteticamente mais interessante. A manipulação de atores que tem a sua face substituída por uma máscara de feições neutras é, sem dúvida, a escolha de maior beleza de toda a peça. Os usuários destes adereços se entregam nas mãos de outros colegas de elenco, para serem manobrados como se fossem marionetes de carne e osso, seja na questão dos movimentos ou até mesmo das falas (o quarto conto também se aproveita dessa ferramenta de ventriloquia, diferenciando-se ao excluir as máscaras e agora dar voz aos bonecos vivos).

Os elementos visuais, na sua maioria, são vibrantes e extravagantes. O figurino remete à época dos contos, com característicos vestidos de bolinhas em diferentes cores para cada uma das atrizes e ternos impecáveis para os homens. O cenário se resume a estruturas com design de páginas de jornal, reforçando a origem dos textos, que ao final de cada conto se iluminam e revelam uma imagem que ressalta a construída em palco. Essa última característica é desnecessária e ameaça inclusive ofuscar as imagens criadas ao final de cada quadro, já bastante significativas e por vezes muito bonitas (como é o caso dos contos dois e três).

A luz de palco é uma constante de iluminação geral para meia luz de troca de contos, sendo explorada sem muita elaboração cênica, exceto pela ajuda na criação de efeitos em algumas imagens finais. Em contrapartida, a sonoplastia tem um papel muito mais presente, sendo um recurso por vezes invocado desnecessariamente. O repertório vai de músicas populares de reconstituição histórica brasileira até músicas clássicas que sublinham a suposta tensão do enredo. Esse misto dá um clima brega a toda a trilha que, se assumida como proposta, poderia ser interessante e condizente com a forma de interpretação exagerada. Porém, esse ideal de encenação parece não se impor e o que se sucede é uma série de intervenções musicais que chegam a beirar um melodrama que se envergonha de ser melodramático.

A adaptação do texto, também feita por Luiz Arthur Nunes, acerta ao preservar grande parte da estrutura narrativa original, dando aos atores a figura de narrador em terceira pessoa ao mesmo tempo em que outros se encarregam dos diálogos. Em suas tramas, Nelson Rodrigues retratava as patologias psicológicas do subúrbio carioca usando de um caráter de depravação sexual e morbidez criminal que rodeou toda sua obra, mas que aqui é apresentado de forma muito atenuada. Assim, a encenação acaba por tomar uma válida posição de comicidade sobre tais temáticas, uma vez que o distanciamento proposto pela montagem se associa à uma análise feita por um espectador “distante” daquela época posta em palco. A exposição do texto revela outro aspecto positivo que vem como uma redenção para a falta de ações físicas mais complexas: a oralidade do elenco, que se caracteriza por uma ótima gesticulação e projeção vocal, a última talvez beneficiada pela acústica do espaço teatral.

Ao fechar das cortinas, o resultado de tudo que se vê é claro narrativamente, porém confuso teatralmente. A impressão que paira é de que as diferentes estéticas de representação dramática exploradas se tornam avulsas quanto à encenação vista em sua totalidade, uma vez que não estão amarradas entre si. Fica a dúvida, por fim, se a clássica regra do “menos é mais” não se aplicaria aqui com perfeição, optando somente pelos melhores mecanismos que preservassem a proposta geral, que em minha opinião se apoia na união de elementos de determinada época para discernir psicologismos atemporais. Infelizmente, tais signos históricos se sobressaem perante o argumento que visa a análise do “interior negro” humano, afastando demais o espectador da encenação e dando a irônica impressão de que o que contemplamos é o ser humano como ele não é, a vida como ela não é.

* Eriam Schoenardie é estudante do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Agreste malvarosa por Elvio Antonio Rossi

2011-10-22T15:14:00.000-07:00

AGRESTE MALVAROSA: TEATRO NA MEDIDA*

Cruel, a natureza é

Dá o sol na desmedida

Dá um corpo na desmedida

Dá o amor na desmedida.

Este poema inicia e fecha o espetáculo teatral Agreste malvarosa, do Amok Teatro, apresentado na última edição do Porto Alegre em Cena. Através destas frases é possível já no início, criar uma expectativa do que vai acontecer no palco; no final, vemos que a citação se encaixa perfeitamente com o que foi apresentado.

O texto, escrito por Newton Moreno, foi dirigido por Ana Teixeira e Stephane Brodt (também diretores do Amok Teatro), a convite das duas atrizes da peça, Milene Ramalho e Rita Elmor. O nome da peça remete à malva rosa, uma planta considerada com poderes de cura para os males femininos. A história que se passa no sertão nordestino, trata do amor incondicional entre um casal de lavradores. Resgatando a tradição oral de culturas como a do agreste brasileiro, a história é contada pelas atrizes, que são as narradoras, mas também, por vezes, desempenham papeis de personagens da história. A encenação conta ainda com a presença do músico Beto Lemos, que executa a trilha sonora ao vivo, tocando diversos instrumentos e pontuando a dramaticidade da trama, como elemento integrador da ação.

Entramos no teatro e uma das atrizes está sentada numa cadeira, enquanto a outra caminha em círculos, com uma trouxa de lenha nas costas. Num dos cantos da frente do palco, o músico executa a trilha sonora em um ritmo nordestino, que juntamente com a luz forte sobre o palco e o calor que fazia na sala (por falha no sistema de ar condicionado ou, quem sabe, intencionalmente), nos remetem ao âmago do sertão; a um clima árido, de sol forte, de corpos marcados pela seca.

O cenário é simples, mas com os elementos essenciais para caracterizar o interior de uma casa com paredes de palha trançada, onde há uma cruz de metal ao fundo e uma capelinha com um santo em um dos lados; num dos cantos um cesto sobre uma mesa; no centro, duas cadeiras.

A primeira parte da peça é narrada pelas atrizes, numa perfeita sincronia e com uma emoção que transborda as palavras e nos invade, fazendo com que nos transportemos integralmente para dentro do texto e para sua ação. Temos a nítida impressão de que estamos vendo as cenas que estão sendo descritas. A história conta como acontece o encontro entre o casal, inicialmente separado por uma cerca; obstáculo superado através da descoberta de um buraco, que permite aos dois fugirem juntos. Na fuga, são acolhidos por uma comunidade e lá permanecem felizes, vivendo como marido e mulher por vinte e dois anos, porém, sem ter filhos e se tocando sempre por sob o lençol e com o candeeiro apagado.

Com uma pequena pausa para ajuste do cenário, marcada pela música, inicia a segunda parte do espetáculo, onde o lavrador está morto e é representado por peças de roupa tiradas do cesto, deitado sobre uma mesa montada por dois bancos. A partir disso, a peça vai se desenvolvendo, até chegar ao surpreendente final, com as atrizes se revezando entre a narração e a representação de personagens (femininos e masculinos), numa transição que espanta pela precisão, pelo rigor e pela técnica. O corpo das atrizes literalmente se transforma em apenas alguns segundos, na sua totalidade, dando identidades diferentes aos personagens, sem exagero ou caricatura.

Aqui é possível perceber a marca do Amok Teatro, que desde a sua fundação em 1998, tem pesquisado sobre o trabalho do ator e as possibilidades de encenação. Colocando o ator e a linguagem física no centro do ato teatral, o grupo apoia a sua pesquisa em dois eixos: Antonin Artaud e Etienne Decroux, de quem utilizam a técnica da mímica corporal dramática. Desta forma, como é possível comprovar nesta peça, o corpo do ator se afirma como sendo o lugar em que o teatro verdadeiramente acontece.

O corpo, aliás, parece ser o centro gravitacional do espetáculo, até mesmo em seu desfecho, quando a identidade sexual do lavrador Etevaldo é revelada e a forma como isso é interpretado pela sociedade, nos levando a refletir sobre questões contemporâneas como o preconceito, ou os tabus que envolvem a sexualidade feminina, por exemplo. O corpo é, portanto, o elemento de ligação entre o texto e a encenação. Expor o corpo do ator como o “local do teatro”, num momento onde os variados e mirabolantes elementos cênicos, muitas vezes sepultam o trabalho do ator (e o próprio texto), é um desafio. Porém, o Amok Teatro demonstra que isso ainda é possível, e o resultado pode ser o que tivemos a oportunidade de assistir em Agreste malvarosa. Não há “desmedida”, tudo funciona perfeitamente, na exata medida, apenas com os poucos (porém, bem selecionados) recursos cênicos e contando com o excelente trabalho das atrizes. Em Agreste malvarosa, podemos dizer que o recado foi dado, a mensagem foi transmitida, o papel do teatro foi cumprido, e a recepção do público presente ao espetáculo pareceu comprovar isso.

* Elvio Antônio Rossi é aluno de graduação em História da arte da UFRGS

Pterodátilos por Nora Bastos

2011-10-21T09:03:00.000-07:00

RI MELHOR...QUEM RI NA HORA CERTA! – Uma mensagem tardia da Sra. Nora Bastos sobre a polêmica a respeito da peça Pterodátilos*

Não sou crítica teatral. Aliás, não gosto de me envolver com nada relacionado a esse povo do Teatro pois acho-os todos uns arrogantes funcionais. Porém, uma vez mais me vejo forçada a sair do conforto do meu lar...digo, do conforto da minha posição como mulher da sociedade, para levantar a voz contra a maledicência e o escárnio que imperam nesse meio tão depravado.

Pra quem não sabe quem sou, me apresento: Nora Bastos – cidadã, mulher, devota. No fatídico ano de 2005 me envolvi numa polêmica vulgar que, infelizmente, mudou minha vida para sempre: naquela época eu havia ameaçado processar João Ricardo (hoje João De Ricardo) um diretorzinho desconhecido (hoje considerado um mártir do teatro gaúcho – e sabem por quê?! Pelo que pude notar nas redes sociais e blogues por aí, só virou mártir porque a pecinha que ele montou láááááááá na pré-história, Extinção – A Impossibilidade Física de dizer esse título inteiro e ainda assim continuar Vivo, foi apresentada por aqui novamente, na última edição do festival Porto Alegre Em Cena, porém dessa vez com elenco global e um diretor incensado nas páginas de publicações culturais. Pois bem, voltando: na época eu me impus contra o tal embusteiro que nada mais fazia do que aliar-se ao seu grupo (Cia Espaço em BRANCO, se bem me lembro...) para manchar o meu nome e de minha família em troca de alguma atenção (que ironicamente só veio a adquirir agora, e por motivos igualmente duvidosos). Pra quem tem memória de peixe – o que significa, a classe teatral inteira! –, aqui vai o link para tamanha indignidade:

http://www.orkut.com/CommMsgs?tid=11594402&cmm=48273&hl=pt-BR
Um parêntese: tempos depois fiquei sabendo através de fontes confiáveis que ele e sua trupe de mambembes criaram uma verdadeira afronta ao Bom Teatro, baseando-se na vida de uma tal Teresa e jogando-a num grande aquário pra ser devorada por piranhas assassinas, alguma coisa grotesca assim; e depois ainda, apresentaram ao público outra aberração teatral que, de tão ofensiva à moral e aos bons costumes, levou um “famoso” crítico local a afirmar que o espetáculo “não merece a gentileza de um aplauso”. É desse tipo de gente que estou falando...se é que vocês me entendem.

Voltando ao foco desta mensagem: agora, anos após eu ter sido atirada à cova dos leões da intelligensia portoalegrense, minha batalha se torna ainda mais árdua e perigosa: escrevo estas linhas para pedir (pedir não, recrutar!), a(os) católicos e pessoas de bem, tementes ao Nosso Senhor Agonizante na Cruz, para que juntos boicotemos essa peça maligna intitulada Pterodátilos, encabeçada pelo demoníaco Marco Nanini, que nela interpreta dois personagens: um pai pedófilo e sua filha (grávida!) de 15 anos, de forma que mostra assim seu enorme talento em incorporar dois lados da mesma doença, porém sem nunca abandonar a máscara sedutora de ator famoso – Plim! Plim! – ainda que sabidamente um ator corrompido pelo que há de mais pútrido na face desse mundo regido por códigos estéticos incompreensíveis a nós, meros leigos; e a pedir (pedir não, implorar!) para que combatam esse maléfico presente do inferno por onde quer que ele passe, pois ele, digo, ela (a peça), não merece nem deve ser presenciada, visto que é uma obra típica daqueles que têm intimidade com Belzebu.

E um AVISO: saibam que qualquer um que gargalhar com esta peça, está fazendo – sem que o perceba conscientemente – um pacto com o demônio, já que é IMPOSSÍVEL gargalhar com tamanha baixeza (como se estivessem assistindo a um sitcom transmitido do inferno), e PRINCIPALMENTE, se a risada for fora de hora – o que acho inadmissível no teatro, pois sou de opinião de que as pessoas até podem comer balinhas ou atender celulares** (nunca se sabe quando a sorte vai nos ligar, não é mesmo?!), mas ainda assim, tenho claro pra mim que numa sala de espetáculos todas as pessoas devem rir juntas, todas ao mesmo tempo, e nos momentos adequados, mantendo desse modo os códigos de comportamento mesmo quando estão no escuro...(sobre esse tópico ainda teria muito o que comentar, mas é melhor calar).

Sei que falando assim – quase um mês após o término desse reconhecido festival de teatro (e mais de 6 anos desde que aquela galinha preta pousou em minha cabeça) – pareço anacrônica. Mas garanto-lhes que não sou, não. João de Ricardo, como hoje se auto intitula esse vermezinho, corrompeu os valores da minha família naquela época, levando a minha filha mais velha à prática de contato lésbico e o meu filho mais jovem ao álcool, ao uso de substâncias tóxicas, e às peças homossexuais de Miguel Falabella. Já Felipe Hirsch, hoje FELIPE HIRSCH, faz o mesmo que De Ricardo fez comigo e minha família, porém dessa vez, devido ao prestígio dos envolvidos e ao alcance da mídia (muuuuuuuito diferente da situação anterior) este mal se estende a todas as famílias cristãs do nosso país, valendo-se do talento diabólico da luxuriosa Mariana Lima e de seu comparsa satânico, Marco Nanini, em mais essa empreitada do Tirano. Não vamos, bons irmãos, deixar que isso aconteça com a família de vocês! Abram os olhos!

Vejam, por exemplo, o que vem acontecendo nas últimas semanas, no mundo todo: devido à união desses anarquistas desocupados que se apresentam inocentemente como ANONYMOUS, o mundo está a beira de um colapso financeiro. E isso porque esses baderneiros não aceitam de jeito nenhum a decisão superior promulgada em lei para tornar obrigatório o desconto de 50% para jovens dos 15 aos 29 anos nos eventos que estes arruaceiros promovem (se não me engano, é isso... i algo sobre o assunto na Globo News). Gente, isso é um absurdo!!! Todas as lojas do MUNDO dão desconto!!! E mais: em épocas de mudança de estação esses descontos chegam a 60, 70% do valor total de cada peça! Então por que esses desocupados não aceitam fazer a sua (mínima) parte na construção de uma democracia mundial? Simples: porque eles se consideram melhores que os outros. Pra vocês terem ideia, até em Madri já tem pessoas protestando! Tenho amigos que moraram lá e que afirmam que este é o primeiro sinal do fim dos tempos; é como o poste...desculpe o termo que irei utilizar...urinando no cachorro. Como dizem esses mesmos amigos ex-madrilenhos, entre uma taça e outra, uma gargalhada mordaz aqui e um antidepressivo ali, é “a chinelagem ganhando cada vez mais espaço”.

Por isso, vamos nos unir, irmãos! Escrevam, abaixo, seus depoimentos; Peço encarecidamente àqueles que presenciaram essa...promiscuidade teatral (em qualquer das versões acima apresentadas), que relatem sobre o que se trata essa obra tão impura e revoltante. Façam isso, bom irmãos, eu vos peço! Não apenas para que retornemos logo aos áureos tempos em que as obras de arte refletiam a nobreza dos homens de bem e inflamavam em seus corações sentimentos puros e belos, como também para termos finalmente um Brasil laico absolutamente cristão, sem que essa cambada de mascarados, empoleirados em obeliscos nas praças públicas, venham a denegrir a nossa visão otimista de mundo. E mais do que isso: sem gargalhadas indevidas, seja no teatro ou em qualquer outro ambiente social que nós, cidadãos de bem e bem nascidos (e sem culpa por sermos assim!), frequentamos.

Obrigada pela atenção. E que Cristo esteja com vocês.

PS: Concordo com todos os que escreveram a respeito desse despacho intitulado Pterodátilos: analisando estruturalmente, Todd é o Protagonista, e não as facetas demoníacas de Nanini (apesar do merecido Shell de Melhor Ator).

**Sim, sou complacente com os espectadores que conversam durante uma peça, pois sei que pessoas como nós, meros mortais, precisamos nos comunicar e de alguma forma expressar o mais imediatamente possível a nossa opinião sobre os absurdos que presenciamos sobre o palco. Se você não é, então fique em casa!

* Nora Bastos é presidenta da Associação Porto-Alegrense pela Ordem, Família, Moral e Bons Costumes Para mais informações sobre as polêmicas declarações de Nora Bastos, visite o blog http://www.norabastos.blogspot.com/

Devolução industrial por Manuella P. Goulart

2011-10-19T12:22:00.000-07:00

Devolução industrial*

Dirigido por Leo Sykes, Devolução industrial apresenta um espetáculo que mescla circo, clown, música e, é claro, teatro. Já sabendo desses artifícios, o público começa a se interessar para conferir o que resultará essa mistura cultural. Isso pôde ser comprovado pela longa fila que se formou na porta do Teatro Bruno Kiefer. Além disso, após a entrada ser liberada, havia pessoas que ainda queriam comprar ingressos. A expectativa era notável.

A primeira sensação que o espectador tem ao entrar no teatro é a de estar junto a alguma cerimônia ritualística. A atmosfera é de mistério, e esta é acentuada com um cheiro semelhante a incenso e um palco que chama bastante a atenção pela sua variedade de cores e formas. Nele se encontrava um ator vestido completamente de branco e com o rosto coberto por um acessório comprido feito de palha. Também se pôde notar uma grande roda atrás dele, um “lago” e o assento em que está sentado.

Após todos se acomodarem, o ator inicia o texto. Conta-se a história da criação do universo ilustrada por um jogo de luz e gestos entre os atores. Com isso, é possível identificar os personagens da trama: o Ser Místico e mais dois atores que chamam um ao outro de Senhor e Senhora Sapiens. O primeiro realiza variados truques de ilusionismo que entretêm o espectador. Já a “dupla Sapiens”, a partir do humor corporal, auxiliam no tom divertido da peça.

Inicialmente, é possível pensar que se assistirá a algo relacionado à Bíblia. Porém, não é bem isso o que acontece. Ao longo da peça é mostrada a evolução tecnológica humana. Com isso, os atores usam objetos que se transformam em máquinas magníficas que encantam o público. O primeiro deles é uma panela usada para, realmente, cozinhar uma sopa – que é servida, no fim do espetáculo, aos interessados em prová-la. Depois disso, a panela é mesclada com outros objetos até formar um trem à vapor. Nesse momento, há interação com o público – o que é muito frequente durante o espetáculo – em que convidam participantes para serem os passageiros dessa locomotiva.

É notável a beleza dos itens usados em cena e o olhar de surpresa do público para a variedade de objetos que eles podem se transformar. É importante também assinalar que essa maquinaria é feita a partir de utensílios recicláveis (garrafas plásticas), o que resulta numa moral ecológica ao espectador. Isso é reforçado com as músicas cantadas pelos atores. Eis um espetáculo que soube ser pedagógico sem ter elementos “piegas”.

Porém, é uma peça aconselhável para o público infantil. Pelo contrário, aquele que assistirá só se sentirá conectado por causa da dinamicidade do cenário e das máquinas. Aliás, acredito que os atores sejam mais agradáveis a partir da visão do público infantil, pois é usada uma linguagem constituída de piadas leves que dificilmente atrairão os adultos.

Assim, caso queira entreter os seus filhos ou apenas relaxar vendo um cenário dinâmico, essa é a melhor opção. Com certeza, os pequenos voltarão surpreendidos para casa, por causa da estética teatral, e com uma melhor visão ecológica.

* Manuella P. Goulart é estudante do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Agreste malvarosa por Guilherme Nervo

2011-10-17T17:29:00.000-07:00

Flor arrancada*

Malva-rosa é uma flor de pigmento violeta ou rosa, exibe um porte charmoso e possui poderes de cura. Para mim, a montagem da Cia. Amok de Teatro também exerceu um papel de cura. Eu saí embevecido da Sala Carlos Carvalho, com uma mistura de euforia e admiração. Senti o pólen extasiante da flor do sertão através de um texto recheado de metáforas, uma delicadeza incomparável, uma sonoplastia certeira, uma direção seca e encadeada, e atuações poderosas.

Parece ser impossível ficar indiferente a Agreste malvarosa. Se alguma vez eu tirava os olhos das atrizes Milene Ramalho e Rosana Barros, fazia para escutar também com os olhos a música do instrumentista Beto Lemos, que permaneceu sentado em uma cadeira pobre, executando o acompanhamento essencial no corpo do espetáculo. Sentei em um assento que fazia margem com o palco, portanto eu era banhado pela luz quente, enquanto recebia os olhares penetrantes das atrizes contando uma história de amor. Entretanto, inicialmente ou durante toda a peça, dependendo do espectador, a linguagem de atuação escolhida tem a capacidade de repelir, pois se trabalha com o exagero dos movimentos e da fala, instaurando um ambiente de força poética. Realmente, quando saí do teatro vi a maior parte dos espectadores deixando escapar elogios, mas também tinha gente de cara feia, que admitiu ter tido a vontade de se retirar do teatro. Pergunto-me como ficar desconfortável perante duas atrizes em ebulição? Justamente pela presença transparente da técnica, que não agride ou se sustenta apenas por si, mas que se envolve com o impulso da emoção como numa grande dança entre atriz e personagem.

Tanto a parte narrada quanto a parte dialogada da montagem estão bem entrelaçadas e fluem naturalmente. A direção de Ana Teixeira e Stephane Brodt decide intercalar a narração e o diálogo entre as atrizes, elas repartem o texto a fim de materializar as personagens. Enquanto Milene Ramalho segue o caminho da viúva ingênua, Rosana Barros toma conta do lavrador forte e de pele marcada. O texto do pernambucano Newton Moreno explora a inocência e ignorância das mulheres do interior do sertão nordestino, rechaçadas por um meio social que devora a diversidade com a própria boca. O início é uma celebração à descoberta amorosa, passamos a conhecer o crescimento de uma chama entre dois lavradores separados por uma cerca. Como diz a obra: Eram tímidos como caramujo. Tinha alguma coisa no amor deles que não devia acontecer. Mas aconteceu. O buraco na cerca faz com que a mulher tenha coragem de cruzá-lo e caminhe até o homem. Ouvia-se uma pele rachando na outra. E assim o casal viveu longe de tudo, em um casebre durante vinte e dois anos. Até o momento em que ele morre e as vozes dispersas da sociedade adentram enfurecidas o casebre. Descobriu-se que o marido, de nome Etevaldo, é fêmea.

A encenação não trabalha com a estética naturalista, acredita na linguagem da poesia, na universalidade dos sentimentos e das situações. A diretora Ana Teixeira diz que o intuito é recriar o agreste e não mostrar a realidade do agreste. O sertão nordestino é desterritorializado a partir do momento em que exploramos um sentimento incondicional de amor entre duas mulheres. O contexto social nordestino aparece na obra de Newton Moreno, a partir das expressões tipicamente regionais e da reação ultraconservadora do povoado diante da situação. As atrizes constroem personagens com um forte sotaque nordestino, modelando os corpos de acordo com a troca de personagem. Basta enrolar parte do figurino na cabeça e pronto, surge uma velha. É o ator com ele mesmo, teatro pobre que acaba se desdobrando em uma riqueza descomunal. É o que vemos na construção da personagem do padre, por Rosana Barros. Desesperada, a viúva pede que ele benza Etevaldo para que o espírito dele descanse em paz, mas o padre se recusa devido ao escândalo causado. Ele diz: Pelo menos se tivesse me chamado antes, nós teríamos feito de outro jeito. Já enterrei gente que nem você e ela...Etevaldo. Uma fala que serve como termômetro da hipocrisia da instituição religiosa.

O autor confessou que havia escrito o espetáculo pensando na direção de Ana e Sthephane, o que explica a harmonia entre texto dramático e montagem. Newton aceitou o convite de revisitar sua obra original, Agreste (premiada com o Shell e o APCA), transformando o casal masculino em feminino. E diz também que foi um presente voltar ao ninho de fêmeas, pois é aí que reside a origem do texto: através da conversa com uma amiga que contava, transtornada, o desconhecimento corporal/sexual entre as mulheres do sertão. O que acaba se encaixando com o imaginário sertanejo, no qual a mulher se traveste de homem a fim de espantar futuros males como a submissão.

Agreste malvarosa expõe a força brutal do preconceito. Escancara os limites que uma construção cultural pode alcançar. Numa terra onde mulher deita com homem, não há espaço para descobrir-se mulher com outra mulher. A norma da heterossexualidade é clara e irredutível, o que está representado de forma excelente na figura do Delegado, próximo ao término da peça. Delegado - E tu num sabia que coronel num gosta dessa esfregação de fêmea com fêmea. Amanhã, na cadeia, a senhora vai conhecer macho para nunca mais se confundir.

Esse foi o momento que mais capturou a minha atenção, o trabalho vocal acasala muito bem com o texto, evocando figuras espantosas de autoridade. Mais interessante ainda, é ver a transição a partir do choque corporal entre a figura máscula e indignada do Delegado, com a figura acuada, espantada de Maria. Ela se sentia um prato de comida estragada. Uma carniça. Um penico. Um escarro. Uma doença. Um pus. Um cancro. Uma gota. Suja, suja, imunda.

Essa descrição do estado de humilhação da viúva, não mostra apenas a dimensão da perda do marido, que a coloca num estado de vulnerabilidade, mas também a sensação do indivíduo homossexual perante o preconceito que é capaz de arrasar. A eficiência do último quadro da peça é conquistada através dos méritos do cenário e da iluminação. Uma luz vermelha penetra em cada brecha do casebre de palha e madeira, incendiando o casal de amantes. Mas na crença da viúva, aquilo não era tragédia nenhuma, Deus havia escutado seu canto. Uniria ela com Etevaldo.

Cruel, a natureza é

Dá o sol na desmedida

Dá um corpo na desmedida

Dá o amor na desmedida.

* Guilherme Nervo é estudante do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Sua Incelença, Ricardo III por Adriane Mottola

2011-10-10T17:22:00.000-07:00

Sua Incelença, Ricardo III*

Duas décadas depois de estontear o teatro brasileiro com o Romeu e Julieta do Grupo Galpão, que resgatava as origens populares de Shakespeare em montagem para a rua, o diretor Gabriel Vilela retorna ao bardo inglês em parceria com o grupo potiguar Clowns de Shakespeare. Diretor inventivo, Vilela cria pontes entre a cultura popular brasileira e o universo elisabetano e imprime em Sua Incelença, Ricardo III as suas marcas mais conhecidas: teatralidade barroca, apelos frequentes ao imaginário brasileiro, figurinos exuberantes e riqueza de detalhes.

O grupo Clowns de Shakespeare de Natal, com 17 anos de trajetória, desenvolve um trabalho de pesquisa teatral com foco na presença cênica do ator, musicalidade da cena e do corpo e no teatro popular. Numa escolha em que encenaria a sua primeira peça não cômica – o drama histórico Ricardo III - o grupo é desafiado por Vilela a trazer o vilão shakespeariano para o universo lúdico do picadeiro do circo, encenando Ricardo III ao ar livre, bem ao gosto do teatro elisabetano, numa montagem que une sarcasmo, humor e ironia.

Ao carnavalizar a ascensão e queda de Ricardo III, em sua trajetória de assassinatos e traições rumo à coroa da Inglaterra, a encenação de Vilela dilui o trágico e ganha em apelo popular (sem cair no popularesco). Para que as 4h da primeira leitura do texto pelo grupo se transformem na 1h15min que dura a montagem, a linguagem cênica complementa a dramaturgia enfatizando a narrativa visual ao “tempero” de uma trilha sonora que mescla as incelenças (cantigas típicas do Nordeste, geralmente ligadas a rituais fúnebres) com citações de bandas como Queen e Supertramp.

O diálogo entre as tramas da Inglaterra elisabetana e a realidade do sertão nordestino perpassa toda a obra: cenografia, figurino e sotaque caracterizam o Nordeste, Ricardo III é retratado como coronel sertanejo, personagens shakespearianos são transformados em cangaceiros e ciganas, numa miscelânea criativa que ainda reserva lugar para uma rainha-mãe cover do Fred Mercury, uma Lady Anne travestida que impede que o espectador acesse a cena através do romantismo e Daydream cantada por um coro de palhaços.

Sua Incelença, Ricardo III tem o mérito de tratar o clássico shakespeariano com liberdade e frescor, atingindo o espectador com tiro certeiro, inebriado pelos requintes da montagem. Shakespeare em estado puro!

* Adriane Mottola é encenadora

Cida Moreira- A dama indigna por Marina Mendo

2011-10-10T17:12:00.000-07:00

Cida Moreira, encontro com UMA Dama Indigna*

Segue UM depoimento sobre UM encontro com UMA Dama. Fascínio e espanto a cada vez que a ouço, escrevo assim, sem muitos pudores (coisas que aprendi com ela!).

Este espanto aconteceu pela primeira vez em dois mil e pouco, eu tinha vinte e também poucos anos, e fui a um show seu num domingo à tarde no Theatro São Pedro. Cida Moreira cantaria Tom Waits. Na ocasião eu nunca tinha ouvido Tom Waits e desde então não consegui mais desvincular um do outro. Não consegui mais parar de ouvi-los, descobri-los e de recorrer a eles quando faminta.

A música de Cida Moreira é uma expressão selvagem, muito de tudo aquilo que em nós não pode ser domesticado está ali se agitando sonoramente e neste movimento nos captura em uma experiência musical poderosa, emocionante, da qual não se sai ileso.

Exposta na rica promiscuidade das referências que compõe o repertório de A dama indigna, espetáculo apresentado durante o 18º Porto Alegre em Cena, Cida retira-nos da tagarelice do cotidiano pelos traços inconfundíveis de sua expressão: a singularidade com que se apropria de cada música transformando a matéria sonora em uma extensão de si, um fluxo espetacular que conecta suas mãos, voz, corpo, piano, teatro, nós.

Cida constroi e desconstroi harmonias para seu piano e voz, envolvendo cada música na fumaça de seu cabaret. Assim, são por ela abocanhados artistas que tangenciaram as dimensões arte-vida através de comportamentos performáticos transgressores e criações sensíveis aos blocos de forças que atravessaram (e esburacaram) politica, social e criticamente seus tempos: Jards Macalé ( Hotel das estrelas do primeiro LP do antropofágico músico-poeta 1972 ), David Bowie (Soul love), Caetano Veloso ( Mãe e O ciúme), Du Bose Heyward e George Gershwin em Summertime (minha música preferida, um clássico, atualizando sua eternidade, e também título do primeiro espetáculo e LP de Cida em 1981). Em tempos de espetacularização da morte dos famosos, Cida sai pela tangente exaltando a força musical de Back to black (Amy Winehouse), Gonzaguinha (Palavras), Chico Buarque (Uma canção desnaturada), Youkali-Tango (Roger Fernay e Kurt Weill) e como não poderia faltar Tom Waits ( Lullaby/ Tango ‘Till they’re sore), entre outras maravilhas. O CD A dama indigna produzido por Cida Moreira e Thiago Marques Luiz foi lançado pelo selo Joia Moderna.

Todas as componentes do espetáculo (repertório, desenhos de luz, cenário e figurino) conversam naturalmente sem medir muito as palavras! A direção cênica de Humberto Vieira nos transforma em público de um cabaret, testemunhas dos ímpetos de uma persona teatral (assim definida pela artista) corporificada em ações precisas, atravessadas pela expressão de um conflito íntimo (origem do drama). Em diferentes momentos percebemos a construção de alguma coisa (um charuto se acendendo, uma taça cheia, uma rosa vermelha, o lirismo que introduz algumas canções) que daqui a pouco será decomposta, desfigurada, arremessada em diferentes direções e neste movimento nos atingirá. A direção cria uma zona de convivência orgânica entre música/performance, não presenciamos ali a música em primeiro plano, e um comportamento performático em segundo plano, os planos se atravessam, A dama indigna é híbrida e liberta do início ao fim.

O espetáculo foi iluminado por Cláudia de Bem, em uma impecável criação de estados visuais para cada música. Uma conversa sensível entre cor, luz, sombra e som, construindo um espaço íntimo para a relação entre Cida, sua música e o público. Uma maravilha desta artista da luz (reforçando palavras da própria Cida ao se referir a iluminadora).

Em A dama indigna, está segundo ela mesma, ”o exercício sem pudores de sua dignidade na arte”, onde somos conduzidos pelo seu arquivo vivo de histórias, memórias, referências, reverências, saudades e homenagens. Temos assim, diante dos olhos, um palco povoado de presenças, heranças de uma trajetória marcada pela convivência poética com tantos outros artistas a quem ela generosamente evoca, agradece e pede aplausos.

Escrever sobre Cida Moreira sem me rasgar não é possível, estive diante de uma Dama, que produziu estados que me transportaram, fica aqui certamente um vazio entre a palavra e o acontecimento, um encontro com indefiníveis forças da natureza, um encontro com UMA Dama.

* Marina Mendo é atriz

Os vencedores do Prêmio Braskem 2011

2011-09-28T11:02:00.000-07:00

Ontem à noite, em cerimônia no Teatro do Bourbon Country, e com o complemento do show Mônicas (das cantoras Mônica Tomasi e Mônica Feijó), foram entregues os cinco troféus Braskem para os escolhidos pela comissão julgadora como os melhores espetáculos locais apresentados na programação do 18º Porto Alegre em Cena. Neste ano, a comissão foi integrada pelos jornalistas Alice Urbim, Fábio Prikladnicki, Michele Rolim, Vera Pinto e Zeca Kiechaloski. Os vencedores foram:

Melhor Espetáculo do Júri Popular: HYBRIS

do Grupo Falos e Stercus, com direção de Marcelo Restori

Melhor Ator: DENIS GOSCH

pelo espetáculo Hotel Fuck: num dia quente a maionese pode te matar

direção de Jezebel de Carli, da Santa Estação Cia. de Teatro

Melhor Atriz: CAROLINA GARCIA

pelo espetáculo A tecelã

dirigido por Paulo Balardim, do grupo A Caixa do Elefante Teatro de Bonecos

Melhor Direção: DANIEL COLIN

pelo espetáculo Wonderland e o que M. Jackson encontrou por lá

do Teatro Sarcáustico

Melhor Espetáculo:

WONDERLAND

E O QUE M. JACKSON ENCONTROU POR LÁ

Luiz Paulo Vasconcellos, o padrinho do Porto Alegre em Cena em 2012

2011-09-28T10:38:00.000-07:00

Já está escolhido o nome do padrinho da edição 2012 do Porto Alegre em Cena: será o ator, diretor, professor e escritor Luiz Paulo Vasconcellos, um dos nomes mais importantes da história do teatro gaúcho. Aos 70 anos, Luiz Paulo participou da formação de grande parte dos artistas que hoje estão em atividade em nossos palcos. Apesar de ser carioca, tem vivido a maior parte de sua vida em Porto Alegre (desde 1969), onde desde então trabalha ativamente, seja em empreitadas artísticas, seja em cargos públicos. Casado com a atriz Sandra Dani, forma com ela um dos casais mais queridos e importantes de nossas artes cênicas. Parabéns Luiz Paulo!

Medeia por Jessé Oliveira

2011-09-28T09:39:00.000-07:00

Medeia numa montagem intercultural*

Médée, de Burkina Faso, sob a direção de Jean-Louis Martinelli foi, em minha opinião, um dos pontos culminantes do 18º Porto Alegre em Cena. Obviamente que eu tinha uma expectativa em relação a este espetáculo por conta de interesses pessoais, essencialmente pelo trabalho que desenvolvo junto ao Grupo Caixa-Preta. Há uma evidente identidade com o ensemble burquinense.

Para Bernard Dort não dizemos que vamos ver uma peça ou um espetáculo e sim que vamos ao teatro, significando que há muito mais coisas nesta aventura que somente a obra que assistiremos. Esta assertiva é confirmada por Jorge Dubatti que defende a noção de um convívio teatral que estende esta experiência a diversas dimensões para além do momento exclusivo da representação e para falar de Médée é preciso escancarar as portas do presente e do passado.

Fui ao espetáculo com a “tarefa” de extrair algum comentário que pudesse ser compartilhado com outras pessoas que iriam ler na página do festival e isto imprimiu certa preocupação extra com a experiência efêmera que é a representação teatral. Tive o privilégio de adentrar a plateia com aproximadamente uma hora de antecedência ao restante do público, o que me possibilitou presenciar ajustes por parte dos atores e equipe técnica e da própria produção do Em Cena. Inegável observar que se tratava de atores negros e equipe de criação e técnica formada por artistas brancos. No entanto, todos se comunicavam em francês, língua adotada no país desde que era uma possessão francesa. Impossível abstrair esta observação.

No final do século XIX a França chega a esta localidade e a nomeia de Alto Volta, que perduraria até o ano de 1984 quando troca para Burkina Faso. É um país muito pobre com alto índice de analfabetismo e, como toda a África, sofreu com a histórica espoliação colonialista que viveu durante mais de um século sob o domínio francês, tendo alcançado sua independência somente em 1960. Unificado e dividido muitas vezes segundo interesses externos, Burkina Faso, sofre ainda por esta história de violência política. Como parte da África, tem, atualmente, sua maioria religiosa de muçulmanos, mas ainda possui reminiscências de religiões originais que competem ainda com o cristianismo católico e protestante. Os deuses originais vivem no exílio, aqui no Brasil, em Cuba, no Haiti...

Esta situação de permanente acampamento de refugiados em seu próprio país serve de “cenário” para Médée, entretanto, falta à montagem decifrar a origem das lutas étnicas, pois elas foram intensificadas justamente pela delimitação artificial de um território político que não podia comportar a diversidade, fenômeno identificado em quase toda a África e Oriente Médio. Relevante lembrar que os anos 1950-1960 foi um período em que se desenvolveu o conceito de negritude, cunhado por intelectuais africanos e antilhanos francófonos que viveram na França, como Aimé Cesaire, Leopold Senghor, Sheik Anta Diop. A França à época tinha uma efervescência por liberdade, contudo, mantinha colônias na África e Ásia. Liberdade para quem?

Estivéssemos na Grécia Antiga, uma introdução à tragédia seria algo dispensável, uma vez que todos conheciam seus mitos e as histórias contadas nos festivais teatrais, todos queriam saber como seus autores preferidos desenvolviam cada história. Eurípides (480-406 a.C.) foi tragediógrafo da fase decadente de uma Grécia clássica já dominada pelo sofisma. O enredo de Medeia (431 a.C.) é simples e tem seu início na aventura dos Argonautas, liderados por Jasão que tem a tarefa de conquistar o Velocino de Ouro, muito bem protegido no Bosque de Ares, sob o domínio do rei da Cólquida, Eetes, pai de Medeia. Com a promessa de casamento por parte de Jasão ela o ajuda, e na fuga despedaça seu próprio irmão para atrasar os perseguidores. Tem dois filhos com Jasão e eles serão o instrumento de sua vingança. Medeia é sobrinha de Circe, a feiticeira, e neta de Hélio, o Sol, que ao final garante sua fuga no deus ex-máquina, uma inovação na estrutura trágica que de certa forma resolvia o complexo enredamento da narrativa euripidiana. Jasão pretere o amor de Medeia em favor de Creusa, filha do fraco Creonte e ela como vingança envia, através dos filhos, um véu enfeitiçado que ateia fogo na jovem e em seu pai. Ao retornarem os filhos são mortos por Medeia. A peça em questão é uma adaptação de Max Rouquete, que sintetiza muito bem a trama utilizando um dialeto do sul da França em contraponto com cânticos autóctones que muito lembram as cerimônias do povo do asè (Axé) brasileiro.

Aqui no Brasil, qualquer pessoa minimamente iniciada no Candomblé, ou no Batuque, designação da religião de matriz africana no Rio Grande do Sul, não precisaria de informação alguma para compreender os personagens e os signos da liturgia por haver um domínio desta cultura. Entretanto, nós, público médio, desconhecemos os mitos unificadores desta longa tradição perpetuada no país como forma de resistência cultural e política, assim como nos falta o conhecimento do sistema trágico grego. Nos resta analisar a obra a partir dos elementos que dominamos, na sua condição de teatro. E isto basta para compreender a montagem burquinense, estrelada pela magistral atriz Odile Sankara, uma vez que a obra trava aproximação muito grande com o teatro europeu. A Medeia de Odile é inesquecível e impecável assim como toda a montagem.

Já no início da peça chama atenção a pergunta proferida pelo coro: “Que povo que somos? Povo maldito” e que, sob certo aspecto, pode ser compreendida como uma ponte entre o discurso original da peça e o homem contemporâneo vivido pela população burquinense e o elenco de Médée.

Contrariando seus antecessores, da fatalidade cega de Ésquilo ou o lógos da razão socrática de Sófocles, em quem os deuses olímpicos tinham papel fundamental, em Euripides é Eros, a força da paixão que nutre os personagens. Medeia é, segundo Junito Brandão, a tragédia do amor transmutado em ódio mortal e, lembrando uma frase de Brecht: “um homem tem sempre medo de uma mulher que ame muito”. Odile, a atriz burquinense consegue dar esta dimensão da mulher que sofre por amar desmedidamente, mas não se torna submissa ao objeto amado, somente à sua própria paixão.

Além de uma presença cênica estupenda (seja lá o que isto significar) Odile tem uma voz e uma forma tão intensa de dizer o seu texto que comoveria, ainda que se estivesse de olhos fechados. A África tem uma tradição oral tão forte e viva, uma vez que parte do ensino-aprendizagem se dá pela oralidade e a transmissão do conhecimento é muito direta, apreende-se o conhecimento ancestral ouvindo os mais velhos. Gostaria de ter gravado esta mulher dizendo suas falas. Elas tinham imagens interiores.

Sua força contrasta com as figuras masculinas fracas como a do Rei Creonte, muito bem construídas pelo ator que o representou que, já em sua primeira aparição cativou e disse muito com seu silêncio cheio de intensidade. Creonte aparece em cena como um político populista e oportunista que por sua fraqueza intelectual em contraste com a fala apaixonada de Medeia acaba tendo como alternativa somente o uso da força. Contudo, a astúcia dela acaba por dobrá-lo pela falta de argumentos. É, sem dúvida, uma das cenas mais brilhantes desta montagem.

Não poderíamos esquecer a Ama, já presente em cena enquanto o público entra. Seria impossível. Ela tenta manter o fogo de um braseiro aceso e mantemo-nos presos as suas ações mínimas e, logo que começa a peça já indica sua preocupação com as intensões da protagonista. Juntamente com o preceptor dá a devida força para a progressão da peça a fim de manter o espectador atendo ao desenrolar da trama sempre num crescente. Ama e preceptor, uma dupla que joga o jogo do teatro numa simplicidade que comove. Aliados às crianças que foram recrutadas aqui e foram absolutamente magníficas - e olha que não gosto de peça com crianças em cena. O menino menor era de fazer suar os olhos e ao mesmo tempo tirar lindos sorrisos de nossos rostos sisudos, lembrando que existe um futuro...que dura pouco.

A peça segue em termos de espetáculo o rigor da tradição europeia. Pouco da narrativa ou mesmo dos elementos de encenação foge aos modelos conhecidos nos palcos ocidentais e isto não traz prejuízo algum, apenas saliento que não é uma peça construída sob os referenciais culturais africanos, ainda que consigamos ver uma corporalidade que afirma sua africanidade e, neste sentido criam um modo próprio de deglutir a influência de um teatro de inspiração euro-ocidental.

Em contraponto à personagem Medeia, com seu furor intempestivo, temos o cinismo de Jasão oportunista que com sua fala mansa tenta sofisticamente convencer Medeia de que ele tomou a melhor decisão para todos e que o exílio dela faz parte de seu jeito de protegê-la e aos seus filhos.

O cenário, assim como o próprio espaço cênico são reveladores, ora deixando uma tênue luz revelar parte da movimentação em penumbra e ora ao modo brechtiano, revela toda a estrutura do teatro nos chamando a consciência de espectadores. Utilizando potentes refletores fresnel de 5 mil watts, algo somente visto nas grandes produções de fora da cidade, a luz é sempre reveladora e não deixa nada escondido, é quase a presença de Hélio, o Sol que vai proteger Medeia de seus atos e acusar a omissão e a traição de seus inimigos.

Se toda a peça é construída sob um forte domínio de uma teatralidade de matriz europeia, na noite do dia 25 de setembro fomos brindados, ao final da apresentação, com uma pequena demonstração de danças africanas por parte das atrizes, algo provavelmente não ensaiado, fruto da alegria do momento. Uma bela despedida para o Festival. Viva Burkina Faso. Asè.

* Jessé Oliveira é encenador

Mônicas por Marcos Chaves

2011-09-28T09:19:00.000-07:00

Intercâmbio*

Para comentar o show musical intitulado Mônicas, eu não poderia deixar de situá-lo onde sua apresentação estava inserida. Dentro do Porto Alegre Em Cena, atração de encerramento e entrega do Prêmio Braskem – que destaca espetáculos gaúchos de artes cênicas – e, por isso, havia na plateia um público diferenciado.

Diferenciado no sentido em que muitas emoções estavam ali presentes, o show, para alguns, fazia parte de uma grande festa, e no passar de sua realização, na medida em que eram revelados os premiados, mistos de alegrias, tristezas, concordes e discordes instauravam-se no ar, também fazendo parte do show, pois o espectador é o sentido do artista “estar no palco”.

Dito isso, é claro que era possível perceber parte do público curtindo o show, e parte do público envolta em outras emoções. E não apenas pelo prêmio Braskem, mas também pela data final do festival, um clima de compensação pelos organizadores do evento que procuraram fazer um bom trabalho, entremeados por discursos de importantes pessoas que fazem e/ou apoiam o festival.

Da premiação, parabenizo todos os artistas destacados pelo júri popular ou júri oficial – que tiveram um difícil trabalho devido a tantos concorrentes apresentando obras artísticas de qualidade.

Situadas em uma apresentação dentro de um evento complexo, Mônica Tomasi (RS) e Mônica Feijó (PE) – por isso o nome Mônicas – tinham outra preocupação com seus músicos: fazer um grande show para o público presente. Luciano Alabarse, coordenador geral do Porto Alegre Em Cena, revelou que há algum tempo queria apresentar a musicista pernambucana ao público gaúcho, esperava apenas o momento certo. Disse também um fato que vivenciamos: a dificuldade de “expandir fronteiras” que os artistas possuem com suas obras. Não é fácil conseguir espaços em outros centros culturais, geralmente os espetáculos percorrem uma trajetória local e/ou regional dentro do próprio estado. Certamente não por opção, e sim por esbarrar em dificuldades diversas.

Unir o grupo gaúcho de Tomasi ao pernambucano de Feijó fora uma grande ideia, desta forma o público apreciou um pouco mais da Mônica “daqui”, e conheceu a Mônica “de lá”. O intercâmbio cultural estava presente, os músicos realmente se divertiram no palco. É fato que as cantoras, sabendo do show marcado há meses atrás, mantinham contato já trocando seus repertórios, criando situações para o evento, dividindo ideias...O que poucos sabem, é que elas apenas se conheceram pessoalmente um dia antes do show. Houve apenas um ensaio. Não é tarefa fácil, e os músicos se saíram muito bem: tanto que o ponto alto do show aconteceu quando todos estavam no palco e ambas as Mônicas cantavam juntas.

Divididos em blocos, o show primeiro nos trouxe Mônica Tomasi acompanhada por dois músicos, Giovani Berti na percussão e Matheus Kleber no acordeon – jovem artista que realço por fazer do instrumento de sopro uma extensão de seu corpo. No segundo bloco, Monica Feijó e quatro instrumentistas, Tom Rocha na bateria, Areia no baixo, Rodrigo Souza na guitarra e Guga Fonseca nos teclados. Desta formação, destaco Fonseca por sua habilidade e sensibilidade aos timbres. A partir do terceiro bloco um presente a nossos olhos e ouvidos: a junção de todos os artistas no palco, superando o pouco entrosamento e descobrindo relações frente ao público. Um ganho ao show.

Nas composições próprias, poesia. Mas o público precisaria de outras oportunidades para melhor conhecer cada Mônica, fica o show como parte de um grande evento, repleto de emoções, e agora – introduzida a cantora de Recife ao público gaúcho e aguçada curiosidade a respeito da cantora de Porto Alegre – temos como procurar um pouco mais sobre cada artista, bem-vinda a tecnologia neste quesito. As Mônicas marcaram o Porto Alegre Em Cena e estarão na memória do festival e do público presente. Uma bela atração para um festival que cresce a cada ano, e atingiu a maioridade – 18 anos de Porto Alegre Em Cena – mostrando que é um dos eventos culturais mais importantes do país, quiçá da América, com reconhecimento intercontinental.

* Marcos Chaves é ator, músico e criador de trilha sonora

Medeia por Rodrigo Monteiro

2011-09-26T20:55:00.000-07:00

Médée*

O espetáculo Médée (Medeia), participante do 18º Porto Alegre em Cena, não é a atualização para teatro do clássico de Eurípedes, mas a versão teatral do texto de Max Rouquette (1908-2005), autor expoente da língua occitana, idioma falado no sul da França. Escrito em 2003, o texto substituiu o projeto inicial do diretor Jean-Louis Martinelli, diretor do Théâtre Nanterre-Amandiers, desde 2002, que era produzir um texto de Heiner Müller, com o elenco Burkina Faso, país do centro-oeste africano. A primeira montagem, de 2003, foi sucedida por mais duas 2008 e 2009. Nela, o espectador se encontra com uma Medeia vista a partir de sua relação com as forças superiores (versão que também pode ser encontrada na Medeia de Pasolini, filme de 1969, cuja protagonista é Maria Callas), sem dúvida, um ponto de vista diferente e interessante de trazer a personagem clássica para os dias de hoje.

O palco é a frente da casa de Medeia. A peça começa quando já faz três dias que Jasão está sumido e ninguém sabe de seu paradeiro. Há uma criada um criado e os dois filhos do casal, esses últimos interpretados, em Porto Alegre, por dois atores mirins alunos da atriz Gabriela Greco. Há, também, o célebre coro de mulheres, que, nessa versão, canta salmos em uma língua africana, cujas legendas não apareceram na sessão a que eu assisti (e não fizeram falta, impressionando positivamente pela sua peculiar sonoridade). Em todas as cenas, é possível encontrar muitas marcas que embasam a tese exposta no parágrafo de abertura: a) a fala inicial, em que a Ama se reporta a Deus; b) os títulos do coro: Salmo do Perdão, Salmo das Crianças, Salmo das Mulheres, Salmo do Pressentimento...; c) a postura curvada dos atores que interpretam servos versus a coluna ereta dos atores que interpretam nobres, além das expressões faciais neutras de todos, o que exibe a submissão ao destino; d) o tom ritualístico com que o Rei é recebido (a acolhida não é espontânea, mas cultural, isto é, o Rei não é recebido daquele jeito porque esse é sentimento, mas porque aquele é o costume); e) o jogo cênico estabelecido na cena entre o Creonte e Medeia, ambos de linhagem real (rei = ungido pelo sagrado); f) a recuperação do passado de “feiticeira” de Medeia; g) o final, em que a protagonista é vista voando pelo espaço; etc. Em várias passagens, a concepção se reafirma, converge, se estrutura enquanto um objeto único, coeso e coerente consigo próprio, tornando a produção bastante valorosa. Um autor, diretor ou/e ator pode ter o ponto de vista que quiser sobre um determinado texto na hora de concretizá-lo cenicamente, mas o ato da encenação precisa ser fundamentado em bases sólidas que, no todo de suas potencialidades, seja o resultado de um projeto pensado esteticamente em cada uma de suas partes. Em Médée, é exatamente isso o que se vê para o deleite da plateia da capital gaúcha.

Odile Sankara, que interpreta Medeia, está excelente em todos os pontos elementares de sua construção. Junto dela, o elenco, de um modo geral, ajuda a construir grandes momentos. Para destacar um instante que poderia parecer um detalhe dispensável, cito a expressão da líder do grupo de mulheres (Corifeu): na cena em que as mulheres tentam demover Medeia do assassinato dos próprios filhos, o rosto da atriz está impassível, forte, concentrado, potente. Tem grande mérito a produção em que, da alta protagonista ao mais coadjuvante dos personagens, todos exibem o resultado de um trabalho de primeiríssima qualidade como é o caso aqui.

Se figurinos, cenário e trilha sonora estão impecáveis, a iluminação apresenta-se como um recurso bastante mal utilizado. A produção está quase durante todo o tempo da encenação iluminada com luz geral, sem focos que favoreçam os diferentes momentos/lugares de sua narração. Luzes atrás do cenário vazam pessimamente para a plateia e, o pior de tudo, um objeto espelhado reflete a forte luz dos refletores nos olhos da audiência que é perturbada por isso.

Termina o Festival com a graça de um elenco de artistas que recebe os aplausos como se celebrasse a sua vida, a sua vinda, o seu talento expresso na peça a que acabou-se de assistir. Um brinde a todos nós.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Estrella Morente por Ana Cláudia Munari

2011-09-26T20:43:00.000-07:00

¡Wa-llah!*

Assisti ao show de Estrella Morente no Bourbon Country no domingo, no último dia do Porto Alegre em Cena. Maravilloso! Saí de lá naquele estado catártico de quem tem um encontro com a arte, com todos os sentidos acionados e pensando na beleza das coisas. Eu nunca tinha assistido a um show de flamenco naquele estilo, e fiquei refletindo sobre suas origens, os intérpretes, os instrumentos, enfim, cheia de perguntas para fazer ao Google quando chegasse em casa. Havia em mim a sensação de que presenciara algo mais puro do que aquilo que se costuma ver da cultura espanhola nos shows para turistas e na televisão, pela muito perceptível influência árabe no canto e na interjeição de estímulo “wa-llah”, além da forma quase ritualística do início do espetáculo e do uso daquela caixa de madeira, cujo nome só lembrei depois: cajón. Enquanto eu pensava em origem e raízes do flamenco, alguém me disse que se tratava de algo novo, moderno, e que os violeiros tinham influência do rock.

Fiquei surpresa com a minha interpretação tão diferente, mas essa é justamente uma característica da arte: entregar os sentidos para o receptor. Apesar disso, certamente aquele estilo apresentava marcas e influências distinguíveis, que eu desconhecia. No dia seguinte, vi no Facebook o comentário do Hique Gomez (ator, cantor e pai da Clarah Averbuck), dizendo que Estrella magnetizou a plateia, e foi mesmo o que ela fez, chegando ao ápice com sua homenagem ao Brasil, ao final, cantando e dançando um samba e trazendo sambistas e seus pandeiros para o palco – ela é fã de Caetano, Bethânia e Elis Regina. Mas foi a forma como Hique conceituou a música apresentada pelo grupo que me chamou a atenção: “Flamenco puro: passado e futuro”, eis aí uma resposta para o conflito sobre o gênero interpretado por Estrella Morente e seus companheiros de palco.

No website da estrela Estrella, podemos confirmar uma importantíssima informação: ela é filha, sobrinha, neta de cantores, bailarinos, maestros, instrumentistas de flamenco. Ou seja: em sua própria origem, está a cultura do flamenco. Certamente isso tem relação com a primeira parte da expressão usada por Hique: “passado”. Desse passado, Estrella trouxe aquele canto original, que parece um lamento – a melancolia, a soléa, que, como disse Estrella em entrevista, tem influência do fado. Tradicionalmente, o flamenco era isto, o canto andaluz, e foi daí minha sensação de viagem no tempo, para algo primitivo e essencial, que toca, até sem palavras, a alma da gente. Palmas e guitarras vemos muito nas representações contemporâneas, que incluem as castanholas, mas isso também não é algo que possa ser chamado “novo”. Já o conceito de moderno, como foi qualificado o espetáculo, pode definir aquilo que tenha surgido da modernidade, que remonta ao período entre os séculos XVI e XVIII. Assim, o próprio flamenco, como mistura cultural, é moderno!

O fato de se tornar um espetáculo, e não uma reunião de membros de uma comunidade espanhola, por si só já configura essa desconstrução de um gênero “original”, e assim toda uma grande parte da cultura moderna, mesmo as ditas nacionais ou identitárias, perderia seu sentido de pureza ilusória. A quebra da tradição talvez esteja mesmo no fato de que é impossível ao artista manter-se apartado do mundo que o cerca, insensível ao que o toca diante da criação, isento de sua bagagem. Os jovens membros do grupo, incluindo a cantora de 32 anos, trazem consigo o vigor que o próprio flamenco admite seja incorporado. Sejam as tecnologias que permitem a configuração do som ou das luzes – o novo –, até as novas práticas instrumentais, talvez herdadas de outros gêneros e tendências, na linha fragmentada da vida – o futuro –, tudo serve, ali, para a celebração da tradição espanhola. Se os jovens guitarristas flamencos dedilham sob a influência do rock, ou se o folclore brasileiro é matéria de inspiração, nada disso é estranho ao que fizeram os flamencos do passado, afinando as cordas dos violões com a imaginação perpassando por todos os sons do mundo, aqueles que conquistavam territórios, atravessavam fronteiras, criavam outras nações.

O que eu ouvi foi a originalidade do flamenco, distinguível no canto, nas guitarras, nas palmas, no baile: passado e futuro, tradição e modernidade, herança e renovação. E talento, essencial para a arte. Mais: a alegria do pertencimento a uma cultura que se ama, respeita e cultiva, que é o elemento contagiante, a chama que desperta o reconhecimento do público como algo vivo, humano, essencial. Como a cultura...¡Olé!

* Ana Cláudia Munari é Doutora em Letras

Ninguém falou que seria fácil por Carolina Garcia

2011-09-26T20:35:00.000-07:00

Ninguém falou que seria fácil*

Olhando as postagens deste blog, resolvi escrever minhas impressões sobre Ninguém falou que seria fácil para abrir uma conversa virtual...Vamos lá!

Ao entrar na sala de espetáculos, vibra a sensação de que o teatro é o ambiente do encontro original entre o espectador e o ator. Um espaço autêntico está à disposição de nossos olhos. Já de início, cortinas abertas e palco composto por objetos cuidadosamente selecionados para nos lançar à ficção teatral, sem perder de vista as referências cotidianas, apresentam um funcional casamento entre a criação de iluminação (Tomás Ribas) e a composição da cenografia (Aurora dos Campos). Na cena, um homem, assim como nós, estabelece sua primeira conexão com as pessoas que estão chegando, na expectativa de que algo aconteça. Rompendo as conversas da plateia, aparece uma mulher que principia uma discussão de casal absurda e convincente. Finalmente, surge o último componente de nossa tríade e, então, ocorre uma vertiginosa sequência de desconstrução fluida das personalidades. Entre diálogos e narrativas de construção do ambiente imaginário, são abordadas questões familiares e relativas à própria comunicação .

Desta forma, com uma dramaturgia contemporânea autoral e inteligente, Felipe Rocha estabelece um jogo de relações humanas e sobreposição de papéis do cotidiano, que leva a plateia à cumplicidade e identificação com os atores, os quais conduzem o texto de forma dinâmica e musical. Stella Rabello, Renato Linhares e o próprio autor, Felipe Rocha, num tom despojado, compartilham uma brincadeira de convenções teatrais, envolvente, divertida e com uma sensualidade que vai além da discussão de gênero e idade.

Percebo, na direção de Alex Cassal, uma escuta generosa. Ele sabe unificar as forças criativas ao mesmo tempo em que permite a liberdade de sua eficiente equipe.

A ação teatral contempla uma hora e meia de duração, a qual, talvez, pudesse prescindir de quinze minutos para mantermos a sensação de ter perdido alguma coisa ao invés da sensação de ter visto coisas a mais.

Mesmo assim, fico com a boa impressão de que esta obra permaneceu comigo ao longo do festival para além do teatro, e foi responsável por encontros e surpresas memoráveis.

Prestem atenção nesta turma: Individual ou coletivamente, eles ainda vão produzir outras boas e instigantes obras artísticas!

* Carolina Garcia é atriz

A última gravação de Krapp por Rodrigo Monteiro

2011-09-26T11:21:00.000-07:00

A última gravação de Krapp*

O problema maior das produções dirigidas por Bob Wilson, diretor americano cuja fama alcança vários pontos diferentes do planeta ao longo dos últimos quarenta anos, é o fato de que ele aparece demais. Em outras palavras, suas marcas são tão fortes, tão vivas, tão exuberantes que torna possível pensar que todo o resto, e, nesse caso, o resto é Samuel Beckett, é apenas um motivo, uma desculpa, algo dispensável. O resultado é que cristaliza-se a certeza: viu uma peça de Bob Wilson, viu todas.

Krapp’s last tape ou A última gravação de Krapp, escrita em 1957, é considerada a peça mais autobiográfica do dramaturgo irlandês, autor de Happy days, espetáculo participante do 17º Porto Alegre em Cena, também dirigido por Bob Wilson. Nesse texto, como nos outros, o tom trágico também pode ser visto. O diferencial é que não se tratam de personagens presos ao próprio destino (Fim de partida), ao próprio tempo (Esperando Godot) ou presos à própria condição (Dias felizes). Aqui o personagem está preso ao próprio presente e sem a possibilidade de mudar nada no seu passado. A palavra last (última) no título tem dois sentidos: a última gravação pode informar que é a gravação mais recente, mas também pode afirmar que não haverá outras. Krapp, o personagem protagonista e o único que se vê em cena, talvez diante da morte, ou não, tem o costume de, no dia do seu aniversário, fazer uma gravação em que se narra os acontecimentos daquele ano. Na peça, está-se no aniversário de sessenta e nove anos de Krapp. E, mais uma vez, ele vai em busca de si próprio nas antigas recordações gravadas em velhos rolos (spools).

(Para os interessados no texto, é possível fazer relação entre esse personagem e o seu homônimo em Eleutéria, primeiro texto de Beckett, escrito nos anos 40).

Bob Wilson mantém o tom intimista do texto quando cria uma chuva muito forte a cair do lado de fora do escritório. O som é altíssimo e o jogo de luzes está excelentemente posto, de forma, que o clima realista, embora com significantes bastante distantes do real, está plenamente estabelecido. O cenário, no entanto, é bastante impessoal: deixa de ser uma única mesa em que o personagem se encontra com várias versões de si próprio, em especial aquela em que ele completa trinta e nove anos, e passa a ser uma espécie de repartição pública com várias mesas, uma grande prateleira, muitas luminárias. O tragicomicidade clownesca da máscara branca e do nariz roxo, rubrica do texto, dá lugar a um personagem estilizado e que parece ser a própria máscara, ou seja, a sua inexistência. Os movimentos elípticos tomam o lugar de várias passagens do texto que não aparecem na versão de Bob Wilson que, nessa montagem, também é o ator. Para quem não conhece o texto, fica difícil estabelecer relações entre as memórias gravadas na fita ouvida e aquele que a ouve. Considerando que a encenação dura pouco mais de setenta e cinco minutos, boa parte deles, empregados na exploração da iluminação e do recurso do som de chuva, o interessante encontro em Krapp de sessenta e nove anos com os antigos Krapp não acontece. Em substituição, está um homem ouvindo uma gravação de si mesmo há muitos anos e nada muito mais além.

Krapp’s last tape, espetáculo participante do 18º Porto Alegre em Cena, é uma maquiagem que deixa ver muito pouco do rosto ao invés de embelezá-lo, realçá-lo, abrilhantá-lo. Pela sua importância, Bob Wilson é bem vindo à capital gaúcha, mas vale dizer que Beckett também o seria.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

A última gravação de Krapp por Marcelo Adams

2011-09-26T10:08:00.000-07:00

Bob não é bobo*

Bob Wilson, este brilhante encenador norte-americano que, felizmente, continua em plena atividade, dirigindo espetáculos inesquecíveis e provocadores ao redor do mundo, sabe que nossos tempos encontram perfeita representação na obra teatral de Samuel Beckett. Afora as peças longas (mais conhecidas) de Beckett, como Dias felizes e A última gravação de Krapp, sonho em ver encenados por Wilson textos mais curtos e de ainda maior complexidade, como Words and music, Cascando, Not I, Footfalls (a lista se estenderia por vários outros títulos). Já que, por enquanto, isso é matéria de sonho, nos deleitemos com este A última gravação de Krapp, apresentado no 18º Porto Alegre em Cena.

É possível ser purista ainda em nossos dias, defendendo esta ou aquela maneira de encenar um texto? A resposta é tão óbvia que não merece réplica. O único compromisso que uma encenação deve ter é com sua coerência interna e, naturalmente, com sua efetiva comunicação. Quando escrevo comunicação (obviamente que nos casos em que ela é buscada), quero me referir à possibilidade que a encenação tem de apresentar um discurso relevante, impactante, esteticamente marcante. É o caso de A última gravação de Krapp. Esqueça aquela estética cinzenta, encardida, que se costuma associar a Beckett. Bob Wilson nos apresenta o aço, o plástico. Esqueça o catarro, Bob nos entrega a assepsia. Krapp faz 69 anos e ouve velhas fitas onde, 30 anos antes, gravara suas impressões sobre acontecimentos envolvendo uma mulher. 30 anos se passaram, Krapp não é mais o mesmo, todas as suas células se renovaram, ele é outro ser, inteiramente distinto daquele do passado. A única coisa que identifica esses dois Krapps, distantes tantas décadas no tempo, é um nome: Krapp (e note-se a ironia de Beckett, crap, em inglês, é merda).

Bob Wilson como ator vive uma figura desumanizada, quase um robô-velho que surpreende-se com sua rendição, no passado, ao amor. De antíteses a encenação se serve: o visual clean, contemporâneo, da cenografia, opõe-se à ultrapassada tecnologia do gravador de rolo. Imagens evocativas do afresco A criação de Adão, de Michelangelo, colocam Krapp como o primeiro (e último dos homens), em conflito com o Grande Criador. Deus expressa-se com trovões ensurdecedores, relâmpagos e chuva abundante. Só resta a memória, e é a ela que Krapp recorre para fazer passar o tempo. Em síntese, a dramaturgia de Beckett tem um tema recorrente, que é o da espera e, em sua obra tardia, a memória e a impossibilidade de preservá-la.

Visualmente, o espetáculo é arrebatador, perfeito no uso do manancial técnico. Não se enganem os desavisados: o perfeccionismo estético de Bob Wilson encobre uma profunda e genial reflexão sobre o Homem. Bob Wilson não é bobo.

* Marcelo Adams é ator, diretor teatral e dramaturgo, professor do curso de Teatro: Licenciatura da UERGS

A última gravação de Krapp por Clóvis Massa

2011-09-26T09:10:00.000-07:00

A última banda sonora*

Em sua biografia sobre Samuel Beckett, com quem conviveu por mais de vinte anos, o escritor James Knowlson identifica nos acontecimentos pessoais do dramaturgo, ocorridos no início de 1958, a gênese criadora de A última gravação. De todos, o principal teria sido a doença de Ethna MacCarthy, o amor de juventude de Beckett, diagnosticada com câncer de garganta, a quem ele passa a escrever longas cartas, cheias de sentimento, para demonstrar o afeto profundo que nunca deixara de sentir. As lembranças de Ethna, a quem amou jovem e cheia de vida, se justapõem, como afirma Knowlson, à certeza terrível dela estar doente e condenada à morte.

Ainda que não se procure compreender qualquer criação artística pela vida do autor, e, no teatro, que seja necessário partir do texto dramático para examinar o espetáculo, a maneira como se alternam o claro e o escuro, o desejo e a perda, a nostalgia ou as lembranças, a ambição e o fracasso fazem da montagem de Krapp´s last tape, de Robert Wilson, uma espécie de exumação. O velhaco Krapp, aos 69 anos, ouve a gravação que fizera há trinta anos e traz à tona um tempo em que “tudo estava lá”, tal qual o olhar da mulher que o fascinava na época. O estranhamento do vocabulário que havia empregado no passado, o escárnio em relação a quem ele foi, tudo faz com que se desvende um Krapp de 39 anos, que, por sua vez, acabara de ouvir uma gravação de quando tinha 27 anos, criando não a exumação de um cadáver, efetivamente, mas das situações de sua vida sintetizadas em momentos, em instantes durados, vistos através da moldura das bandas sonoras.

A última gravação, em sua origem, era uma peça radiofônica sobre o passado, mas a intensidade da montagem teatral de Bob Wilson capta os sentidos do espectador, direcionando-os para o aqui-e-agora da representação. Houve quem espiasse em direção ao urdimento do teatro, para ver de onde vinha tanta água. Se choveu e alternadamente se fez silêncio no palco do Theatro São Pedro, é porque cada elemento da rigorosa composição cênica do diretor estava fundado na plenitude da retratação daquela situação. O que mais admiro nos seus trabalhos é um tratamento de estilo, a maneira como ele desnaturaliza os gestos mais cotidianos, excluindo a forma mais costumeira da retratação psicológica sem, no entanto, romper com os princípios comportamentais da realidade. É claro que assistimos à exumação do passado de Krapp, mas o mais importante parece ser a forma como ele articula como linguagem o que representa para o velhaco o retorno ao passado: como se fosse sempre a última respiração de um velho pulmão, prestes a não mais funcionar, o som metálico da banda sonora era como o afiar da foice antecipando a chegada da morte. Seria esse o verdadeiro realismo?

* Clóvis Massa é ator e professor do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Ninguém falou que seria fácil por Jezebel de Carli

2011-09-26T08:19:00.000-07:00

Talvez um dia difícil!*

Quando Marcelo Adams me perguntou se eu gostaria de escrever as minhas impressões sobre algum espetáculo do Em Cena, lembro que respondi sim, mas pedi a ele que fosse “algo” bacana, um trabalho a ver com minhas inquietações, vontades, estéticas e linguagens. Por que? Sempre acho delicado tecer considerações sobre o trabalho dos colegas e como não sou “crítica de teatro”, é sempre mais agradável falar de “algo” que provoca paixão, onde queremos estar ou que gostaríamos de realizar ou ainda, estando como espectadores, sermos provocados seja através do sensível, do humor, do sarcasmo do poético, enfim. Ok, disse Marcelo e me indicou o espetáculo Ninguém falou que seria fácil da companhia carioca Foguetes Maravilha, com direção de Alex Cassal e texto e co-direção de Felipe Rocha. Bárbaro, pensei, será tranquilo. Serei espectadora, as imagens e palavras ocuparão os espaços da memória e, como na edição anterior, ao escrever sobre O idiota, as impressões sairão escorrendo e deliciosamente as palavras preencherão os territórios devidos. Não aconteceu. Tenho dificuldade em escrever, pois tive extrema dificuldade de entrar no espetáculo. Bem, deixaram evidente no título: não será fácil!!!! Mas tinha tudo de que gosto, que droga, o que aconteceu!? Desconstrução, brincadeiras, teatralidade, humor, trocas de personagens, bons atores, certa improvisação, episódios autônomos que se entrelaçam, diálogos curtos, vazios a serem preenchidos pelo público, uma certa “anarquia, sujeira e contaminação”. Me pergunto, por que? Infelizmente não saberei precisamente responder, mas não fui capturada e não fui capturada como espectadora. Algumas questões se organizam. Talvez pelo tempo excessivo, onde já entendemos o jogo e os desdobramentos das figuras apresentadas, mas o demasiado, nesse caso, aborrece e nos leva para outros lugares e espaços e fugimos do instante proposto na cena. Talvez pelo excessivo estar à vontade dos atores e estes a forjarem, de certa maneira, o não estarem em cena, pois sim, é teatro e por mais que queiram me fazer crer no acontecimento como momento presente e improvisacional, é da ordem da ficção, articulado e detalhadamente organizado. Talvez a temática das relações familiares já esteja extremamente desgastada e só tenham sentido pra mim quando vem com a força de provocação, a acidez e o constrangimento de textos como de Nicky Silver (referência à dramaturgia apresentada nessa edição). Ou ainda porque quando se percebe que a trama está se resolvendo, há novos desdobramentos e se retoma a história da menina (Marina), agora adulta, perdida no início da peça e aí já estamos cansados de tantos jogos e inversões, recurso fartamente utilizado ao longo da narrativa. Também porque, o espetáculo, segundo críticas, foi concebido em espaço de arena, no qual, provavelmente, a relação de cumplicidade entre atores e público encharcaria a cena e a experiência de fato se potencializaria.

Passados alguns dias, encontrei um amigo que, ao comentar sobre o espetáculo, me disse que um dos atores havia afirmado que às vezes o espetáculo acontece e às vezes não e que no festival o melhor dia havia sido o segundo e “putz”, pensei eu, vi no terceiro dia. Enfim, sabemos nós, o quanto o teatro é escorregadio, líquido, mutável, frágil e que inúmeros aspectos interferem na performance. Um dia aconteceu, no outro foi péssimo, naquele foi demais, em outro foi técnico e por aí vai. Nota-se ao longo da encenação um esvaziamento de interesse do público, na medida em que os aplausos se fizeram comedidos e pouco entusiasmados, manifestação nada comum nos espetáculo do Em Cena, visto que, na sua grande maioria são ovacionados e aplaudidos entusiasticamente. Em determinado momento um dos atores afirma ao outro, referindo-se a nós, público, algo mais ou menos assim: "essas pessoas estão aqui para verem alguma coisa interessante". Infelizmente, a sensação ao sair do teatro é de que havia “algo” muito mais interessante e potente, mas que não havia acontecido ali, naquela noite com aquelas pessoas e em última instância, a mim não contaminou.

O Em Cena é bacana por isso: diversidade, exposição, subjetividades, divergência de opiniões, apaixonamentos, debates, dissonâncias, mas acima de tudo é maravilhoso, porque vamos ao teatro e vemos público em abundância. A esperança é que um dia, espero que não tão longe, caso contrário, não estarei aqui para presenciar, as temporadas locais também estejam com suas lotações esgotadas.

* Jezebel de Carli é professora, atriz e diretora de teatro

O padrinho, o coordenador, o blogueiro e a atriz

2011-09-25T19:54:00.000-07:00

A brincadeira que o título deste post faz com o nome de um dos mais conhecidos filmes do cineasta inglês Peter Greenaway vem a propósito com esta 18ª edição do Porto Alegre em Cena. A foto acima foi clicada em Montevidéu, em fevereiro de 2011, na casa do padrinho do Em Cena deste ano, o jornalista uruguaio e crítico teatral Jorge Árias. Junto de Jorge (ou Papá, como é conhecido por aqui), estão Luciano Alabarse (como todos sabem, o Coordenador-geral do festival), este que vos escreve (Marcelo Adams, o responsável por este blog) e minha mulher, a atriz Margarida Leoni Peixoto. Todos os quatro envolvidos e engajados com o festival, seja como espectadores, seja como parte da equipe que, a cada ano, põe de pé este que é o maior festival de teatro do Brasil, e um dos maiores da América Latina. Em tempo: quem clicou esta foto foi Irene Bouzada, a esposa de Jorge Árias. Quem frequenta o festival já deve tê-la visto, com seu contagiante entusiasmo pelo teatro, acompanhando Jorge em dezenas (!) de espetáculos a cada edição do Porto Alegre em Cena.

O festival caminha para sua reta final, e a equipe liderada por Luciano já começa a produção do 19º Porto Alegre em Cena desde já. Que seja inesquecível como este que termina na próxima terça-feira, com o show Mônicas e a entrega dos Prêmios Braskem!

Bethânia e as palavras por Vera Mello

2011-09-24T18:47:00.000-07:00

Infinito delírio chamado desejo (de educar)*

Justo na semana em que um menino de 10 anos leva uma arma de fogo para escola e atira em sua professora e na sequência se mata com um tiro na cabeça, chega a Porto Alegre Maria Bethânia com sua linda voz e nos acalanta com uma homenagem. Lembrando aos professores de todo o planeta: “Mestre não é quem sempre ensina, mas quem, de repente aprende”.

Eu, de uma geração em que esta mulher era hyppie e com talento virou ídolo. Gostando ou não do estilo, letra e música, reconheço que ela passou a ser uma referência, um clássico. Numa época em que o sertanejo universitário é destaque nas paradas embora tenha ouvido alguém lançar uma piadinha que eu particularmente acho engraçada: “Espero o dia que o sertanejo universitário se forme e se mande!” Me perguntei, saindo de casa ontem, para assistir o espetáculo: o que terá de inovador e o que me leva a essa cantora célebre, que já fez sua história? Eu não digo que me surpreendi com a plateia lotada, mesmo que não tenha encontrado ninguém das minhas relações. Fiquei com a impressão que aquele momento não tinha sido por acaso. Maria Bethânia se rebatizou Maricotinha e com longos cabelos brancos citou o irmão Caetano Veloso, seu contemporâneo de escola e compartilhou conosco época em que estudante de escola pública recebia com entusiasmo suas primeiras lições e aprendia pra sempre o prazer de brincar com as palavras. Voltando à tragédia que tanto nos entristeceu essa semana e contrapõe-se ao sucesso da noite de ontem. Estivemos ali com uma mensageira, resgatando valores essenciais do homem, através de cânticos imortais. Um momento de enorme cumplicidade entre artista e plateia. Tantos aplausos que em alguns momentos perdemos o começo de poesias. Não me pareceu tietagem mas, um encontro de almas que se reconhecem, uma declamação sem limite de idade, apenas um discurso bem dito. Digna de ser reverenciada e assim o foi. Humilde e elegante, recebendo as honras, ela confessou: o que quero da vida é a realizar meus sonhos. Teatro lindo, recepção articulada. Parabéns aos organizadores do Porto Alegre em Cena. Obrigada por nos proporcionar esse espetáculo que nos devolve o eixo. Ficou claro o papel de um artista na sociedade. Maria Bethânia é um clássico, aquele que perdura o tempo de toda a história da humanidade e não envelhece nunca.

* Vera Mello é professora de francês e arte-educadora

Well-wishing Binari por Álvaro RosaCosta

2011-09-24T10:54:00.000-07:00

Dulsori...Sons da Natureza...e muito mais*

Realmente é difícil achar um título que traduza o que vivenciamos na noite de 22 de Setembro no teatro do SESI. Luz de serviço e sons vêm do fundo da plateia...2 homens e 3 mulheres!!!??? Pensei: Puxa!! Só isso!! Esperava uma orquestra!!

Primeiro engano.

Os cinco encaminham-se para o palco e continuam com variações rítmicas e coreográficas! Esqueça inicio meio e fim! A ansiedade pelas palmas é domada, embora seja notório a necessidade, quase doentia, de se achar um buraco para enfiá-las!! Impossível! Certamente não conduziremos o espetáculo...Basta ficar atento aos novos sons, que irão nos embalar por muito tempo.

De repente surgem os tambores, tocado às vezes por duplas! Num primeiro momento prejudicado pelo "sistema de som", logo, porém, sentimos no peito os golpes tão esperados! Tons diferentes, afinações e maravilhosas melodias! Para mim o momento mais impactante, foi o tema executado por duas musicistas sob uma luz violeta!! Uma fazendo a harmonia em um instrumento que Mateus Mapa descreve como sendo uma "harpa" (me pareceu um piano com menos cordas, sendo pinçadas pelos dedos) e a outra menina num instrumento, segundo Rene Goya, chamado "cheng" que assemelha-se a uma gaita de fole pequena e de um som encantador! Só por esta música já valeria a pena ter saído da cama (gripado) para me deslocar até o SESI! Em muitos momentos notamos uma certa preocupação com a participação do público, o que acho desnecessário, mas que se configura e resulta numa energia inacreditável no foyer do teatro ao final do espetáculo! Aliás, o que ocorreu na despedida do público mostra a força de uma cultura que realmente vem do modo de pensar e agir de um povo. Os músicos, incansáveis, ficaram por cerca de 20min tocando, dançando, comungando e se despedindo de cada um dos que ficaram com eles. Para nós ao final do espetáculo o sentimento era de aflição por não encontrarmos pessoas que deveriam, por vários motivos, estar na plateia deste show mágico e inesquecível!! Aos cinco intrumentistas ainda juntaram-se uma cantora e um artista que parecia ser o mais velho de todos e nos trouxe dois momentos de muita delicadeza, com gestuais e movimentos corporeos precisos.

Parabéns ao Poa em Cena por ter nos proporcionado este encontro e um agradecimento especial ao Marcelo Adams por ter me convidado para assistir este belíssimo espetáculo.
(As imagens abaixo foram captadas por Álvaro RosaCosta na apresentação do dia 22 de setembro, no Teatro do SESI em Porto Alegre)

* Álvaro RosaCosta é músico e ator

Pequeno inventário de impropriedades por Rodrigo Monteiro

2011-09-24T10:34:00.000-07:00

Pequeno inventário de impropriedades*

A literatura contemporânea tem duas marcas que podem ser consideradas definitivas: a hipertextualidade e a polissemia. Pequeno inventário de impropriedades, texto escrito por Max Reinart, sob orientação de Roberto Alvim, durante a Oficina do Núcleo Regular de Dramaturgia do Paraná, em 2009, parece redescobrir a poesia modernista, com versos livres e estrutura solta, e, ao investir no traço polissêmico, acaba fornecendo um material bastante nobre para o teatro pós-dramático ou contemporâneo. Dirigido por Denise da Luz, o espetáculo resulta numa grata surpresa desse final de programação do 18º Porto Alegre em Cena. Reinart, em 45 minutos, leva a cabo o espetáculo de uma forma bastante rica em possibilidades, essa uma característica fundamental para o gênero na qual a produção se insere.

Chão vermelho. Uma cama ao fundo, uma cadeira à frente. O ator inicia o espetáculo a partir do texto. Há um personagem e o público é convidado a conhecê-lo de um jeito pouco esclarecedor: algumas pistas são dadas, mas não o suficiente para nos sentirmos confortáveis como estaríamos num bom e velho drama. Vale aqui a indecisão, a busca, a incerteza, o pântano. Reinart investe, como autor e como ator, em múltiplas possibilidades, fornecendo significantes com várias possibilidades de significados. Um pai de família afinal, um trabalhador, alguém comum que teve a sua vida modificada por um acontecimento fatal. Ou não? No fim do texto, o espectador segue livre para interpretar as coisas de outro jeito, embora todos nós tenhamos partido do mesmo ponto. Se as informações a respeito de suas relações familiares e profissionais fazem a percepção tomar uma direção, o tom de voz e o ritmo de pronúncia do discurso – irregular e, por vezes, gritado – permitem outras conclusões. Nesse caso, é difícil avaliar se o ator interpreta bem ou mal o personagem uma vez que a análise não consegue se decidir sobre qual personagem é esse. No entanto, no que diz respeito à interpretação, avalia-se a produção como cheia de bons valores.

Os elementos que fazem par com o ator na cena também são sinais que acrescentam positivamente ao resultado final de Pequeno inventário de impropriedades. No espetáculo, a luz, o cenário e a trilha sonora, no que diz respeito a sua significação, mas também ao modo como a peça se viabiliza, são aspectos em grande sintonia. Em outras palavras, o extremo cuidado com que cada detalhe se integra à narrativa salta aos olhos do público que se sente valorizado. As projeções, vício desse tipo de produção, aqui foi utilizada de forma rica, principalmente por haver, cenicamente, um objeto/parte do figurino (uma cabeça de cavalo) e uma ação (deitar na cama aos pés dos cavalos) que relacionam a imagem da tela com a imagem teatral. A possibilidade de comunicação entre todos esses elementos garante ao todo a qualidade que um festival como o Porto Alegre em Cena merece e, nesse convidado catarinense, tem.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Os credores por Rodrigo Monteiro

2011-09-24T10:28:00.000-07:00

Os credores*

Em um determinado momento, na fileira atrás de mim, observei dois espectadores dormindo. Na minha fila, mais dois. Na plateia da frente (a encenação se organiza em galeria, isto é, a audiência se organiza em dois lados com a cena acontecendo no meio. O espectador vê a cena, mas também vê, além dela, a outra plateia), três pessoas de olhos fechados deitadas sobre os próprios ombros ou sobre o corpo da pessoa ao lado. O espetáculo Os credores, cujo texto foi escrito pelo dramaturgo sueco August Strindberg (1849-1912) em 1888, participante do 18º Porto Alegre em Cena, deixa a seguinte dúvida: por que as pessoas dormiram ou ficaram sonolentas na apresentação a que eu assisti? A hipótese de que Strindberg não diz nada para o público de hoje é refutável por qualquer um que entenda um pouco de arte. Logo, o tédio do espetáculo só tem um responsável: o Grupo TAPA, dirigido por Eduardo Tolentino. De que forma é possível atribuir-lhe a culpa, promovendo uma análise do objeto estético teatral em questão? Indo às fontes. Aqui algumas hipóteses.

Strindberg é considerado o pai do teatro expressionista, sendo algumas de suas obras lidas a partir do gênero realista naturalista e outras mais tardias via simbolismo. Os credores está bem no meio dessa encruzilhada. Seu cenário é realista, seus personagens são naturalistas, mas a situação, disposta na forma tragicômica, é expressionista. Algumas marcas importantes: três personagens se encontram no hotel: o ex, o atual marido e a esposa. O que pode parecer um simples vaudeville se torna retrato das relações humanas que, talvez, só o bom teatro realista pode fornecer. Na abertura, o atual marido, Adolf, não sabe que Gustav é o ex de Tekla, sua esposa. Na sequência, Tekla não sabe que Gustav está no quarto ao lado ouvindo a conversa entre ela e o marido. No final, Tekla não sabe que Adolf está no quarto ao lado ouvindo a conversa entre ela e o ex-marido. Nos dois últimos pequenos atos, há uma peça dentro da peça e o mais importante desse jogo é que a parte principal, Tekla, desconhece isso. Esse, na verdade, é um recado da obra aos futuros realizadores: no teatro realista, a quarta parede precisa ser mantida. O expressionismo está na situação e não na realização.

Eduardo Tolentino, quando adapta Os credores para uma situação de galeria e organiza os atores para que eles, em vários momentos, busquem no público um certo contato visual, inibe qualquer chance de catarse, diminui as forças do texto, deixa a situação por demais previsível e, assim, muito entediante. O português extremamente correto dos personagens não foi adaptado para a nova situação. O figurino permanece bastante realista também. A situação de prisão vivida pelos personagens é marca naturalista mantida igualmente. O problema está no jogo entre os personagens e na relação com o público, esses sinais de que estamos diante de um novo ponto de vista sobre a obra.

Sergio Mastropasqua interpreta Gustavo, o ex-marido. Dos três atores, é quem sustenta a construção menos interessante justamente porque é quem mais joga (ou tenta jogar) com o público. Suas falas são ditas de forma irônica em várias ocasiões, a retórica se apresenta com pouca variação de tom, os gestos são enrijecidos, marcados, negativamente “teatrais”, nada naturais e, por tudo isso, bastante inverossímeis. O ator se movimenta no palco de forma muito precisa deixando ainda mais falsa sua performance. José Roberto Jardim (Adolf, o atual marido) e Sandra Corveloni (Tekla, a esposa), aparentemente mais concentrados no interior das quatro paredes, têm melhores resultados, embora sustentem marcas rígidas e pausas pouco críveis, sinais de que todos esses elementos concretizam uma concepção da direção. Bastante rica é a participação de Conrado Sardinha. Sem nenhuma fala e com atos a princípio bastante inexpressivos, o ator eleva a qualidade da peça nas poucas oportunidades que tem: seus olhares manifestam um personagem real, seu movimento tende ao natural e o modo como ele olha as cenas não traz nenhum registro de que estamos ali a observar-lhe.

Novos pontos de vista sobre obras são bem vindos sempre que estruturados em todos ou em vários aspectos necessários a sua viabilização. O contrário disso é desequilíbrio e insucesso. Nesse caso, monotonia.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Ella por Aline Castaman

2011-09-23T21:37:00.000-07:00

Linear intensidade*

Ao toque da campainha, o apagar das luzes, o silêncio. Expectativas que desejam não mais serem expectativas. Portanto, realizações, êxito. A arte do efêmero dedica-se ao entusiasmo, ao brilho no olho, ao jogo, a um acontecimento. O espetáculo uruguayo Ella traz a história de dois homens que não coincidentemente encontram-se numa sauna e travam diálogos e discussões sobre a mulher com a qual possuem um relacionamento. Ao longo da peça vamos descobrindo um pouco mais sobre essa personagem cuja presença é reconhecida e manifestada pelas descrições traçadas pelos amantes. A intensidade supostamente esperada para que o acontecimento teatral se realize não é bem sucedida. Não pude ignorar o fato dos experientes atores por vezes me encantarem com diálogos vivos e enérgicos os quais realmente me seduziram a ponto de me envolver completamente no universo das personagens. Mas estes instantes, eram instantes. Pela falta de resoluções mais criativas ou interessantes, as ações previsíveis se repetiam despropositadamente entediando por diversas vezes. Gesticulações vazias que se prendiam no exagero. Uma trilha sonora que não contribui para as cenas. Ao contrário, perturba. Um texto transposto que me faz perguntar o porquê de escolhas literais e pouco surpreendentes. E o teatral? A zona de risco? Por mais interessante que fosse ouvi-los, suas vozes agradáveis e a língua marcante por sua beleza em si, era desanimador dar-se conta de assistir algo que parecia estar sendo feito sem ardor. Remetia ao confortável e ao esperado. Quando afirmo “ao confortável e ao esperado” me dirijo ao fato dos atores anteciparem os momentos, momentos que acabam passando sem serem propriamente desenvolvidos. Ações que eram apenas esboçadas e que por fim não se concretizavam. Ações que apenas se ensaiavam e não se transformavam de uma coisa a outra criando ou gerando finalizações no mínimo admiráveis. Repetições insatisfatórias. Ações que claramente não possuíam intenções. Linear. Uma ode à não surpresa. No entanto, seria um tanto descortês e insensível não pontuar os momentos felizes que o ator Sergio Pereira sustenta, ilumina e proporciona ao espetáculo. Sua performance é encantadora quando realmente absorto pelo aqui e agora do teatro. Foi o brilho no olho dele que me fez acreditar estar assistindo Teatro. Um ator generoso que se esforça para driblar o óbvio, porém, solitário. A ausência de cumplicidade é desconcertadamente revertida em risadas nervosas que se repetem incansavelmente pelo ator Álvaro Pozzolo. Percebo o desamparo de Sergio Pereira. Enfim, uma dramaturgia descomplicada e desajustada pelos pontos finais de uma direção deveras frágil. Talvez tenha havido um encontro ou encontros, instantes, momentos, mas o acontecimento teatral, aquele, não se sucedeu por lá...

* Aline Castaman é diretora teatral

Pterodátilos por Guilherme Nervo

2011-09-23T19:53:00.000-07:00

Vidas esburacadas*

Ao final de duas peças do Porto Alegre Em Cena, uma reflexão ficou ressoando dentro do meu corpo, suprimindo toda e qualquer outra sensação. Era mais ou menos assim: “Então é isso o que somos? O ser humano pode chegar a esse ponto? Somos essa podridão?”A imagem de ser humano passada por Histórias de amor líquido, de Paulo José, e Pterodátilos, de Felipe Hirsch, não é nenhum pouco positiva. Estas peças comprovam o peso que a comédia é capaz de carregar, rompendo com a ideia formada de que comédias são feitas para relaxar o público. Leveza é a última coisa que esses espetáculos apresentam. Só fui me dar conta da verdadeira dimensão que elas têm, depois de um ou dois dias. Enquanto ria, no teatro, não me dava conta (ou não queria me dar conta) de que estava rindo de minha própria condição, de minha grosseria, egoísmo, superficialidade e estupidez. Ria, como todos os outros, das minhas falhas e neuroses. Ninguém está imune delas, são companheiras de vida.

Pterodátilos já se apresenta instigante no próprio nome. Um dinossauro voador do período jurássico. Por quê? Mais tarde o cenário e o texto acabam revelando os motivos. O segundo elemento que capta a atenção do espectador é o cenário de Daniela Thomas, um escândalo de funcionalidade e estética. Comunica muito bem o estado de degradação que a família retratada alcança. As relações esburacadas terminam como o cenário: um campo de guerra no qual os personagens ficam literalmente e simbolicamente sem chão. A inclinação da plataforma é outro recurso bem utilizado, como se o núcleo familiar estivesse em constante desequilíbrio. Debaixo da casa existe um cemitério, dentre as folhas secas, fósseis de um dinossauro. Os pterodátilos eram conhecidos por seu tamanho e peso, assim como por seus hábitos canibais. O que deixa clara a relação com essa família: de destruição.

Grace, uma mãe (Mariana Lima) que tem muito tempo livre, preenchido por álcool e tratamentos de beleza, uma eterna bêbada que diz o que pensa, esquece o nome da filha e é tarada pelo filho. Artur (Marco Nanini), um pai ausente e adúltero, que é expulso de casa por ter sido demitido do cargo de presidente no emprego. Ema (Marco Nanini em duplo papel), uma filha que está sempre em estado histérico, engoliu um sapato e está prestes a casar com um homem (Felipe Abib) vestido de empregada. Então, o noivo admite estar apaixonado pelo irmão dela, o filho homossexual (Álamo Facó) que acaba de voltar para a família com o vírus do HIV. Talvez porque esteja apodrecendo com mais rapidez, seja ele o personagem que tira as tábuas do cenário, que prepara as covas dos familiares. É possível acreditar nessa história? Garanto que o texto do norte-americano Nicky Silver é ainda mais sem sentido do que isso, por isso os personagens possuem um tom farsesco. É possível inclusive duvidar da condição de seres humanos, afinal eles não apresentam um passado. O presente é uma desgraça. O que se espera do futuro? Para mim essa é uma família de fantasmas, o que de forma nenhuma a torna distante de nós. As semelhanças não são poucas, inclusive.

O texto está repleto de piadas rápidas, de humor barato e instantâneo. Essa é a pior característica da peça, o que ameaça a qualidade de Pterodátilos, mas a não a popularidade. O que ficou muito explícito pelo ruído incessante das gargalhadas que ecoavam no Salão de Atos da UFRGS, que parecia a ponto de explodir de público. Diante de tanto riso, houve espaço para a perturbação? Não senti a violência ou a contração nervosa na recepção do público de domingo, dia 18 de setembro. Bastava Marco Nanini abrir a boca ou sacolejar o corpo para o público cair da cadeira de tanto rir. Não estou questionando o trabalho do ator, que incomoda somente quando produz uma voz muito forçada, quase trancada e inaudível, mas antes problematizando a calorosa recepção. Marco Nanini constrói a filha com esmero, acreditava em cada palavra que ele dizia, enxergava uma garota desesperada sem que ele precisasse apelar ou afeminar suas características. Quanto a Mariana Lima, posso dizer que ela encarna a personagem com muita vontade, ela se entrega àquela mãe desnaturada, podre, que regurgita as falas como uma legítima bêbada. Nanini e Lima proporcionam uma aula de atuação.

Existe uma cena em que Artur deseja conversar com o filho de forma íntima. Então o filho responde: “Fodi com homens. Por quê? Porque é bom”. Ele detalha suas relações sexuais com um linguajar baixo, admitindo ter ciência de que isso não era seguro, mas alguma coisa o impelia a essa atitude. O pai levanta e diz: “Me sinto muito melhor depois de termos conversado”. Ele adota a mesma postura que a mulher, de negação. Ela diz que a homossexualidade do filho ficou no passado. Isso, quando ele está se envolvendo com o noivo da própria filha! A filha nega o fim do noivado, decide se tornar lésbica e dá um tiro na cabeça. Volta para o palco feliz, dizendo que a morte deu certo para ela. A notícia não abala ninguém, assim como não o faz o suicídio do noivo. A família escuta apenas o que quer escutar, estão todos escravizados na tentativa de saciar os desejos violentos de uma existência medíocre. E enquanto isso, o chão abre suas valas, a iluminação é pálida, o cenário é negro e metálico e a trilha sonora é assombrosa.

* Guilherme Nervo é estudante de Teatro no Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Cabaré do Ivo por Newton Silva

2011-09-23T15:42:00.000-07:00

Do texto ao roteiro: um processo de construção dramatúrgica*

Assisti ao espetáculo Cabaré do Ivo, dirigido por Maurício Guzinski, do Grupo Experimental de Teatro (GET), durante a Semana Ivo Bender, que ocorreu em maio deste ano. O evento, promovido pela Secretaria Municipal da Cultura, comemorou os 75 anos de vida e 50 de carreira do nosso querido dramaturgo e escritor Ivo Bender, mestre que eu tive a honra de ter como professor durante minha formação teatral no Departamento de Arte Dramática da UFRGS. Agora que o espetáculo foi exibido novamente no Porto Alegre em Cena e sabendo que a montagem ganhará nova temporada, em outubro, na Casa de Cultura Mario Quintana, aproveito este espaço para fazer algumas considerações sobre um tema que se conecta diretamente a Bender: a construção do texto para a cena.

O assunto esteve, recentemente, na pauta de discussão do projeto Sessão da Classe, reunindo na Sala Álvaro Moreyra o próprio Ivo Bender, a encenadora Jezebel de Carli e o dramaturgo Diones Camargo, com mediação do jornalista e pesquisador Renato Mendonça. Em especial, como sugere o título deste texto, farei considerações rápidas sobre a dramaturgia construída para a cena tendo como referência textos literários e a literatura dramática. A reflexão surgiu a partir do trabalho do diretor Maurício Guzinski, uma trajetória que acompanho, pessoalmente, primeiro como ator de seu grupo e, depois, como amigo e jornalista que cobre a área cultural. Além disso, Guzinski coordena, desde sua primeira edição, o Concurso de Dramaturgia Carlos Carvalho que está em sua oitava edição.

Desde o início dos anos 1980, quando criou o Grupo Pés na Terra, em Porto Alegre, o ator e diretor Maurício Guzinski preocupa-se com a construção de uma dramaturgia própria. Não se trata aqui de pensar em uma dramaturgia da cena, conceito que também grita em seus espetáculos imagéticos-textuais. Mas, sim, de analisar outro aspecto primordial de sua pulsão criativa: o uso da literatura (e da literatura dramática) como ponto de partida para a construção de uma nova dramaturgia.

Em Dona Possança (1982), primeiro espetáculo do Grupo Pés na Terra, Guzinski inspirou-se na tese do sociólogo José Vicente Tavares dos Santos, Colonos do vinho – sobre os difíceis caminhos da imigração italiana no Rio Grande do Sul. Ele e seus atores, através de improvisações na sala de ensaio, transformaram a tese em um espetáculo teatral. A peça foi recebida com entusiasmo pela crítica e, em 1988, o roteiro do espetáculo foi publicado na coleção Teatro: Textos & Roteiros do Instituto Estadual do Livro.

O segundo trabalho do Grupo Pés na Terra, o espetáculo Antônio Chimango, recebeu o Prêmio Açorianos Especial de 1985. O roteiro da montagem foi criado a partir do famoso poemeto-campestre de Amaro Juvenal (pseudônimo de Ramiro Barcelos). O texto original estava praticamente, na íntegra, no palco, com o acréscimo de diversos outros textos criados em improvisações, pelo grupo, a partir da matriz literária.

Depois, Guzinski se aventurou em Shakespeare através de Macbeth (1989). Neste caso, a tragédia do dramaturgo inglês foi levada à cena com tradução assinada pelo grupo. No entanto, o diretor inseriu na peça uma nova cena, na qual misturou diálogos criados por Shakespeare para conferir ao espetáculo o ritmo que necessitava. Com esta experiência, Guzinski começou a experimentar um novo caminho para a produção textual de seus espetáculos. Se, antes, o diretor se valia de textos literários para criar sua dramaturgia, a partir de Macbeth, o processo ganha outra dinâmica.

É o que acontece em Amores e facadas (1991), último espetáculo do Grupo Pés na Terra. Guzinski reuniu fragmentos de cinco peças urbanas de João Simões Lopes Neto que ganharam novo significado a partir do roteiro proposto na encenação. Estava inaugurado, na carreira do diretor, o processo de produção dramatúrgica que viria a lhe acompanhar depois, em 2008, quando ele idealiza e dirige o Grupo Experimental de Teatro (GET), vinculado à Coordenação de Artes Cênicas da Secretaria Municipal da Cultura de Porto Alegre.

O primeiro resultado cênico do GET, que investiga o uso da palavra em cena, foi o espetáculo Para dentro do labirinto, apresentado no primeiro semestre de 2009. Com trechos de três peças de Jorge Andrade – Pedreira das almas, Vereda da salvação e As confrarias – a montagem mistura personagens e situações de várias obras do dramaturgo paulista, acrescentando trechos da biografia escrita pelo autor, com o título Labirinto. No segundo semestre do mesmo ano, o diretor orientou a montagem Nelson mítico, exercício cênico a partir de fragmentos das peças míticas de Nelson Rodrigues: Álbum de família, Anjo negro, Doroteia e Senhora dos afogados. Os dois espetáculos prosseguiram em cartaz, durante 2010, com apresentações em eventos e seminários especiais.

Em 2011, o terceiro módulo do GET teve como autor homenageado o dramaturgo gaúcho Ivo Bender. A montagem Cabaré do Ivo reuniu fragmentos de sete peças do dramaturgo: A ronda do lobo/1826, As cartas marcadas ou Os assassinos, O cabaré de Maria Elefante, Mulheres Mix, Quem roubou meu anabela?, Surpresa de verão e Sexta-feira das paixões. Com direção musical de Marcelo Delacroix e direção de atores de Laura Backes , o espetáculo é fiel ao objetivo principal da investigação: ter o texto como protagonista da cena. No entanto, como é tradicional no trabalho de Guzinski, este caminho é percorrido com imagens potentes em significados. Apesar de a cenografia ser simples e com poucos elementos (cadeiras e alguns adereços), o diretor busca a teatralidade no conjunto de corpos em cena, em sua movimentação e coreografias (assinadas por Carlota Albuquerque).

A base do roteiro é a peça O cabaré de Maria Elefante. Em cena durante todo o espetáculo, os oito atores apresentam esquetes curtos pinçados da dramaturgia de Bender, tendo como referência a estética do teatro de revista brasileiro. Assim, desfilam no palco vampiros, travestis ou um juiz de direito, em meio a canções e números de dança. O tragicômico das situações é sublinhado por um figurino em que predomina a cor preta e pelas maquiagens inspiradas no teatro oriental.

Ao embaralhar situações, personagens e diálogos, Guzinski borra as fronteiras de outra questão da arte e teatro contemporâneos: a autoria. Uma inédita dramaturgia surge de seu processo. Os fragmentos originais dos textos estão lá, mas organizados em outra ordem, na qual ganham nova potência. Deste mix, surgem outros Ivos, outros Nelsons, outros Jorges, outros Simões, outros Williams, já totalmente contagiados pela cena guzinskiana: um labirinto de palavras, de memórias, de corpos mortos que tratam da vida, de tragédias que falam de carne e sangue, de sombra e luz, em ritos teatrais de imagens e sons.

* Newton Silva é jornalista e apresentador na TVE RS

Bethânia e as palavras por Shirley Rosário

2011-09-23T14:22:00.000-07:00

Maricotinha ilumina a noite no 18º Porto Alegre em Cena*

Com a simplicidade de um sarau, Maria Bethânia encantou com sua presença, poesias e canções a platéia que lotou o Teatro do CIEE na noite de ontem. Acompanhada por dois músicos, o percussionista Carlos Cesar, com um bombo e outros poucos objetos e o maestro Jaime Além nas cordas de viola e violões, ela intercalou poesias de seus poetas preferidos e músicas já conhecidas do seu repertório, num casamento perfeito. Vestindo um figurino simples, mas impecável, que brilhava como ela, Bethânia parecia uma lua cheia de poesia e delicadeza. Os pés nus, emoldurados por delicadas correntes, organizavam equilíbrios curiosos, geralmente com a perna esquerda passeando para os lados e para trás, criando uma dança em harmonia com os braços, que muitas vezes se abriam, oferecendo o corpo em abraço de entrega. Diversas vezes, quando ia cantar, tirava os óculos de ler e fechava os olhos para estar inteira conosco, doce capricho seu, pois ela esteve inteira o tempo todo. Com esse gestual espontâneo e belo, Bethânia era a pura poesia que ela tanto ama.

Contou que o embrião deste trabalho nasceu em Belo Horizonte quando foi convidada a participar de uma leitura de textos na Universidade Federal de Minas Gerais e após, respeitando sua história de sempre recitar poemas nos shows, resolveu inverter essa ordem e criar um trabalho com ênfase na poesia e algumas interferências de canções. Revelou que seu amor pela palavra vem desde cedo, do tempo que estudava numa escola pública de Santo Amaro, onde aprendeu com seu professor Nestor Oliveira, a gostar de poemas. Chegou a cantar uma canção que é um poema desse mestre, musicado por Caetano. Pelo seu exemplo nos fez reverenciar o ensino público de qualidade, o talento dos professores devotados, a necessidade do reconhecimento dos artistas populares: um Brasil rico e amado.

A plateia atenta parecia suspender a respiração, tal o silêncio, para degustar a voz doce e forte que por mais de uma hora desfilou poemas que estudei nas aulas de português: Manoel Bandeira, Carlos Drummond de Andrade, Lupicínio Rodrigues, Castro Alves e o ídolo da estrela, Fernando Pessoa, entre outros. Recitou também um tocante trecho de Guimarães Rosa, uma declaração de amor de Riobaldo por Diadorim da obra Grande Sertão: Veredas.

Na escolha dos poemas e canções, foram apresentados temas que nos aproximam de uma realidade que não vivemos aqui no sul, como a seca, o louvor ao rio São Francisco, a força e a beleza do homem do sertão e sua identidade nordestina, tudo isso mesclado ao amor e à religiosidade; assim ela compartilhou sua fé e exaltou Nossa Senhora.

Entre as canções, fomos brindados com trechos de Estranha forma de vida de Amália Rodrigues, Dança da solidão de Paulinho da Viola, Romaria de Renato Teixeira, ABC do sertão de Luiz Gonzaga, Último pau-de-arara de J. Guimarães/Venâncio/Corumbá, Marinheiro só de domínio público e Felicidade, de Lupicínio, que ela homenageou especialmente e contou que ele a recebeu no aeroporto quando ela veio pela primeira vez a Porto Alegre e que a levou para conhecer o centro da cidade.

No final, único momento em que leva o microfone para o meio do palco, a imagem de uma lua cheia foi projetada na rotunda e inscrita na lua, surgiu uma foto de Dona Canô, a quem Bethânia dedica o espetáculo. Fãs entusiasmados cobriram o palco de pétalas de rosas. A estrela saiu sob aplausos calorosos e pedidos de bis. Após alguns instantes os músicos voltaram. Bethânia explicou que leitura não tem bis, não é como um show, mas mesmo assim, generosa, entusiasmada e feliz atendeu às expectativas e de improviso nos brindou cantando “quando o carteiro chegou e meu nome gritou com uma carta na mão...”.

Na saída do teatro, percebi em muitas pessoas sorrisos, o enxugar de lágrimas, gestos expressivos como a mão no peito, tudo a demonstrar a intensa emoção que o espetáculo causou. Lindo, lindo, lindo!

* Shirley Rosário é diretora teatral e iluminadora

Cordel do amor sem fim por Guilherme Nervo

2011-09-23T10:53:00.000-07:00

Teatro feito à mão*

O que olhar primeiro no exuberante cenário de Cordel do amor sem fim? Qual som escutar com mais atenção? Por qual cor se deixar influenciar? A qual personagem dedicar mais atenção? Essas perguntas começaram a borbulhar em mim quando entrei na Sala Álvaro Moreyra. Logo entendi o porquê da escolha da sala ao invés do Teatro Renascença, a aproximação entre ator e público é fundamental, trata-se de um teatro de vivência. Não por acaso o grupo de Recife chama-se O Poste: Soluções Luminosas, a iluminação conversa com todos os outros elementos, formando e destruindo atmosferas como em um passe de mágica. É como se o grupo houvesse adicionado três personagens ao texto de Claudia Barral: a luz, a sonoplastia e a percussão. Elas estão suficientemente presentes e entrelaçadas com o enredo a ponto de adquirirem um caráter de “personagem”. As luminárias com envolto de palha em formato circular estão penduradas no fundo do palco, cobertas por redes de pesca. Ou são teias de aranha? Talvez apenas fumaça, tecido ou ilusão de ótica. De uma forma ou de outra, o campo de significação é expandido e cada um faz a sua viagem. Isso é riqueza.

Às margens do rio São Francisco, no sertão baiano, moram três irmãs completamente diferentes - a velha grosseira e encurvada Madalena, a instigante e colorida Carminha e a sonhadora aérea Tereza, a mais jovem. José é o noivo de Tereza e traz consigo um amor agressivo por ela, revelando uma personalidade animalesca. A primeira imagem da peça é formada pelos quatro tocando um tipo de instrumento e repetindo um movimento próprio ao personagem. A sensação é que eles estão debaixo do mar: a luz geral é azulada e conchas luminosas formam um caminho no solo. A corneta de som grave e arrepiante, os chocalhos frenéticos, a batida cheia de suspense do tambor e tantos outros instrumentos artesanais capazes de imitar ruídos da natureza e do homem, parecem nunca sair de cena, como se os quatro personagens trouxessem consigo um ritmo. Ritmo que ao decorrer da peça sofre algumas alterações, agita, acalma, explode, emudece. Funciona como um fragmento de alma.

Cada personagem tem um tipo bem definido de falar, andar e se posicionar. O que fica claro quando eles distanciam-se do personagem para narrar algum momento da peça. A linguagem de atuação escolhida é um dos elementos mais gritantes, é como se assistíssemos a um teatro de rua introduzido no palco. As feições são exageradas, a maquiagem transborda no rosto, o texto é dito de forma arrastada e abusando da articulação, tudo é propositalmente grande, colorido e voraz. No princípio essa encenação me incomodou, não consegui olhar com generosidade para a caricatura do ser humano como uma tipificação da commedia dell’arte. Depois, essa sensação foi diminuindo, me permiti um mergulho profundo nesse universo rico e poético, de uma cultura tão singular. Não me questiono quanto à explícita competência do trabalho de atuação, os personagens apresentam pinceladas bem trabalhadas, porém o nu de Tereza parece agir com um único objetivo: alcançar o sucesso da forma. E alcança, pois a cena em que ela se esgueira sobre as velas com os seios nus, dizendo: E o terceiro foi aquele que a Tereza deu a mão; e a outra, em que ela caminha sobre gelo seco e luz verde, coberta apenas por uma rede de pesca; são cenas estonteantes, repletas de onirismo. Entretanto precisam desse apelo? A beleza física e a sexualidade de Tereza foram bem exploradas com o vestido curto e com seus trejeitos, o nu sublinha isso de maneira excessiva e destoa com agudeza do restante da peça.

Se Deus levantou o céu com uma frase, com uma frase o céu pode desabar.

E foi essa frase, dita por Tereza, que desabou José. Com muita relutância aceitou esperar o homem que havia atravessado o peito da menina de desejo, o tal Antônio. Semanas e meses passaram, até que quatro anos completaram-se sem a aparição do homem. Para José, todas as prostitutas da cidade tinham a feição de Tereza, ele estava enlouquecido por ela. Enfim esbarrou com Antônio pela cidade, fazendo questão de assassiná-lo em um mato. Tereza espera por tanto tempo seu amor que acaba se transformando em pedra às margens do rio São Francisco.

É possível gargalhar, emocionar-se, ficar vidrado e mesmo achar tudo muito exótico em Cordel do amor sem fim. As canções estão presentes em diversos momentos, além de contar a história, reforçam o universo folclórico do nordeste brasileiro. Inclusive, existe um resgate de cultura, um estudo antropológico. O elenco demonstra performances muito boas, somente a voz de Tereza (Eliz Galvão) parece destoar perante as outras. O músico canta apenas um verso: Mas toda a verdade está nos olhos de Antônio, suficiente para que a plateia volte surpreendida em direção a ele, sua voz é marcante, carrega uma tristeza encantadora.

As soluções cênicas da peça revelam uma criatividade pensada em conjunto: desde à porta que é carregada pelos personagens e capaz de se desmanchar em quatro superfícies, até à utilização de objetos que intensifiquem o nível de tensão ou distensão da cena, explorando sons inusitados, surpreendentemente musicais e ritmados. É uma grande conquista alcançar tamanha carga poética e beleza plástica a partir de recursos simples e artesanais, sem a utilização de máquinas. Por isso considero adequada a expressão “teatro feito à mão”, é delicado e poderoso.

* Guilherme Nervo é estudante de Teatro do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

SESSÃO DE HOJE, DIA 23, DE "A ÚLTIMA GRAVAÇÃO DE KRAPP" FOI TRANSFERIDA

2011-09-23T09:47:00.000-07:00

COMUNICADO PORTO ALEGRE EM CENA

Por questões alfandegárias na liberação da carga cenográfica, e o consequente atraso de sua chegada em Porto Alegre, em comum acordo, a direção do "Porto Alegre em Cena" e a equipe do espetáculo Krapp’s last tape, dirigido por Robert Wilson, com o sentido de preservar a qualidade artística da apresentação, a pedido do célebre diretor , transfere a primeira sessão do espetáculo, que ocorreria sexta-feira, dia 23, para uma sessão extra:

domingo dia 25, às 20h30min, no Theatro São Pedro

As outras duas funções:
Dia 24, sábado às 21h
Dia 25, domingo às 18h, permanecem inalteradas.

O público que adquiriu ingresso para a sessão transferida tem acesso exclusivamente à sessão extra do domingo, sem nenhuma necessidade de remarcação de ingresso. Não será possível remarcar para as outras sessões, porque as mesmas têm suas lotações esgotadas. Em caso de impossibilidade, o valor do ingresso será restituído aos que assim o desejarem.

Agradecemos a compreensão e desejamos a todos um ótimo espetáculo.

PORTO ALEGRE EM CENA

Agreste malvarosa por Hermes Bernardi Jr.

2011-09-23T09:31:00.000-07:00

Agreste malvarosa*

Esta é a história de um homem e uma mulher que se conhecem no sertão nordestino. Entre eles, uma cerca, talvez a metáfora do amor impossível. Um amor que nasce predestinado à tragédia, a observar o clima instaurado desde a entrada da plateia. A viola chora uma dor, esteiras de palha envolvem o ambiente e tornam o lugar uma frágil clausura. Algo ali, nos será dito em segredo. Embora seco e frágil, o ambiente sugere a claustrofobia. Na face da atriz, sentada a encarar-nos, uma lágrima ressecada é o prenúncio de uma viagem árida, a seco, como o próprio sertão. A outra atriz perambula a esmo pelo palco, como se à procura de algo que possa florescer. Talvez a planta, a malva rosa, que empresta seu nome ao título nesta versão adaptada de Agreste, concebida para atores contadores de histórias e já vista no Poa em Cena. Malva rosa tem poderes medicinais. É usada como calmante, antifúngica e expectorante. Presta-se para expulsar o que nos incomoda à garganta. O cenário lembra Uma mulher vestida de sol, de Ariano Suassuna, no qual usa como metáfora a cerca, a divisão dos lados, a impossibilidade do amor. Como não lembrar de Ariano quando arremetidos para o sertão nordestino? Um pequeno crucifixo suspenso é o indicativo do que Steiner denomina justiça poética: cada indivíduo deve receber da providência divina graças ou punições de acordo com seu caráter e suas atitudes. Assim, o espírito cristão fatalmente se atrela ao drama da terra árida. A primeira fala de Rosana - uma das atrizes contadoras - dirigida ao público que ali está como para ouvir histórias ao redor de uma fogueira, reforça o tom trágico do que iremos assistir. Sua voz é seca e firme. Sua voz é doída.

Cruel, a natureza é
Dá o sol na desmedida
Dá um corpo na desmedida
Dá o amor na desmedida.

E então mesclam-se narrativas e ações para nos contar do ocorrido, cumprindo a rubrica que o próprio dramaturgo, Newton Moreno, sinaliza: “Da união destas duas linguagens – a oralidade e a dança-teatro; verbo e movimento – será feito o espetáculo.” Em clima de total tensão dramática, pontuada pela música que felicita e chora, embarcamos agreste amor adentro. Alegrias e dores, entre pavios que se apagam e lençóis que encobrem, vão construindo em nosso imaginário as imagens deste segredo de amor inspirado em fatos reais. Lembro de quando a notícia real viera à mídia. Tinha por característica enlevar o inusitado. A mulher que viveu por anos com seu marido, quando de sua morte, descobre um segredo a respeito do esposo e, sobre o qual, os vizinhos e autoridades de arredores supõe que ela tenha compactuado. O espetáculo dá-se em situação de contação de história. Millene e Rosana vão trazendo à cena alguns dos personagens. Newton o escreveu para ser um exercício de ator/contador. Sugere, inclusive, que “O narrador pode assumir todas as outras personagens, viúva, o padre, o delegado,ou as vozes dos moradores.” E a direção compartilhada de Stephane Brodt e Ana Teixeira, da reconhecida Cia. Amok Teatro, atende a isto à risca. O vigor, desde a entrada da plateia, desde as primeiras palavras ditas, se mantém com tamanho virtuosismo que, por vezes, nos leva a certa exaustão e desconforto, nos distanciando das imagens poéticas e da narrativa, que a poesia das palavras, objeto da ação proposta, possa vir a construir. O aplauso, aqui, torna-se consequência da tensão impressa ao tom vocal e à energia corporal utilizados para que a narrativa chegue a nós. Uma tensão “desmedida” – para reportar às palavras que nos introduzem à trama – como o fogo do preconceito que incendeia a tudo. Mas confesso que esperei pelo respiro, o fôlego último, para entrar no coração das personagens e extrair daquilo que as humaniza o que me toca no lugar de plateia e ouvinte. Não quisera morrer de sede no sertão. Quisera encontrar a flor, a malva rosa, para tornar amena a ranhura do amor incondicional.

* Hermes Bernardi Jr. é escritor

Dois perdidos numa noite suja por Manuella P. Goulart e Guilherme Nervo

2011-09-22T20:08:00.000-07:00

Desejo de mudança*

Dois perdidos numa noite suja, construído a partir da obra de Plínio Marcos (1966), mostra a situação de dois sujeitos que trabalham como carregadores de caminhão numa feira popular. Paco (Renaldo Taunay) vive tocando gaita de boca, já que a sua flauta foi roubada, e também passa o seu tempo a implicar com Tonho (Igor Kovalewski), que não vê a hora de se tornar alguém na vida, pois ele estudou, é alfabetizado. Ao entrarem em cena, é possível que o espectador tenha a sensação de que, ao longo de 85 minutos, assistirá a uma montagem congelada e lacunar, como geralmente são as montagens baseadas em textos de Beckett. A expressão misteriosa dos atores, o não-diálogo inicial e os seus aspectos físicos bem distintos, assemelham-se à trama de Estragon e Vladimir, em Esperando Godot. Porém, essa imagem vai se diluindo.

Se aqui eles também esperam, não se trata de uma espera estática, e sim dinâmica. A velocidade com que a dupla troca palavras traduz a ânsia de largar uma vida medíocre. Existe um objetivo concreto que não se resume ao ato de esperar. Essa aceleração da fala, utilizada em alguns momentos, é brilhante, parece que estamos assistindo a uma partida decisiva de ping-pong. O texto de Plínio Marcos cresce em nuance e potência ao ser dito pelos atores com muita verdade, o que nos leva a pensar que o texto foi esmiuçado com atenção e criatividade, em conjunto com uma direção (André Garolli) que só contribuiu.

Rapidamente deverá nos evocar uma pergunta: se as condições de trabalho são tão humilhantes e Tonho até mesmo está sendo ameaçado de ser espancado pelo “negrão” do vilarejo, por que não vão embora? Por que Tonho aguenta ser chamado de “boneca do negrão” e ser diariamente envenenado por Paco? Talvez, porque ambos possuam uma relação de dependência. Talvez, porque estejam escravizados. Tonho quer ir embora, mas precisa conseguir um sapato novo para ter um emprego melhor. E a solução está com Paco, que possui o objeto de desejo, mas não o cede por considerá-lo símbolo de poder. A ligação não aparece apenas entre eles, mas também com o ambiente. Como se existisse um determinado gozo em prolongar a situação, um desejo perverso de sofrimento que colide com o desejo de mudança. Mas nada se concretiza, pois os personagens não conseguem agir para que isso ocorra.

Quando parecia que estaríamos voltando a “esperar Godot”, Tonho faz uma proposta a Paco que dará uma grande reviravolta na vida de ambos. Ele pretende assaltar um casal de namorados assustando-os com sua arma de fogo sem balas. Tonho expõe o tamanho de seu coração diversas vezes, é um homem generoso, sincero, não quer machucar ninguém. Paco é o perfeito contraponto: já se imagina dando um pau no homem e abusando a namorada. É nesse momento que o público pode concretizar o que na realidade viu desde o princípio: atores em sintonia e interpretações que prendem o espectador. Afinal, é esse o foco da peça, pois o cenário é simples: dois caixotes, uma bacia com água e uma caneca. Sabemos que existe ação fora desse cenário pelos relatos dos personagens, mas o lugar que acompanhamos é o quarto de pensão dividido pelos sujeitos. Os objetos cênicos demonstram bem a situação de pobreza em que os eles vivem e o palco vazio contraria a cenografia proposta por Plínio Marcos. O diretor e a companhia carioca Triptal de Teatro foram muito felizes ao desnudarem esse texto, que já foi tão trabalhado.

Difícil destacar apenas uma cena do esqueleto bem estruturado da peça. Mas existe uma cena arrebatadora em sua poesia: quando Tonho oferece gentilmente um cigarro à Paco e eles quase se beijam para acender os cigarros. Permanecem um tempo precioso em suspensão, com contato visual intenso, esperando o momento em que os cigarros acendam. O elo é estabelecido, entretanto, por mais que o cigarro seja prazeroso, queima o próprio corpo até reduzir-se às cinzas. Há outros momentos, como esse, em que um dos homens congela em uma foto enquanto o outro continua a dizer o texto. O que termina por nos mostrar uma interessante linguagem, que não é a do naturalismo.

Os diálogos são compostos de palavras que caracterizam esses personagens. Paco é extremamente vulgar em seus gestos, tem uma postura de malandro, usa palavras baixas, mas que possuem beleza em razão do trabalho textual eficiente, que só peca ao antecipar reações. Isso ficou claro na atuação de Renaldo Taunay, quebrando a atmosfera de veracidade. Tonho é mais discreto no que diz, ele ainda tem família, é sensível e solidário. Sua expressão revela toda a dor que sente por estar ali, com os sapatos rotos, o corpo sujo e a alma machucada.

Dois perdidos numa noite suja consegue cumprir o que todo espetáculo deveria ter como meta: atingir o público violentamente a partir de saborosos momentos de reflexão e risadas derivadas da notável presença cênica e conexão entre o elenco.

* Manuella P. Goulart e Guilherme Nervo são estudantes de Teatro do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Histórias de amor líquido por Guilherme Nervo

2011-09-22T19:56:00.000-07:00

Relações escorregadias*

A mesma equipe de Um navio no espaço ou Ana Cristina César nos apresenta a peça Histórias de amor líquido, cuidadosamente dirigida por Paulo José e inspirada na obra Amor Líquido - sobre a fragilidade dos laços humanos, do sociólogo alemão Zygmund Baumann. É justamente sobre isso que o texto de Walter Daguerre fala,o caráter líquido das relações humanas. A era da tecnologia faz com que cada vez mais nos relacionemos de forma escorregadia, superficial. Não é um líquido que flui tranquilo e profundamente, mas que margeia a situação e apresenta um curso atravancado. A peça explora nossa conduta ao construir relações instáveis, capazes de se desmanchar a qualquer momento. A derramar como água que goteja ou jorra.

Ao mesmo tempo em que a peça questiona essa avalanche de mídias, a dependência e o abuso tecnológico, utiliza-se delas. Não há uma cena sem projeção, os cenários hiperrealistas são criados a partir de projetores de alta qualidade que compõem as imagens. Paulo José recorreu às espetaculares projeções de Bob Wilson para tanto. A ideia original era montar uma peça seca, centrada no trabalho do ator, utilizando os meios mais elementares, entretanto como a peça falava dessas tecnologias, pareceu coerente explorá-las. A iluminação da peça não trabalhou a favor da projeção dos cenários, fez com que eles perdessem em nitidez.

Cinco atores interpretam três narrativas contadas simultaneamente. O que significa que o elenco deverá interpretar mais que um personagem e passar de um para o outro constantemente. Somando a essa situação o tema da peça – laços humanos –, o espectador pode ter uma ideia do desafio que deve ter sido trabalhar em família. Falo do parentesco entre o diretor e as atrizes Ana Kutner e Bel Kutner, pai e filhas. Somos um complexo integrado, não é fácil separar sentimentos afetivos da vida profissional. Mas essa família e o restante do elenco conseguem vencer essa barreira e apresentar uma comédia inteligente e divertida.

Rua sem saída é o nome da primeira história, composta por um guarda noturno e uma mulher perturbada. Ela persiste em devolver um lenço limpo para o guarda, mas possui uma doença que faz com que sangue - e aqui a figura líquida - derrame de seu nariz. A segunda história chama-se A corretora, composta por uma mulher decidida a passar sua vida contabilizando o mundo e ajudando os clientes a saírem sempre lucrando. A terceira e última história chama-se A casa da ponte, composta por um casal de namorados que entra em conflito ao passar uma noite sem aparelhos eletrônicos. Como se vê, o texto é simples, são situações cotidianas. A única história que parece estar desconectada das outras é a primeira, na qual se explora o silêncio da noite sem bons resultados, a peça perde muito em dinâmica. Por mais que a direção seja excelente.

Histórias de amor líquido apresenta uma estrutura irregular, tem momentos bons e ruins. Às vezes parece que estamos assistindo a uma telenovela, tamanha a semelhança com a linguagem televisiva. Recurso proposital ou não, machuca o corpo do espetáculo. O ponto mais brilhante é a atuação de Bel Kutner, ela apropria-se da personagem da corretora com entusiasmo e exatidão. Caminha como quem está sempre em cima de uma passarela, fala articulado e com glamour, vestindo roupas lustrosas. A atriz é muito natural ao apresentar a lógica de uma mulher capaz de vender a alma ao diabo para conseguir o que quer, ela representa o poder de enganar que a mídia sustenta e a crise do capitalismo. Uma mulher com uma filosofia insana, de que deslocamento é perda, hoje em dia podemos estar em qualquer lugar do mundo virtualmente. Não podia ser diferente, ela termina sozinha e cantando uma canção ridícula no karaokê.

Na terceira história vemos um casal em decomposição. O acordo de manterem uma relação aberta parecia ser muito eficaz. Até o momento em que eles começam a detalhar suas experiências fora do namoro, a causar ciúme e desconforto, até que ela revela a gravidez e ele se posiciona da forma mais egoísta possível. Começa a ouvir música nos fones de ouvido. Não quer conversar, esclarecer sentimentos e atitudes. Quer as coisas anestesiadas, quer o conforto do controle absoluto.

Considerando essas três histórias como um todo, podemos identificar que estamos em ruas sem saídas. A casa possui uma ponte que não dá em lugar nenhum.Existem montanhas separando os indivíduos. As relações afetivas são disformes, nebulosas e incertas. A velocidade da informação do mundo globalizado e a mudança de comportamento são fatos. Tudo se contabiliza pela situação monetária. E o capital nos destrói.

* Guilherme Nervo é estudante de Teatro no Departamento de Arte Dramática da UFRGS

O fantástico reparador de feridas por Rodrigo Monteiro

2011-09-22T19:47:00.000-07:00

O fantástico reparador de feridas*

Fleumático. Dirigido por Domingos Nunez, o espetáculo O fantástico reparador de feridas apresentou-se no 18º Porto Alegre em Cena como uma peça de teatro bastante cansativa. Talvez, uma metáfora adequada para iniciar sua análise seja a imagem de uma fotografia em 16MB, aquelas que, quando chegam na caixa de correio eletrônico, trancam o computador. Quando você abre o anexo, descobre a mesma imagem poderia ter 200Kb, o que lhe permitiria, inclusive, repassá-la para outras pessoas. O que faz uma imagem ser tão pesada? A quantidade de pixels. A nova produção da Companhia Ludens, no que diz respeito à interpretação dos atores, é assim: cheia de detalhes.

O texto foi escrito por Brian Friel (Irlanda, 1929). São três monólogos justapostos. Três personagens compartilharam juntos décadas de um trabalho e de uma vida em comum. Nas cenas, os personagens dão a sua versão dos fatos ocorrido ao longo desses anos. Os três atores, Walter Breda (Francis Hardy), Mariana Muniz (Grace Hardy) e Fernando Paz (Teddy), deixam evidente o seu domínio de cena, manifesto pela forma como preenchem o palco, modulam as pausas, dizem o texto. A excelência da técnica empregada é inegavelmente grande. A falha, porém, é da direção, essa responsável pela visão geral da encenação: união das partes num objeto único. Não há uma só fala que não seja acompanhada de um movimento de sobrancelhas, meneio de cabeça, giro com as mãos. Os pés estão sempre bem apoiados no chão, os braços presos em algo ou exibindo uma tensão nos ombros. As expressões são duras, friamente calculadas e não corporalizadas. A interpretação carece de naturalidade, tom que convém mais ao drama do que o exagero das máscaras, mais próprio do melodrama. O português é correto demais, as pausas são falsas, os movimentos parecem buscar um sentido ao invés de expressá-lo. O excesso de afirmações torna o espetáculo de cem minutos pesado, o que é uma pena.

Felizmente, o peso dos elementos que, lado a lado, estruturam as interpretações dos personagens em particular, não se repete nas outras esferas da produção. O fantástico reparador de feridas é um espetáculo de produção modesta: uma faixa ao fundo, uma mesa e três cadeiras: cenário esse responsável pela bela e significativa cena final. A iluminação é adequada, a trilha sonora é potente, o figurino (com exceção do visível velcro na calça de Francis Hardy) é bem posto.

O texto de Friel traz propostas interessantes. Três lados de uma mesma história pode ser considerado, hoje, nada radical, mas sua importância não deixa de ser evidenciável. O único senão é o personagem Teddy. Uma vez que Francis e Grace sustentaram ao longo de décadas um romance, o que há de se dizer sobre Teddy? Seria o personagem assexuado? Qual é o seu conflito? Considerando que ele tem o mesmo tempo de exposição da sua visão acerca dos fatos, falta ao espectador mais motivos para ouvi-lo com atenção. Apesar disso, a companhia, que investe há algum tempo na produção de textos que estabeleçam a troca cultural entre Brasil e Irlanda, tem seu mérito garantido pela seriedade com que realiza o projeto. Embora não seja um grande espetáculo, sua presença não deixa de ser bem-vinda ao festival.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Ella por Rodrigo Monteiro

2011-09-22T16:56:00.000-07:00

Ella*

Ella é a nova produção dirigida por Patrícia Yosi, participante, em 2010, com Cuestión de princípios; em 2008, com Las aparencias engañan; e, em 2005, com Onetti en el espejo. Mais uma vez, a diretora uruguaia, também dramaturga e atriz, investe no teatro no seu estado mais puro: atores interpretando personagens diante de uma plateia. Não há projeções, não há trocas de figurinos ou de cenários, não há grandes movimentos de iluminação. Apenas dois atores, Álvaro Pozzolo e Sérgio Pereira, compõem o elenco, interpretando dois homens maduros dentro de uma sauna, cada um com pontos de vistas diferentes sobre a (in)fidelidade.

De início, o espectador sabe que ambos são amantes da mesma mulher, embora o marido seja um terceiro que não está em cena. O diálogo evolui apresentando novas possibilidades para a situação final, fazendo da produção a atualização de uma trama bastante bem amarrada e muito bem escrita pela argentina Susana Torres Molina. Cheia de peripécias, a história esbarra na repetição de discussões outrora apresentadas, mas se recupera a partir de novas informações. O desfecho pega de surpresa o espectador menos absorto e o fim deixa ver, sobretudo, duas belas interpretações.

As duas construções não são equânimes. É no personagem de Pozzolo que está o conflito, pois ele ama Ela, ou, pelo menos, mostra isso com mais intensidade. Embora o personagem de Pereira, mais adiante, também, confesse seus sentimentos por Ela, a forma como a interpretação desse se dá deixa ver um sentimento mais frio em relação a mulher de que ambos falam. É preciso que se diga que as duas interpretações estão a contento, uma vez que os personagens são absolutamente críveis nesse drama realista que ilustra, inclusive, duas formas de amar, ou duas formas de expressar o amor. As pausas, as ironias, as mudanças são marcas verossímeis que acrescentam ao texto e à viabilização dele na peça teatral apresentada.

Há alguns senões.

Na mesma medida em que os “gemidos femininos de prazer” são interessante uso do recurso nos momentos em que um personagem vai para a ducha, isto porque o som dribla o silêncio sem trazer novas e pesadas informações, os “gemidos masculinos de dor”, nas cenas de luta, atrapalham a fruição dos gemidos reais produzidos no palco. Porque os atores também gemem e não há silêncio, a trilha sonora, nesse caso, é redundante e desnecessária.

As cenas de luta carecem de mais marcas de credibilidade. Vários gestos são claramente falsos, o que exibe uma falta de técnica dos intérpretes, esses cujas construções são elogiáveis nos momentos de diálogo.

Ella acumula pontos positivos no cenário, nos figurinos, mas, sobretudo, na divisão do tempo da representação. Sessenta minutos é o tamanho ideal para a narração dessa história, sendo, pela forma como se dá, bastante bem aproveitado. Tem aqui, mais uma vez, uma valorosa participação do Uruguai na programação do Festival.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Os credores por Renato Mendonça

2011-09-22T13:41:00.000-07:00

Os credores ficou devendo*

Impossível não sentar na plateia da Álvaro Moreyra sem levar em conta o que eu já sabia sobre Eduardo Tolentino e o TAPA: um grupo coeso e coerente, cujos trabalhos se caracterizam pela excelente direção de atores e pelo cuidado ao remontagem de autores clássicos, como Vianninha, Tchekov, Plinio Marcos, Oscar Wilde, Nelson Rodrigues e Molière. O gênio da vez era Auguste Strindberg (1849-1912), e o texto, Os credores. As perspectivas eram as melhores, mas Os credores ficou devendo.

A trama escrita em 1888 segue o figurino impiedoso de Strindberg, especialista em expor as mazelas de instituições como a Família e o Casamento. Uma amostra da, digamos, reserva que o dramaturgo sueco dedicava às instituições pode ser medida por uma de suas frases mais famosas: “Família, tu és a morada de todos os vícios da sociedade; tu és a casa de repouso das mulheres que amam as suas asas, a prisão do pai de família e o inferno das crianças”.

Em Os credores, a “família” é composta pela exuberante Tekla (Sandra Corveloni), seu marido, o pintor e escultor Adolf (José Roberto Jardim), e seu ex-marido, Gustav (Sergio Mastropasqua). O descornado Gustav encontra Adolf por acaso em um hotel de praia, e envenena seu sucessor contra a independência de Tekla. O manipulador Gustav é tão inteligente como despeitado: garante a Adolf que vai seduzir Tekla, e o convida a que observe a conquista. Dito e feito. O resultado destroi por igual os três: Adolf perde de uma tacada só sua mulher, sua inspiração e seu orgulho de macho. A autoconfiante Tekla precisará conviver com a humilhação de ser prisoneira de seus instintos. O vencedor Gustav sai do jogo sem o “prêmio” maior: sua ex-mulher.

Esse triângulo desamoroso é contado com falas diretas e com humor ácido, animado por um elenco afiado, ambientado em cenário adequadamente despojado e sob luz rigorosa. Além disso, assistir a um texto de Strindberg é compromisso de qualquer um que queira conhecer os gigantes da dramaturgia ocidental. O que deu errado, então, em Os credores? Em minha opinião, a montagem se submete quase que absolutamente ao texto de Strindberg, abrindo mão de recursos de teatralidade que poderiam potencializar a guerra dos sexos travada em cena.

O palco pode ser descrito basicamente como um grande corredor dividido em três partes. Em uma das pontas, fica a sauna onde Gustav catequiza Adolf. No terço central, o espaço onde se dão os encontros e a sedução. A outra ponta é dominada por uma escultura em gelo, que derrete ao longo dos 80 minutos de peça. A escultura em gelo, por exemplo: chama a atenção, mas remete a quê? Ao relacionamento que se desgasta progressivamente? Ao objeto de desejo que se molda às necessidades de cada um? Nada que se imponha. O personagem de Adolf, como se para enfatizar a sua incapacidade de andar pelas próprias pernas e amar pelos próprios sentimentos, usa muletas e as abandona por alguns momentos ao final, quando vai (tentar) intimar Tekla. Previsível.

Fiquei com a incômoda sensação que não perceberia uma diferença considerável entre assistir à peça ou ler o texto em um livro, e isso é fatal quando se quer garantir o comprometimento e a parceria criativa do espectador. Os credores fica, assim, recomendado para quem é fã de carteirinha de teatro de texto, e se disponha a superar momentos de monotonia pela inquebrantável fé na literatura dramática. Quem busca uma linguagem contemporânea ou uma atualização formal da obra de Strindberg vai ficar no prejuízo.

Os credores está em cartaz ainda quinta e sexta-feira, às 23h, na Sala Álvaro Moreyra.

* Renato Mendonça é jornalista (relatomendonca.tumblr.com)

Carlos Villalba por Marcelo Delacroix

2011-09-21T10:46:00.000-07:00

No me olvides: Carlos Villalba y Orquestra Veláskez*

“Carlitos” Villalba, como é carinhosamente chamado, é uma figura conhecida da classe artística porto-alegrense. Muito querido por todos, arrisco dizer que ele deve ter escovas de dentes espalhadas na casa de uns quantos amigos na cidade. Mas, o que pouca gente sabe é que o grande produtor é também o compositor de belas canções, além de cantor e letrista sensível, que lançou recentemente seu primeiro disco, intitulado No me olvides.

O que assistimos no Teatro Renascença, dias 17 e 18, foi o Villalba cantor e compositor, amparado por uma orquestra impecável combinando piano, contrabaixo, guitarras, percussão e bateria, com um quarteto de cordas (2 violinos, viola e violoncelo), clarinete, clarone e sax soprano. Tal sonoridade “mezzo erudita” vestiu as músicas de classe e bom gosto, com os ótimos arranjos do diretor musical Diego Schissi, que comandava o grupo desde o piano. Como se sabe, não basta reunir alguns violinos e achar que vai soar lindo! É preciso um arranjo bem escrito e executado. Temos que tirar o chapéu para a excelência musical dos hermanos argentinos (assim como também dos uruguaios), os quais têm tradição de bons músicos de orquestra, e por anos formaram o grosso do contingente da nossa Orquestra Sinfônica de Porto Alegre.

A música de Carlitos soa requintada sem soar difícil. Construída sobre harmonias etéreas, trilha caminhos incomuns, com acordes “abertos” e cadências que não conduzem ao chão, mas mantem o ouvinte suspenso, enquanto o canto aveludado passeia por melodias lânguidas, por vezes próximas do recitativo. Passa uma sensação de contemplação e serenidade, com elementos de musica de câmara, cool jazz e folclore. Ao final, quando comentei com uma amiga em quem confio no bom gosto, sobre a atmosfera linear e contemplativa das músicas, ela prontamente respondeu que essa tinha sido justamente uma das melhores qualidades do show, pois não haviam grandes arroubos, crescendos ou explosões repentinas que alterassem subitamente o ânimo do ouvinte.

As letras das canções, repletas de imagens poéticas e projetadas ao fundo em suaves movimentos, auxiliaram a compreensão do texto e serviram como ambientação de cenário, explicitando sua declarada paixão pela literatura.

A falta da diva argentina Liliana Herrero, cuja participação estava anunciada, foi imediatamente preenchida à altura com a participação surpresa de outra diva, sempre competente e exuberante: Cida Moreira cantou demais, e soube colocar-se à disposição da música de Villalba, timbrando sua voz com a dele, com a sabedoria e a generosidade que só se vê em grandes artistas. E se a afinação do cantor foi imprecisa aqui ou ali, sua voz macia e aveludada compensou em expressividade e intenção que só o autor sabe dar as suas canções.

A leveza do show ficou por conta da simpatia e do humor refinado de Villalba, que soube cativar o público brincando e rindo de si mesmo, na condição de “estreante”, e rendendo homenagens ao pianista gaúcho Geraldo Flach e à cantora Shakira, na música mais pop do show, que foi apresentada três vezes em diferentes versões “na esperança de que vire um hit”. A plateia, que estava repleta de músicos, atores e produtores culturais, aplaudiu em pé ao final, demonstrando ter gostado do que viu e ouviu. Eu estava entre eles, e também gostei.

* Marcelo Delacroix é músico e compositor

Nada del amor me produce envidia por Manuella P. Goulart

2011-09-21T08:53:00.000-07:00

Nada do amor me produz em vida*

Nada del amor me produce envidia foi a primeira peça que escolhi para assistir no Porto Alegre em Cena deste ano. A montagem argentina partiu do texto do cineasta Santiago Loza e foi dirigida pelo também diretor de cinema Diego Lerman. Estamos diante da história de uma costureira (Maria Merlino) que tem de decidir entre entregar um vestido para Eva Péron ou Libertad Lamarque.

A peça inicia com uma bela música cantada pela costureira. Com isso, já se pode destacar a belíssima voz da atriz Maria Merlino e a importância musical no espetáculo. Por ser um melodrama musical, a trilha sonora tinha um grande efeito em cena: ilustrava o que estava acontecendo e, ao mesmo tempo, demonstrava o gosto da personagem pelas “divas” do cinema e rádio-novela da década de 30.

A situação temporal foi bem definida no espetáculo, não só pelo caráter musical, mas por outros artifícios como figurino e cenário. Quando as luzes acenderam, o público se deparou com um palco com poucos objetos: havia um manequim, uma máquina de costura e uma cadeira. O figurino também é simples e não há excesso de maquiagem.

Essa visão remete à lembrança de que, na Argentina de 1930, as mulheres que não eram bem sucedidas como cantoras, acabavam seguindo a carreira de corte e costura. A personagem não é um caso à parte. É evidente a sua adoração por Libertad – tanto é que ela canta as suas canções em vários momentos – e por Eva – a primeira-dama e estrela cinematográfica argentina. Outro aspecto interessante é o seu constante diálogo com o manequim. Em vários momentos ela conta histórias comparando a sua vida, de costureira, a das cantoras. Declarando sua adoração pelos vestidos que produz. Ela passa a reprimir seu desejo de estar dentro dos vestidos que produz e, mais que isso, em cima de um palco soltando a voz para um público ávido.

Há um momento em que a personagem declara que “costureiras não têm o direito de escolher”, porém, a situação muda quando Libertad Lamarque bate à sua porta e lhe encomenda um vestido. Dias depois, surge Eva Perón pedindo o mesmo que a outra solicitara. A partir disso, ela se vê numa situação contrária à que estava acostumada: há a chance de decidir algo. E é a partir desse dilema que a trama se desenvolve.

Eva e Libertad não estão na história por acaso. Além da disputa existir no espetáculo, também ocorreu algo semelhante na realidade. Ambas foram grandes atrizes, porém a segunda teve mais sucesso que a primeira. Tudo ia bem até que as duas foram contratadas para encenar La Cabalgatadel Circo. Naturalmente, Lamarque ganhou o papel principal. No entanto, isso não impediu que Evita agisse como uma exclusividade: ela sempre chegava atrasada nos ensaios. Não suportando mais a situação, Libertad esbofeteou Eva na frente de todos. A intriga não acaba, após Evita se tornar primeira-dama, Lamarque vai para o México. Lá, ela protagoniza diversas telenovelas.

Não se deve esquecer de falar na atuação de Maria Merlino. Além de sua voz chamar bastante atenção, a interpretação não é diferente. O modo de atuar lembra, em vários momentos, o caso típico do melodrama, ou seja, havia alguns excessos emocionais enquanto relatava as histórias. Estes eram intercalados com momentos de expressões minimalistas – talvez porque a peça é dirigida por um cineasta. Como exemplo, pode-se citar a parte em que a personagem fica paralisada por, aproximadamente, quinze segundos enquanto relata um acontecimento passado. O que poderia dispersar a atenção do público acabou chamando a atenção.

A costureira apresenta uma personalidade ingênua, quase puritana. Apesar do apelo melodramático, fala sempre no mesmo tom de voz, como se estivesse eternamente em um estado de tranquilidade. Mas acredito que isso seja uma forma de reprimir a frustração de não ter seguido a carreira de canto. Marina é exemplar ao construir esse monólogo, ao comunicar tão bem o ato de conter.

O público foi bem participativo: Riu em diversas partes, mostrou grande satisfação – todos aplaudiram de pé por um longo período. Ao mesmo tempo, foi visível que alguns espectadores estavam desconfortáveis: saídas antes do fim da peça, tosses, remexidas no assento.

No mais, é um monólogo constituído de um texto belíssimo e recheado de interações musicais com uma atuação composta de forte presença cênica. Caso os demais espetáculos me chamarem a atenção como este, eu estarei realizada. E no fim, a costureira brilha. Está dentro do seu vestido e com a voz de um passarinho!

* Manuella P. Goulart é estudante do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

O fantástico reparador de feridas por Alexandre Vargas

2011-09-21T08:39:00.000-07:00

No limite entre fé e fraude*

A peça O fantástico reparador de feridas, inspirado no texto Faith healer, do irlandês Brian Friel, é dirigida por Domingos Nunez, estrelada por Walter Breda, Mariana Muniz e Fernando Paz. A produção é da Cia. Ludens, fundada em 2002, que surgiu com a proposta de pesquisar e montar textos teatrais irlandeses no Brasil e estabelecer um diálogo entre as duas culturas. O espetáculo obteve duas indicações ao Prêmio Shell de Teatro 2009, pelas atuações de Walter Breda e de Mariana Muniz.

Três personagens e quatro monólogos contam a história de uma trupe que viaja por cidadezinhas da Escócia e do País de Gales, apresentando um número que se situa entre uma representação teatral e um culto religioso de cunho sobrenatural. Juntos, tentam sobreviver cobrando ingressos de inválidos em apresentações das quais podem sair curados. Esse é o ponto de partida para as situações narradas na peça. Os três personagens são Frank, Grace e Teddy. Frank (Walter Breda) é um homem que vive atormentado por possuir um dom sobre o qual não tem nenhum controle e tenta aplacar seus questionamentos com doses colossais de uísque. Sua mulher, Grace (Mariana Muniz), advogada e filha de um juiz aristocrata, acusa, defende, busca evidências e comprovações para justificar seu estado mental. Teddy (Fernando Paz), empresário de artistas exóticos e decadentes, transita entre a frieza profissional, a admiração por Frank e uma possível paixão por Grace. A peça está estruturada em depoimentos dos três personagens sobre o mesmo acontecimento. Cada uma das personagens narra diretamente para a plateia, de acordo com suas próprias conveniências, alguns fatos que vivenciaram juntas. Ao contar suas experiências, as personagens têm o intuito de convencer os espectadores e a si próprias de que aquele ponto de vista é o que mais se aproxima do que realmente aconteceu. Aos poucos, tece-se uma cadeia de informações que se complementam e se opõem e que levarão os espectadores a tirar suas próprias conclusões. Em última análise, tudo depende do ponto de vista do observador que, de um modo ou de outro, relativiza os discursos a que está exposto e os reorganiza de acordo com suas próprias necessidades, sentimentos e limitações. No entanto isso se dá por uma “literatura dramática” e não pela encenação do espetáculo apresentado no festival.

O texto é considerado como o mais radical de Brian Friel, mas a encenação não alcança a potencialidade do texto. Pois os espectadores, os que estão acordados, tentam encontrar na chave da oralidade, da narrativa, as inquietações que a encenação não nos possibilita. Friel em seus textos está interessado em investigar a percepção da realidade a partir da manipulação da linguagem, dos discursos e do desejo pessoal que forja uma realidade. Então ele coloca a questão da manipulação da linguagem como um dos pilares para uma possível representação do mundo contemporâneo. Ora, se o que está em jogo é o poder de persuasão, então é possível fazermos uma relação com a própria arte teatral que a Cia. Ludens nos apresenta. Para a construção de uma encenação não basta o conceito, a sinopse e o discurso de estar encenando um dos maiores nomes da dramaturgia da Irlanda.

* Alexandre Vargas é ator, diretor e coordenador do C.P.T.A. - Centro de Pesquisa Teatral do Ator

O fantástico reparador de feridas por Camilo de Lélis

2011-09-21T08:30:00.000-07:00

O curandeiro*

Não dá pra segurar, rasga coração! Queria ficar só com o sentimento, não escrever nada. Afinal, é uma peça que o público, na noite em que assisti, estava meio indiferente. Algumas pessoas saíram no meio do espetáculo...Sério, é verdade. Influenciado pela peça, vou escrever, assim, sob efeito da memória emocional.

A começar pelos intérpretes. Walter Breda é um ator que participa de muitas novelas de sucesso na televisão. Trabalha também como dublador. O seu estilo de usar a voz é muito peculiar e dá um sabor especial ao seu personagem, que é um misto de charlatão e milagreiro. Essa mistura é, precisamente, o drama do personagem, pois não podendo usar seu dom paranormal, segundo a sua vontade, fica à mercê do acaso, e do uísque, para realizar suas apresentações. Ele é o protagonista. Mariana Muniz, atriz, coreógrafa e bailarina, com muitos prêmios em sua carreira, representa a esposa do curandeiro. Alguém que abandona a família rica para segui-lo. Mariana é tão dedicada em sua entrega ao papel, que quase não percebemos que estamos diante de uma maravilha. Ela é uma diva. Fernando Paz, ator que trabalhou na Companhia do Latão e Grupo Tapa. É, também, clown na equipe dos Doutores da Alegria. Nesta peça, ele faz o papel do empresário do show de curas místicas.

A autoria da peça é do irlandês Brian Friel, considerado um expoente da dramaturgia irlandesa atual. Uma mesma história (equipe mambembe viaja por cidadezinhas da Escócia, País de Gales e Irlanda, realizando sessões de cura), é contada sob o ponto de vista de cada um dos integrantes do trio: Frank - o bruxo; Grace - sua esposa; Teddy – empresário de artistas decadentes. Eles nunca se encontram em cena. São monólogos.

Não há cenário, só uma faixa com o nome do show, que é o mesmo nome da peça: O Fantástico Reparador de Feridas. Há três cadeiras e uma mesa com uma vitrola e outros pequenos elementos. Que eu me lembre, mais nada. A luz é branca. Um foco pontua um episódio, que se repete, exatamente igual, nas três narrativas: o episódio trágico, que dará fim às peripécias da trupe. Três histórias diferentes e, entretanto, uma mesma história. Não se trata de que cada um dos personagens recria, inventa o passado. O que acontece é uma coisa mais interessante, pois ninguém mente, e as narrativas se complementam entre si, na verificação de uma única verdade inexorável: o dom especial - que um homem traz de berço (a cura), mas que depende de algo fora de seu controle (a fé) - imantará o destino de três criaturas, numa mesma direção.

Eu teria muitas outras coisas para escrever, eu que não queria escrever nada. A peça me tocou, porque o dramaturgo criou uma história muito boa (nem pós-dramática, nem transumana, apenas uma história), e ela foi interpretada por três ótimos atores, sob regência de uma direção sutil, precisa e erudita de Domingos Nunez.

No entanto, teve gente saindo no meio do espetáculo...Talvez, por estar com o cérebro superexcitado por montagens com muito “glamour” e muita “purpurina”, não tiveram paciência para um trabalho que exige algum esforço de quem assiste: escutar uma história, juntar seus pedaços, acompanhar...Não é garantido, mas a cura de nossas feridas pode se realizar, também, através do teatro.

* Camilo de Lélis é encenador

Blackbird por Julio Conte

2011-09-20T19:09:00.000-07:00

Blackbird*

A peça Blackbird do dramaturgo David Harrower vem precedida pela fama do autor escocês. Da jovem geração de dramaturgos, David compõe um obra que prima pela concisão. A encenação é absolutamente sincrônica com o texto e, ao estilo do melhor teatro uruguaio, prima pelo realismo na encenação e no naturalismo das interpretações. Como a peça compõe um festival só posso deduzir que a dramaturgia é para onde se foca o interesse da obra. Um texto é livremente inspirado em fatos reais, onde o abuso sexual perpetuado por Toby Studebaker serviu de inspiração para o autor. Sobre este mote, David Harrower constrói uma narrativa compacta e sintética. Parece que o texto foi esculpido sobre um rocha de granito. É dura e áspera, demora para revelar as nuances, mas por isso mesmo de uma cruel consistência. O ritmo da encenação faz jus ao que de melhor se pode esperar de um teatro realista. Falas entrecortadas, dinâmicas, cresce e esvazia, tensiona e relaxa e nunca dá trégua. Cheia de desenho acústico, as falas favorecem ao espectador, pois mesmo quando perdemos alguns significados das palavras, a musicalidade do texto, a sonoridade e o ritmos nos devolvem para o cerne da trama. O temos em cena é Una, uma mulher de 27 que encontra Ray de 55. Ela o descobriu por uma foto num jornal e imediatamente reconheceu o sujeito que a abusara quando tinha 12 anos. A temática não faz concessões. A verdade de cada um é revelada numa espécie de almoxarifado da empresa que prima pelo isolamento. Ali, naquele ambiente recluso, isolado e intimo a trama se desenrola. As revelações têm um aspecto de rememorações atormentadas do passado que se recusa a passar. Assim a pedra essencial da narrativa vai sendo esculpida e a peça se revela para nós. O clima entre Una e Ray, depois da catarse, retoma o clima sexual. Os estranhos caminhos do desejo. A confusão de linguagem na qual o infante confunde ternura com amor e passa a se culpar por ter sido abusado constituindo o mecanismo conhecido como identificação com o agressor. Aquele que sofre acha que a culpa é dele, pois de outra forma perderia, embora de fato já tenha perdido, os objetos amorosos que deveriam prover a sua subsistência emocional e física. Ray e Una são tomados pelo antigo desejo e, de novo, não sabem o que fazer com ele. Porém aqui temos a grande virada que revela a grandeza do dramaturgo e transforma a encenação para além de um caso clínico. Surge em cena uma enteada de Ray, uma menina, ainda púbere, que veio buscá-lo para ambos voltarem para casa. Neste momento abre-se sobre o granito da narrativa o miasma essencial. Corre sangue na pedra, o granito mostra sua essência. Aquela mesma que nos revela do que somos feitos e infiltra a pedra com desejo e compulsão. Ray, Una e a menina quedam-se assim, frente ao pássaro negro do desejo e não podem mais voltar, nem mentir, nem seguir adiante. Um Sísifo que não redime e a pedra rola colina abaixo para iniciar um novo ciclo.

* Julio Conte é encenador

A lua vem da Ásia por Rodrigo Monteiro

2011-09-20T08:06:00.000-07:00

A lua vem da Ásia*

Baseado no romance surrealista A lua vem da Ásia, de Campos de Carvalho (1916-1998), publicado pela primeira vez em 1956, e já traduzido em diversas línguas, o espetáculo dirigido por Moacir Chaves (também diretor de Labirinto) e interpretado por Chico Díaz é um dos melhores espetáculos do 18º Porto Alegre em Cena. Em uma hora e meia de um discurso pra lá de verborrágico o ator, num monólogo em noventa e cinco minutos, estabelece várias situações sem jamais perder o foco sobre a própria situação, ou melhor, sobre o lugar em que se encontra seu personagem: preso em si mesmo.

O espetáculo se divide em dois momentos. No primeiro, o personagem, cujo último nome dado a ele por ele mesmo é Astrogildo, está num quarto onde tudo parece menor que ele. Um piano, uma cama, uma prateleira: os móveis parecem servir a um anão. Não há paredes, mas o público percebe uma diferenciação entre o piso desse quarto e o além. A iluminação de Renato Machado, bastante significativa, marca não só a divisão entre esses dois espaços, como define um terceiro. Há um corredor onde o prisioneiro pode estar em alguns momentos do seu dia (para pegar sol). Em várias ocasiões, os movimentos de luz, através do jogo de cores, vai auxiliando o ator na narrativa e o espectador na interpretação dela de forma esteticamente valorosa. Em um determinado momento, um homem entra em cena e alcança para o Díaz um prato de sopa. O signo será repetido mais adiante e ganhará, assim, grande importância. A situação inicial e os pontos fundamentais a partir dos quais a história ganhará força estão dados nesse primeiro momento. Há ainda que se destacar a divisão da peça em capítulos: desde o início, a linguagem surreal, gênero no qual o texto se insere, marca a encenação uma vez que, por exemplo, as partes surgem numa ordem sem lógica, ou numa organização paralela. Capítulo um, capítulo quartorze, capítulo CLXXXIII, capítulo (sem número) e assim por diante, são os números que, projetados, marcam a passagem das cenas ou o seu perpetuar.

Na segunda parte do espetáculo, aparentemente, a história já não é contada no mesmo lugar em que o fora na abertura. O espaço é outro, um não-espaço talvez. A falta de continuidade dos fatos narrados prossegue numa verborragia ilimitada cheia de imagens, rica exploração da sonoridade (mérito do ator que dá esse tom às palavras do autor) e forte apelo à atenção da audiência pelas bem executadas pausas. É como se fosse incrível não compreender a lógica que une os fatos, esses não-ligados ou continuados em outra esfera de compreensão que não a natural. É quando Díaz, através de seu personagem já despido de qualquer segredo, parece estar intimamente relacionado ao público que o assiste. Apresentada no Theatro São Pedro, espaço formal e privilegiado das artes cênicas em solo gaúcho, a peça, nesse ponto, ganha ares intimistas que quebram o distanciamento existente entre o ator e quem lhe assiste. O teatro, nesse contexto especial, celebra o encontro, o convívio entre quem conta histórias e quem as ouve com carinho. O segundo se relaciona com o primeiro a partir da entrada do mesmo homem com um novo prato de sopa. Sem qualquer outro gesto, ao público é permitido pensar que o lugar de narração continua sendo o mesmo e que o seu desaparecimento é, na verdade, um ponto de vista de quem narra. Nessa direção, o surrelismo conversa com o impressionismo, gênero estético anterior na cronologia das obras de arte, em um excepcional modo de conduzir a organização dos signos imagéticos.

A lua vem da Ásia: projeções, figurinos, adereços e cenários, iluminação e trilha sonora são elementos que, magnificamente bem arranjados, constroem um belíssimo objeto artístico que celebra a arte, o artista e os simpatizantes. O texto, que se fosse um pouco mais curto, esbarraria menos no perigoso tédio, também é um elemento utilizado a contento, ainda que, nessa montagem, adquira tão nobre responsabilidade. Em todas as possibilidades de construção do sentido, o espetáculo ganha, mas quem recebe o prêmio é quem lho assistiu.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Encontros para o espectador crítico neste feriado

2011-09-19T20:22:00.000-07:00

20 de setembro, terça-feira:

Espetáculo O FANTÁSTICO REPARADOR DE FERIDAS, SP

Com Domingos Nunez (Diretor), Fernando Paz (Ator), Mariana Muniz (Atriz) e Walter Breda (Ator) e Mariana Lessa, pesquisadora e tradutora, com trabalhos traduzidos de Friel e do folclore da cultura irlandesa.

Tema: O teatro irlandês contemporâneo na voz dos personagens de Brian Friel: o drama de seres errantes numa sociedade dilacerada.

Das 12h30min às 14h
no Departamento de Arte Dramática da UFRGS -
Rua General Vitorino 255 - CENTRO
ENTRADA FRANCA

Pterodátilos por Daniel Colin

2011-09-19T19:49:00.000-07:00

"Etiquette" sem "vitriol"*

Assistir a Pterodátilos, com direção do “top” Felipe Hirsch, foi uma experiência muito interessante, a qual me obrigou a concatenar diversas reflexões sobre o fazer teatral e a relação do público com a obra artística.

De cara, posso definir o espetáculo - apesar de detestar qualquer tipo de definição! - como “morno”. E por que “morno”? Nicky Silver é um dos meus dramaturgos favoritos, cuja obra já foi trabalhada e revisitada por mim inúmeras vezes, em espetáculos e oficinas. Por isso posso dizer que conheço bem alguns de seus mais importantes textos, sobretudo Pterodactyls e Fat men in skirts. O livro de Silver que eu tenho contém 4 de seus textos mais famosos e tem o sugestivo título Etiquette & Vitriol; a meu ver, este título já define a estética do dramaturgo e apresenta a grande dificuldade de encenar seus textos: como conseguir caminhar na tênue linha existente entre a comédia rasgada e a tragédia familiar, o humor negro em sua mais pura concepção. A carga explosiva da dramaturgia de Nicky Silver surge do atrito destas duas dimensões a princípio paradoxais. Etiquette & Vitriol.

Ao optar por explorar mais a comicidade do texto e das personagens, Felipe Hirsch não aprofunda a degradação trágica da família de Todd, fadada à extinção tal e qual aconteceu com os dinossauros há milhões de anos (aliás, me pergunto se a relação com os dinossauros fica clara na montagem, já que o diretor optou por extrair diálogos fundamentais de sua encenação...). A encenação chega a utilizar passagens cômicas de outros textos do autor, como Free will & Wanton lust e Fat men in skirts, por exemplo, o que torna a peça ainda mais engraçada. Do elenco, apenas Mariana Lima consegue realmente extrair momentos densos e amargos de Grace, apesar de mais uma vez lançar mão de uma interpretação pautada por afetações...Mesmo Nanini, que pra mim é um dos maiores atores brasileiros e que já vi sensacional em peças como O mistério de Irma Vap, não envereda pelo viés mais aprofundado de suas personagens, sobretudo com Arthur, que a meu ver se apresenta opaco durante toda a peça; sua Emma ainda consegue ser encantadora e empática para o público. Em geral, os quatro atores estão muito bem na proposta de caricaturizar a família, mas pra mim, isso só não basta.

O show à parte da encenação de Hirsch é, mais uma vez e sem sombra de dúvidas, o cenário de Daniela Thomas, aqui confirmando o porquê é considerada uma das melhores cenógrafas do país. Thomas leva a fundo a metáfora da família revirada, cavocada, escavada, destruída, esfacelada, através do palco móvel que vai sendo desmontado por Todd, o filho pródigo que volta ao lar carregado pela “peste”. A iluminação de Beto Bruel é extremamente eficiente e dá ainda mais destaque ao incrível cenário de Thomas.

Ao final do espetáculo, duas reflexões martelavam minha cabeça, ambas vinculadas à questão da fama e do prestígio dos artistas: a primeira centrava-se na figura de Felipe Hirsch, atualmente um dos diretores-fetiche do Brasil. Acho Hirsch um grande diretor, mas infelizmente, estou começando a ficar cansado de suas produções: depois de grandes e surpreendentes montagens (A vida é cheia de som e fúria, Thom Pain/Lady Grey e Avenida Dropsie), tive dois encontros bem “borocoxôs” com seu trabalho neste ano: este morno Pterodátilos e o supervalorizado Trilhas sonoras de amor perdidas, uma cópia cansada e sem o mesmo viço de Som e fúria. Estou sinceramente torcendo para que ele volte a fazer grandes trabalhos, criativos e ousados, e saia desse lugar-comum de suas últimas encenações (ou será que sou eu que estou tendo o azar de ver as peças mais fracas? Me disseram que Não sobre o amor era lindíssima!...)

A outra reflexão surgiu da postura do público portoalegrense diante desta montagem. O espetáculo foi regado de risadas escancaradas, mesmo nos raros momentos mais pesados, como por exemplo, quando Todd conta a seu pai que fudeu com diversas pessoas, em diversos locais e que, por isso, se contaminou com o vírus HIV e nem sabe necessariamente de quem o contraiu. A plateia ria enlouquecidamente. Assisti à montagem do João de Ricardo para o mesmo texto e eu mesmo dirigi e atuei na peça GORDOS ou somewhere beyond the sea, baseada em Fat men in skirts, e vi, de perto, que o público daqui tem dificuldade em assimilar o humor negro. Por que riam tanto da montagem do Felipe Hirsch então? Teria o diretor feito uma peça de humor fácil, como vários colegas da classe comentaram no Facebook, ou será que o público “se abriu” aos atores globais Marco Nanini e Mariana Lima? Lembro-me dos espectadores saírem chocados da montagem do João e da minha; apesar de Pterodátilos tocar em temas polêmicos como incesto, pedofilia e AIDS, não ouvi ninguém comentar ou discutir qualquer destes temas (e olha que conversei com várias pessoas sobre a peça...). Não sei se foi o Felipe Hirsch, o Nanini ou o público de Porto Alegre...O que eu sei é que o amargor dos diálogos de Nicky Silver nem sequer ameaçaram aparecer no palco do Salão de Atos da UFRGS. Nada de “vitriol” prá nós!

* Daniel Colin é ator e encenador

Pterodátilos por Rodrigo Monteiro

2011-09-19T19:38:00.000-07:00

Pterodátilos*

Pterodátilos, escrito em 1993, por Nicky Silver, é um texto teatral sem protagonistas. Ou melhor, o imenso esqueleto de dinossauro, que é, ao longo do texto, construído aos poucos por um dos personagens na sala de sua casa, é que é o protagonista. No entanto, há um personagem vertical, isto é, há, entre as figuras, uma que é vértice da história contada pelo texto. Esse personagem não é nem o Pai (Arthur), nem a Filha (Emma). Tampouco é a Mãe (Grace) ou o Noivo (Tommy). Trata-se do Filho (Todd), pois é, a partir de sua chegada, que o recorte inicial da narrativa acontece. Será ele, também, aquele que terminará a história, isto é, fechará o recorte aberto.

(Se você não assistiu ao espetáculo e não quer saber como ele termina, por favor, pare esta leitura por aqui. Eu vou contar, aviso, como é o fim da história contada na peça.)

Dito isso é preciso que fique claro qual é o ponto de leitura mais seguro (seguro porque é através desse ponto que os demais elementos que estruturam a narrativa se organizam quando produzidos de forma regular e positivamente equilibrada). Todd tem AIDS. Depois de cinco anos longe, ele retorna para o seio de sua família milionária (o pai é presidente de um banco). Por ter AIDS, é convencionalmente certo que ele vai morrer em breve, embora não apresente sintomas aparentes. Todd é, assim, o moribundo da família quando a história começa a ser contada. É ele quem que está mais próximo da morte em uma família “sã”: o pai é um homem de negócios bem sucedido, a mãe é uma socialite invejada, a irmã está prestes a se casar com o namorado. Nicky Silver, habilmente, não para por aí, avançando através das aparências e exterminando com elas a seguir.

Logo nas primeiras cenas, o personagem Todd se apresenta como um membro da dinossauromania (alguém lembra da série A família dinossauro, tão famosa no início dos anos 90?), entrando e saindo com livros sobre as criaturas extintas há milhões de anos. A metáfora, então, se estabelece. Como aquelas criaturas que dominaram o mundo por centenas de séculos foram extintas? A milionária família Duncan e os dinossauros estão, no nível da linguagem, em similitude, o que se confirma ao longo da peça quando um a um os personagens todos caem. Todd será a única exceção, ele que é o filho “aidético”, o moribundo, o aparentemente mais fraco e aquele mais próximo da morte. Como um esqueleto de dinossauro, ele permanecerá vivo e em pé depois do fim da história, à guisa do que aconteceu com sua família que dominava o mundo.

Esse, no entanto, não foi o ponto de leitura de Felipe Hirsch, diretor de Pterodátilos, peça participante do 18º Porto Alegre em Cena. Ao permitir que Marco Nanini, a estrela do elenco, o ator com (merecidamente) o maior nome e pelo qual a maioria das pessoas acorrem à audiência, interpretasse os personagens Emma e Arthur (a Filha e o Pai), Hirsch apaga (ou diminui consideravelmente) a importância do personagem Todd, o Filho. Uma vez que não há jeito certo ou errado de atualizar uma obra (Nicky Silver faz literatura. Hirsch faz teatro) construindo outra, resta à análise evidenciar os resultados, sem que seja impróprio perder de vista a obra primeira.

O cenário criado por Daniela Thomas, uma das cineastas mais importantes do Brasil, assume importância fundamental nessa montagem produzida por Carolina Tavares e Fernando Libonati. Em um primeiro momento, o balanço do palco acrescenta a sensação de perturbação em que se encontra a família Duncan: uma filha que não tem memórias, uma mãe alcoólatra, um noivo virgem, um pai ausente, um filho doente. Aos poucos, o chão começa a falhar e o porão, onde estão os ossos de dinossauro, começa a emergir. A estrutura familiar, como o solo onde a família pisa, começa a degringolar. Excelentemente viabilizada, a proposta faz a produção atingir níveis altíssimos de qualidade estética, sendo esse um de seus maiores méritos. Não menos importantes, a trilha sonora e a iluminação, de Nervoso e de Antônio Guedes respectivamente, são pontuais, certeiras, adequadas e auxiliam positivamente na construção dos melhores momentos da representação. Quem assiste tem a certeza de que está vendo uma rara obra de arte e, por isso, de grande valor.

Não muito diferente pode ser a avaliação das interpretações. Relegado a um (estranho) segundo plano, Todd ganha pouco espaço para se expressar, o mesmo espaço que, desde o texto, tem Tommy. Álamo Facó (o Filho) e Felipe Abib (o Noivo), dentro do que lhes foi dado de chances de mostrar o seu trabalho, aproveitam o disponível e garantem uma discreta, mas importante participação. Mariana Lima, sem dúvida, é uma das melhores e maiores participações de Pterodátilos. Beneficiada por Silver, mas também por Hirsch, a atriz aproveita-se da situação cambaleante de sua personagem alcoolizada (Grace, a mãe) e providencia à cena e aos seus pares os momentos mais fortes de toda a narrativa. Com Nanini, Lima brilha radiante, sobretudo, nos momentos iniciais da peça em que a comicidade tem mais espaço para acontecer.

Alvo de muitas críticas, a reação da plateia, que chega a gargalhar em alguns momentos, pode ser negativamente criticada por quem esteve sedento por mais tempo livre para a abstração do texto. Trata-se de um engano, já que é absolutamente necessário que a primeira parte do espetáculo seja contada em meio a muitos risos. Usando uma metáfora, chamo a atenção para o fato de que Silver e Hirsch necessitam que uma “casa” seja construída no início para, a seguir, ser destruída. Em outras palavras, quem ri no início do espetáculo, sofrerá mais facilmente os beliscões no fim dele. Quem gargalha dos personagens antes perceberá depois que, na verdade, gargalhava de si mesmo.

O ponto fundamental e decepcionante desta montagem é a responsabilidade dada a Marco Nanini na produção. Já com cabelos brancos, um senhor usando um vestido de noiva chama a atenção e se destaca até mesmo num incrível cenário de Daniela Thomas, numa adequada luz de Antônio Guedes e com quem quer que esteja ao seu lado bem trabalhando. É impossível dizer que Marco Nanini não é um excelente ator e seria mentiroso apontar algum aspecto negativo de seu trabalho em Pterodátilos. O problema é da produção que, ao permitir que ele interpretasse esses dois personagens, modificasse o ponto de vista tradicional do texto, desequilibrando, assim, a obra, e fazendo com que tudo e todos parecessem servir negativamente para a indução do foco para Nanini. Uma vez que Emma e Arthur são tão bons personagens como a Mãe e o Noivo na dramaturgia, a concepção viabilizada leva a peça a descarrilhar, embora não chegue a despencar porque, mais uma vez, Marco Nanini é, de fato, um grande ator e está ao lado de excelentes profissionais tanto no palco, como na ficha técnica. É preciso que se diga, porém, que a produção perdeu a oportunidade preciosa de figurar entre os melhores espetáculos do 18º Porto Alegre em Cena quando optou por carregar “as tintas” das cenas de Emma e de Arthur e o desenvolvimento de seus conflitos menores, esses quase totalmente cômicos, isto é, próprios apenas da primeira parte de Pterodátilos.

Quando se fala em signos teatrais, na verdade, se fala em signos tornados teatrais. O teatro utiliza, para a sua viabilização, elementos advindos de diversos sistemas culturais que, a priori, não são seus. A importância da escolha dos atores e de sua distribuição nos papeis, considerando o fato de que os atores também são signos tornados teatrais postos a serviço da produção, fica evidente na análise desse espetáculo de Felipe Hirsch. Faz, por isso, pensar e, não tanto quanto se esperava, aplaudir.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Neva por Rodrigo Monteiro

2011-09-19T09:32:00.000-07:00

Neva*

Falar do socialismo nesse início de século XXI soa tão mofado quanto da Bíblia, uma vez que ambos os textos refletem um mundo que já não existe. Neva, o primeiro texto do chileno Guilhermo Calderón, não teria muito a nos dizer se parássemos nessa concepção. A encenação do texto, porém e felizmente, prova justamente o contrário. Dirigida por Álvaro Corrêa, a produção uruguaia se estrutura a partir da exploração máxima de jogos linguísticos em que atores interpretam atores que interpretam personagens e é difícil saber quando são os personagens e quando são os personagens interpretados pelos personagens que estão falando. Com vivacidade surpreendente, o trio excelente de atores eleva o texto escrito por Calderón, acrescenta ao teatro e completa uma muito boa participação no 18º Porto Alegre em Cena.

Atrás do palco fictício, três atores estão reunidos na Rússia de 1905 (12 anos antes da Revolução Socialista). Olga Knipper (Bettina Mondino), a primeira atriz do Teatro de Moscou, está ensaiando O jardim das cerejeiras, texto escrito por Antón Tchekov, seu marido falecido seis meses antes. Junto dela, os colegas Masha (Paola Venditto) e Aleko (Moré) a auxiliam nesse ensaio, mas também em outros jogos dramáticos que incluem, entre outros, a interpretação de alguns momentos ocorridos às vésperas da morte de Tchekhov, um dos maiores dramaturgos russos. O realismo do cenário, do figurino, da iluminação, mas, sobretudo, no modo como o diálogo acontece, deixa o espectador com o prazer de acessar as informações do texto, rejuvenescidas pelo contexto em que são realizadas. Os três atores exibem excelências na forma como construíram e dão a ver as suas construções: texto dito de forma clara, pausas bem marcadas, expressões limpas.

Ponto alto do espetáculo, o discurso final de Paola Venditto (Masha) tem o poder de nos fazer refletir sobre o lugar do teatro na abandonada discussão sobre classes sociais. Através da personagem, Venditto e, outrora, Calderón, nos convocam, nos estimulam, nos põem a debater. Antecedido por um excepcional número musical, em que Mondino mostra-se também uma ótima cantora, a cena final, além de ratificar a linguagem estabelecida até o momento, imprime a beleza da simplicidade de um teatro bem feito: uma atriz interpretando uma personagem diante de um público. Nada mais, além de aplauso.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Amar por Elisa Lucas

2011-09-18T20:26:00.000-07:00

Amar: Ali eu vi o mar*

Para comentar sobre o espetáculo argentino Amar, dirigido por Alejandro Catalán, poderia falar dos poucos e bem usados recursos, que ficavam quase imperceptíveis e compunham uma moldura cinematográfica, das lanternas que recriavam os ambientes onde personagens expunham frustrações e desejos, do escuro e do som do mar, conseguido através de um instrumento feito com várias garrafas PET cheias de grãos de arroz e lentilhas dentro; ou ainda da direção limpa, pontual e sutil de Catalán, mas vou focar na interpretação crível e orgânica dos atores.

Desde edições anteriores do Porto Alegre em Cena, vem me chamando a atenção o trabalho dos atores argentinos. Venho de uma escola que poderia chamar de “física”. Formei-me no DAD (Departamento de Arte Dramática) e durante a faculdade participei de uma pesquisa prática de Análise de Movimento. Esse contato com o treinamento físico em alguns momentos me provocava questionamentos: via atores movendo o cotovelo de trás pra frente, mas que não sabiam dizer um texto, ou ainda, parafraseando Yoshi Oida, executavam com virtuose o movimento de mostrar a lua, mas não me deixavam ver a lua.

Em Amar, eu vi a lua. A lua não, eu diria que vi o mar. Vi, senti, presenciei os conflitos que com o minimalismo da direção me eram expostos com a sutileza e a crueldade da vida. O crescimento dramático de cada personagem e, consequentemente, dos atores no decorrer da obra, é de uma maestria belíssima. Uma aula de teatro. Ou seria de cinema? A organicidade e a naturalidade são tão grandes e tão humanas que o espectador consegue sentir-se na pele daqueles personagens e pensar sobre eles. Também consegue rir com aquele recorte de relacionamentos frustrados e sonhados e com tudo que pode despencar nas nossas vidas em uma simples e corriqueira noite de drinks, ou como se diz em castelhano: una noche de copas.

Lorena Vega, que ano passado esteve no festival como atriz na montagem Reflejos e como diretora em Cancionero rojo, agradando em ambas as funções, mostrava de forma gigantesca as frustrações e dores da mulher beirando os 40 que almeja a maternidade. Por outro, o crescimento da personagem da namoradinha de 26 anos é absurdo, aparentemente uma “sonsa” com braços caídos, quase sem expressão no início do espetáculo, e de repente um vulcão nasce dentro dela. Em questão de minutos, seus olhos estão banhados em lágrimas, no centro do palco, quase colada nos expectadores da primeira fila. Mas isso não ocorre de forma exagerada ou melodramática, é como se estivesse acontecendo ali, naquele momento, tudo tão inteiro e tão de verdade, quase um filme ao vivo.

Os personagens masculinos, às vezes parecendo indiferentes, também sufocam frustrações. Aquele que está em um relacionamento há mais tempo se interessa pela jovenzinha, na busca por algo perdido, mas depois sugere à companheira a compra de um barco. O consumismo pode suprir a falta de algo que não sabe exatamente o que é.

Nesse espetáculo, que participou de alguns festivais como o Fiesta Caba 2010 e o VIII Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), Catalán aprofunda a problemática em torno ao que chama de “el imaginario actoral”, onde aborda a atuação como um jogo mágico e radical. Sem dúvida, um excelente trabalho. Cheio de vida e de dor sutil.

* Elisa Lucas é atriz

Neva por Camila Bauer

2011-09-18T20:16:00.000-07:00

Neva*

O espetáculo Neva, trazido ao Porto Alegre em Cena deste ano em uma encenação de Álvaro Correa, apresenta-nos um pequeno fragmento da Rússia de 1905, quando as manifestações populares foram violentamente reprimidas pelas tropas militares. O texto de Guillermo Calderón mostra ao espectador o interior de uma companhia teatral russa que reflete sobre a situação política de seu país, ao mesmo tempo em que expressa suas inquietudes quanto ao próprio fazer artístico.

As relações estabelecidas entre estes dois contextos, o teatral e o político, são construídas pelo encenador uruguaio por meio de dois recursos distintos: sempre que a situação social deseja ser delineada na obra de modo mais evidente, ela é representada através de sombras e técnicas de manipulação de bonecos, projetados em uma tela que ocupa lugar central no cenário (dentro da moldura de uma janela). Por outro lado, quando o foco é a condição teatral da companhia e de seus membros, o discurso se constrói a palco aberto, por meio do diálogo entre os três atores que representam Masha, Aleko e a famosa atriz do Teatro de Arte de Moscou, Olga Knipper. Este mecanismo enfraquece a obra, posto que a repressão militar que invade São Petersburgo é mais violenta quando expressa por meio de palavras e pequenos signos implícitos no todo da encenação do que quando se manifesta de modo mais evidente, através da projeção de sombras de bonecos-soldados e de outros ícones que nada mais fazem do que sublinhar o discurso verbal, construindo um enunciado redundante e que pouco enriquece o texto que é levado à cena. O contexto revolucionário já está bastante presente no texto e na construção metateatral que propõe, dispensando este tipo de ilustração.

O cenário de madeira com um sofá ao centro parece uma tentativa de reconstrução do que poderia ser uma ambientação para aquele contexto, sem deixar claro se representa uma sala, um quarto ou o porão de um teatro. Ainda que a parede de madeira construída ao fundo deixe a cena demasiado pesada e fechada, nada indica ter sido esta uma escolha que não corresponda aos interesses da encenação. Os figurinos de Verônica Lagomarsino também contribuem para a sóbria reconstrução que é feita em cena, formando um todo harmônico entre luz, cenário e figurino, que podem agradar aos olhos daqueles que se interessam por este tipo de estética mais historicizante e conservadora.

Quanto à atuação, Bettina Mondino me pareceu notória – tanto em Neva como em Music hall (espetáculo este com direção de Diego Arbelo e também incluído na programação do 18º Poa em Cena). Com um bom toque de humor ao estilo “teatrão realista”, a atriz encontrou um ponto interessante para encarnar Olga Knipper, aqui representada como uma estrela insegura e traumatizada pela morte de seu marido, o famoso dramaturgo Anton Tchekhov, falecido em julho de 1904. Em Neva, Olga não se cansa de pedir a seus colegas que representem os minutos que antecederam a morte de Tchekhov. A meu ver, é ela quem sustenta a obra, sendo o ponto de conexão dos demais elementos da encenação, incluídas as atuações de Moré e de Paola Venditto quem, apesar de oscilatória, tentando manter-se verossímil durante quase toda a obra, dilui-se nos gritos e movimentações excessivas que compõem sua atuação no fragmento final do espetáculo.

A obra, ainda que frágil como encenação, apresenta um recorte do que pode haver sido fazer teatro em tempos de revolução, outorgando uma considerável dose de humor ao politicamente engajado texto de Calderón. Porem, se em alguns momentos isso torna o texto mais ácido, na maioria das vezes termina por dissolver sua força. Eu prefiro sempre o vigor e a chamada do espectador à imaginação do que a ilustração e univocidade cênica, o que neste espetáculo poucas vezes aconteceu, posto que quase nunca foi valorizada a polissemia, sendo uma escolha da direção trabalhar com signos fechados e uníssonos. Evidentemente, isso é apenas um recorte e os méritos da encenação variam de acordo com o olhar.

* Camila Bauer é professora do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

Pterodátilos por Patrícia Fagundes

2011-09-18T17:14:00.000-07:00

Pterodátilos*

A experiência de assistir um espetáculo não começa quando apagam as luzes da plateia, mas muito antes: em nossas referências e expectativas, no caminho e na chegada no teatro. Assistir um espetáculo no Porto Alegre em Cena é um acontecimento em si mesmo, especialmente para quem é do meio, em estreias concorridas em locais imensos como a Reitoria da UFRGS. Há uma dimensão social significativa em estar no teatro, encontros, abraços, saudações, breves diálogos e trocas que conferem uma importância e um prazer singulares no estar-junto que o fenômeno cênico propicia.

Assim, minha experiência ao assistir Pterodátilos não se resume ao espetáculo em si. É antecedida por referências muito positivas sobre a montagem, pelo reconhecimento de um texto excelente, de uma equipe qualificada e aclamada, pelo tom celebratório em sua presença no festival. Infelizmente (porque vou ao teatro para desfrutar), a montagem não correspondeu a minhas expectativas.

Sem dúvida, a produção é profissional e dispendiosa, Nanini é um ator brilhante, Daniela Thomas é uma grande cenógrafa, o texto é ótimo, a equipe é competente. O ritmo acelerado dos diálogos e o desequilíbrio do cenário tentam oferecer a experiência de vertigem e queda que o texto sugere, o visual em tons de chumbo é sofisticado. No entanto, esses recursos parecem servir a efeitos espetaculares que se reduzem à essa dimensão: ser espetacular, brilhar por si mesmo, como anúncios de neon. A iluminação cheia de estilo e recursos sublinha momentos de intensidade dramática, que não chegam a acontecer pelo próprio jogo cênico. A potência que percebo no texto se dispersa em um tom de comédia ligeira, cujo objetivo central parece ser a comemoração das décadas de teatro de Nanini. É nessa comemoração, a propósito, onde encontro o sentido para que o ator represente uma adolescente de 15 anos, em um elenco onde todos os outros personagens são feitos por atores que correspondem ao tipo físico sugerido. Ou seja, a proposta de encenação poderia jogar com corpos estranhos ao papel, desestabilizando as dinâmicas de representação - um homem gordo fazendo a mãe, uma anã de Todd, etc. - empregando um procedimento recorrente na cena contemporânea, que frequentemente revira as estruturas do teatro, questionando a si mesma. Mas não é essa a proposta, já que Nanini é o único corpo estranho ao seu papel, todos os outros estão dentro do horizonte do esperado. É bonito celebrar a trajetória de artistas, mas penso que seria mais fecundo criar um texto próprio para tal celebração. Posso estar enganada, mas penso que a temática de Pterodátilos não trata disso.

Confesso que o caráter de super produção da montagem tampouco me seduz, como no geral super produções teatrais não me seduzem, e claro que essa é uma postura parcial e prévia - não há opinião inocente. O cinema de Hollywood, a Broadway e as cantoras pop já se dedicam a super produções surpreendentes e anestesiantes. Penso que o teatro pode ocupar outro lugar no mundo hoje, fomentando espaços singulares de encontro ou de convívio (como propõe Jorge Dubatti, o pensador argentino que recentemente esteve em Porto Alegre na Reunião Científica da Abrace). Mais do que em objetos e efeitos, me seduz perceber investimentos em condições de trabalho continuado e tempo para o desenvolvimento de processos criativos desafiadores, lembrando que, mais que nunca, tempo é dinheiro em nossa época veloz.

É necessário evidenciar outro antecedente importante em minha recepção do espetáculo: a memória da montagem de Pterodátilos dirigida por João de Ricardo há alguns anos atrás, com seus colegas de DAD. Se chamava Extinção, possivelmente porque o grupo não tinha verba para pagar os direitos de Nicky Silver. Um produção modesta que assisti na Álvaro Moreyra, e que encontrei densa, provocadora, inteligente, atravessada de um humor negro muitas vezes incômodo. Lembro da força de Marcos Contreras no papel de Todd.

Ao escrever esse comentário, penso que provavelmente será uma opinião dissonante em meio à chuva de elogios à montagem. Preferiria escrever sobre algo que me tocou e vibrou como Out of context, para festejar junto com outras vozes a experiência da cena. Mas combinei de escrever sobre Pterodátilos, e aqui estou. Por outro lado, Nelson já nos alertou sobre o perigo da unanimidade, antecipando-se a uma potente linha do pensamento contemporâneo que celebra a diferença, o heterogêneo e o polissêmico. Nesse sentido, a dissonância é necessária. Dissono (? )

* Patrícia Fagundes é encenadora

A história do homem que ouve Mozart e da moça do lado que escuta o homem por Bob Bahlis

2011-09-18T13:25:00.000-07:00

A história do homem que ouve Mozart e da moça do lado que escuta o homem*

Sábado, 22:45. Estou numa grande fila em frente à Sala Álvaro Moreyra esperando a abertura do teatro, para conferir o espetáculo da cidade do Rio de Janeiro, A história do homem que ouve Mozart e da moça do lado que escuta o homem. No elenco dois atores, o gaúcho Roberto Birindelli e a carioca Adriana Zattar.

Às 23 horas a porta é aberta. Os atores já estão em cena. A plateia fica sentada em torno do cenário, num pequeno nível acima dos atores. Ao som de goteiras produzidas por garrafas pets penduradas, vemos duas pessoas solitárias afundarem aos poucos, em meio à forte tempestade e à angústia da solidão.

O cenário é perfeito. Ele está sentado numa cama antiga de molas sem o colchão e ela em volta de um móvel (que lembra uma mesa cirúrgica) cheia de bonecas estragadas, prontas para serem consertadas.

Os dois estão tão próximos, mas não se enxergam. Cada um preso no seu mundo. Talvez se não fosse o temporal lá fora, seria mais um dia qualquer na vida dos dois. Ele estaria lendo e estudando ao som de Mozart, enquanto ela no quarto ao lado estaria arrumando as bonecas, escutando o homem.

Vai dando uma angústia em ver dois tristes solitários, feitos um pro outro, afundarem aos poucos.

Os dois quiseram assim, afinal sabem da existência um do outro. Preferem falar com as paredes, que somos nós, o público.

A tempestade não termina. As goteiras aumentam. Ele carrega a vitrola numa mão, tentando salvar Mozart. Ela tenta secar o chão para salvar as bonecas. A tensão e a chuva aumentam. O piso de madeira vai inundando.

Não consegui compreender o desejo da morte, da solidão daquelas duas pessoas.

Ela tenta ser ouvida e fala cara a cara com a parede. Grita.

A literatura, música e arte não são mais fortes que a natureza, a força da água. Não adianta mais. Ele já morreu há muito tempo. Morreu afogado na normalidade. Sempre queremos uma explicação para esse tipo de atitude, pois temos medo da nossa própria ideia de solidão.

Ela parece mais saudável e berra para ele, pontuando o fim: “Nós vamos sair desse buraco”.

A história do homem que ouve Mozart e da moça do lado que escuta o homem, de autoria de Francis Ivanovich, dirigida por Luiz Antônio Rocha. Na equipe técnica, Luiz Antônio Rocha assina o cenário e figurinos. Aplausos especiais para a iluminação de Antonio Mendel e a Roberto Birindelli e Adriana Zattar.

Achei um espetáculo corajoso e emocionante.

Uma pena que tenha afundado em 1 hora.

* Bob Bahlis é diretor teatral

Pálido colosso por Rodrigo Ruiz

2011-09-18T13:15:00.000-07:00

Pálido colosso*

Com esse trocadilho, situando-nos entre a letra do Hino Nacional e o programa infantil TV Colosso, a Cia. do Feijão (SP) já no título da peça prepara o espectador para os três eixos que estruturam a concepção do espetáculo. O primeiro, e o mais importante, a política brasileira, em especial seus últimos quarenta anos; o segundo, a influência da mídia nesse processo; e o terceiro o tom de deboche, que torna tudo quase fabular. Da mistura desses elementos surge um espetáculo autoral, marcado pelo posicionamento ideológico de seus criadores diante da história recente do nosso país.

O tom farsesco de algumas passagens mistura-se a narradores de cunho épico. A cenografia colabora para causar uma impressão de metateatro ao reconstituir no palco outra caixa cênica, com cortinas e cores que evocam o Teatro de Revista. Ainda que o conteúdo ideológico perpasse todas as escolhas, o modo como ele é suscitado se mostra um exercício fascinante aos espectadores. Tal qual a imprecisão de lembranças, que misturam os fatos fazendo aparecer conexões improváveis, a peça avança seguindo as décadas dos 1960 até ao início do que hoje chamamos a Era Lula.

A encenação se vale de diversas referencias, parodia-se canções, comerciais de tevê e, é claro, episódios de vida política brasileira. Por meio da paródia os absurdos, as incongruências da nossa sociedade ganham relevo e são postos em análise. Embora tudo seja contado com humor e em tom de ironia, suas implicações são trágicas para aqueles que viveram os acontecimentos relembrados. Nós, eleitores, somos tal qual a fada carente do espetáculo, sempre em busca do príncipe encantado, ou melhor, do "salvador da pátria". E como revela o espetáculo é nosso sentimento de impotência que alimenta a histórica manipulação da vontade popular.

Ainda que essa mistura de diversos gêneros unidos pelo humor e a acidez não ofereça respostas, pois esta é uma história que continua sendo contada, a encenação desperta em nós questionamentos, permitindo - como eles próprios nomeiam - antever "possibilidades" de mudanças.

Pálido colosso é a primeira parte de uma pesquisa sobre a utopia empreendida pelo grupo desde 2006. Surgido no ano seguinte, essa pesquisa gerou ainda os espetáculos Veleidades tropicais (2008) e Enxurro (2011).

* Rodrigo Ruiz é ator, diretor e produtor teatral.

Histórias de amor líquido por Rodrigo Monteiro

2011-09-18T09:33:00.000-07:00

Histórias de amor líquido*

Baseado no livro Amor líquido – sobre a fragilidade dos laços humanos, do sociólogo alemão Zygmund Bauman, o espetáculo participante do 18º Porto Alegre em Cena sucede o excelente Um navio no espaço ou Ana Cristina César, que participou da edição anterior do mesmo festival, esse também dirigido por Paulo José. No entanto, nem de longe, o espetáculo apresenta o mesmo saldo de aspectos positivos, o que é decepcionante. Histórias de amor líquido tem uma dramaturgia que se divide em três historias: Rua sem saída, A corretora e A casa da ponte, escritas por Walter Daguerre. No elenco, os 13 personagens são interpretados por cinco atores: Ana Kutner, Bel Kutner, Natália Garcez, Alcemar Vieira e Adriano Garib. No palco, em altos paineis, imagens são projetadas. No chão, há três grandes cancelas, um banco de madeira e outro estofado. Nas laterais, cobertas por um tecido negro transparente, uma credencia em cada lado é iluminada por um abajur que deixa ver alguns objetos sobre ela. As cenas das três histórias, bem como seus personagens, se intercalam ao longo da sessão. Os equívocos, no entanto, são contínuos.

Vamos aos fatos.

a) As cancelas não adquirem nenhuma função positiva além de ilustrar. Na mesma medida, atrapalham. Em uma das histórias, há, ao fundo, uma rua sem saída, que é citada num único instante de momento. Em outra história, há uma ponte cujo fim não é conhecido pelos personagens. Não há cancelas nessa ponte. Na terceira história, os ambientes são interiores de apartamentos. As três cancelas, imensas a dominar o palco, sujam a cena sem motivos aparentes. b) Não há uma única projeção realmente interessante em todo o período da encenação. O recurso é usado hoje com o mesmo motivo que, antes dos anos 70, se usavam grandes telões pintados ao fundo do palco. A diferença é que hoje a audiência já não carece desse tipo de sugestão. (Maneco Quinderé, um dos iluminadores mais conhecidos e respeitados do cenário teatral brasileiro, teria resolvido a questão com maestria, acrescentando, sem dúvida, os faltantes pontos positivos nessa abordagem.) c) Histórias de amor líquido apresenta-se um drama. O figurino televisivo, altamente realista, então, empobrece a narrativa, o que é mais um aspecto em que a produção se perde. Essa opção estética irá concordar com a construção de alguns personagens, como, mais adiante será tratado. d) Trilha sonora e iluminação passam despercebidas. Não atrapalham, não se apresentam de forma negativa, mas pouco acrescentam. O tom realista quase televisivo se repete também na concepção da sonorização, enquanto a luz fica sem espaço para evidenciar, talvez, alguns pontos que poderiam ser interessantes.

Sobre a interpretação dos atores e a dramaturgia:

Bel Kutner apresenta o melhor desempenho em cena nos dois personagens que interpreta: a Corretora e a Mãe. Os pequenos conflitos internos são ganham marcas sutis que tornam o trabalho da atriz consistente, evidenciado pela forma como ela faz afirmações às personagens: as nuances, as ironias, os desejos escondidos. Natália Garcez interpreta apenas uma personagem e, ainda assim, com uma participação pequena. Tem, por isso, menos oportunidades de mostrar um bom trabalho, mas, quando pode, exibe uma construção à altura de Bel Kutner, o que torna possível encontrar-lhe mérito. É dessa dupla o mérito pelo melhor momento da encenação, também o único em que a projeção é usada de forma rica. Alcemar Vieira e Adriano Garib, no entanto, não mostram, em momento algum, profundidade na viabilização de seus personagens: os tons de suas vozes são realistas, as movimentações e os ritmos das expressões no desenrolar das cenas são meramente ilustrativos e as construções, todas elas, se mostram rasas, o que destoa do drama expresso pelo texto cenicamente produzido. No elenco, o problema maior é Ana Kutner. Os aspectos negativos já observados nas atuações masculinas se repetem nela, mas têm a dose aumentada em função dos personagens, cujas importâncias são altas, que ela representa. São dois: uma mulher que sofre em relacionamento aberto e uma mulher que foi abandonada pelo marido carreirista que a trocara pela filha do patrão (qualquer referência a Eurípedes, talvez, não seja mera coincidência.). A atriz quase não explora as expressões faciais, seu tom de voz faz poucas modificações e seu andar pelo palco não é seguro. O “tic” de mexer com o rosto em uma das personagens não é corporalizado, enquanto a outra personagem anda de um banco a outro, tão insegura que parece estar para permanecer em pé. O conjunto de atores parece estar perdido na cena em meio aos bancos, cancelas e computadores: trocam objetos, esquecem coisas e pesam o ritmo das cenas, esse cada vez mais lento e monótono. O Vigilante da Rua (Adriano Garib) é um personagem sem história, visivelmente uma “degrau” para a outra personagem (Ana Kutner) se apresentar. Por sua vez, essa personagem, a Mulher Abandonada, tem a possibilidade de evidenciar seus conflitos com personagens que são projetados em vídeo no painel do fundo, num recurso estético que, embora interessante, deixa ver, nesse caso, a falta de função consistente do trabalho do ator que está, nesse momento, em cena. O Cliente da Corretora (Garib) e o Jogador de Futebol (Alcemar Vieira) são também outros personagens cujos conflitos não aparecem a contento, de forma que é evidente ser eles também apenas degraus para a “Corretora” (Bel Kutner), o que, de um modo geral, exibe uma irregularidade negativa na construção dramatúrgica das figuras que contam essas histórias.

Em termos de conteúdo, há pouca ou nenhuma reflexão. A discussão sobre a importância dos laços e dos compromissos num relacionamento contemporâneo se vai quando personagens de outras épocas surgem seguidos de um baú de lembranças. Nesse momento, parece ficar clara a decisão da peça: os acordos feitos por gerações anteriores eram mais cheios de bons valores que os atuais. O triste fim da “Corretora” moraliza e encerra novamente o debate: o sexo sem compromisso não é uma boa alternativa, afirma o espetáculo. Na rua sem saída, fica o choro por um marido que abandonou a sua esposa e por uma esposa que abandonou seu marido.

Histórias de amor líquido paira entre o drama, o realismo televisivo e a peça de auto-ajuda. O benefício é manter presente a certeza de que a realização de bons espetáculos outrora não é garantia de sucesso em produções presentes e futuras. Esperemos, pois, ansiosos pelas próximas produções dos mesmos realizadores.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

A vida como ela é por Rodrigo Monteiro

2011-09-17T15:02:00.000-07:00

A vida como ela é*

Luis Artur Nunes (coautor e o primeiro diretor de A maldição do Vale Negro) é um dos maiores especialistas em Nelson Rodrigues no país não só pela sua preciosa contribuição teórica, mas, sobretudo, pela participação em importantes produções de um dos maiores escritores brasileiros. No espetáculo A vida como ela é, sua experiência com o universo rodrigueano se mostra na habilidade em trabalhar cenicamente com o escritor, sem descaracterizar com o teatro o que é próprio da literatura. As crônicas publicadas no jornal A Última Hora, durante os anos 50, tantas vezes adaptadas tanto para os palcos como para as telas, ganham mais uma vez o teatro na montagem do grupo catarinense Teatro Sim...Por Que Não?!!! Luis Artur Nunes, ou Luisar, como lhe chamava Caio Fernando Abreu, mantém a narrativa melodramática de Nelson Rodrigues, retira o contexto realista-naturalista dos personagens e investe em vários recursos cênicos que, além de explorar o potencial dos atores, oferece à obra (ou às obras) novas possibilidades de fruição.

Cinco crônicas foram utilizadas: Uma senhora honesta, Noiva para sempre, Noiva da morte, Doente e O grande dia de Otacílio e Odete. O espetáculo utiliza, para cada texto, uma forma diferente de contar, mantendo como unidade o clima de “teatro contado”, o ator como um contador de histórias, esse tema de uma de suas pesquisas acadêmicas mais respeitadas no campo dos estudos em artes cênicas. Assim, a fotonovela, o teatro de fantoches, a dublagem e o jogral são alguns dos recursos cênicos explorados pelo diretor e sua equipe na viabilização teatral das histórias escolhidas. O resultado é rico porque explora os sentidos através de formas marginalizadas e não menos interessantes.

Ana Paula Possapp é quem apresenta o melhor resultado em cena. Sendo A vida como ela é um espetáculo mais do diretor que dos atores, ou seja, um tipo de produção em que as escolhas estéticas dizem mais respeito à estrutura narrativa do que ao apagamento da história em si, identificar trabalhos que se destacam só é possível quando o destaque é realmente visível. É simplesmente excelente a forma como Possapp manifesta várias intenções via tonalidades diferentes da voz em paralelo a uma expressão facial duramente neutra na primeira cena, para citar apenas, talvez, o seu melhor momento. Não é possível dizer, importante frisar, que há construções negativas na produção, o que torna o trabalho de direção ainda mais valoroso.

No que se refere aos outros elementos do espetáculo, o cenário é limpo e potente, fornecendo meios para a exploração do teatro de sombras, outro recurso interessante e bem utilizado sobretudo nos intervalos entre cenas, que, em alguns momentos, poderiam ser menores. A escolha da trilha sonora, com forte apelo popular, marcando o tempo época da narrativa como em décadas da metade do século XX e o espaço como o Brasil, garante a intenção estética de estabelecer a crônica jornalística como referência não só textual, mas também contextual. As histórias lidas nos tabloides passavam de boca em boca, embaladas por várias canções conhecidas, na periferia e nas zonas nobres, de ouvido em ouvido, de família em família, sentidos esses que, assim, tem seu lugar garantido na produção de que se trata aqui. O figurino ratifica os demais signos e torna a encenação coerente e coesa. O tom pujante da última cena, cujo contexto é a copa do mundo de 58, deixa pensar que há um ápice dramático e, assim, permite identificar uma unidade nas cinco histórias que, unidas, chegam ao fim. A vida como ela é deixa a sua marca no 18º Porto Alegre em Cena por trazer o diretor gaúcho Luis Artur Nunes em um de seus melhores trabalhos.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Histórias de uma mala só por Maurício Rosa

2011-09-17T11:13:00.000-07:00

Histórias de uma mala só

(ou turismo cultural no eixo Azenha-Baltazar)*

Dia 13 de setembro de 2011, uma terça-feira, embarquei no ônibus T6 no terminal da Azenha. O coletivo subiu a Protásio, dobrou à esquerda lá no SESC e chegou ao triângulo da Assis Brasil. O trajeto alternou avenidas movimentadas com calmas ruas arborizadas. Surpresa! Ao entrar no corredor novo da Baltazar, ela estava irreconhecivelmente urbanizada e moderna. Depois da Ary Tarragô surgiu a Escola Municipal Presidente Vargas aonde aconteceria o espetáculo infantil Histórias de uma mala só. A equipe do POA EM CENA estava com toda a estrutura de som, luz e colaboradores. A Adriane Azevedo preparava o pessoal que sentava-se nos bancos e pontualmente anunciou o início do espetáculo.

Fiquei impressionado com a atenção e participação da garotada no pátio da escola. Vi meninos e meninas de todas as cores. Mas não tenho certeza se vi crianças verdes...Mas tenho certeza que estavam felizes!

Iniciada a apresentação, elas imediatamente entenderam a mecânica do espetáculo e embarcaram na viagem...Cantavam as músicas que eram interpretadas ao vivo com competência. Entendiam com os olhinhos brilhantes o universo imaginário proposto por Elisa Lucas, que é a dramaturga, produtora e atriz do espetáculo. A reação da festiva plateia comprovou o acerto da direção e o talento generoso da protagonista.

A atriz usou com energia e sensibilidade gestos largos apropriados para o grande pátio interno da escola onde aconteceu a encenação. Elisa conduziu com inteligência os pequenos espectadores pelos caminhos estruturais da sua obra, facilitando que eles entendessem as histórias dentro da história que contava. Os vários personagens e seus mundos que surgiam de sua mala encantada despertavam reações de surpresa e deleite. Segurou a atenção com seu olhar expressivo, forte. Iluminou os significados e mostrou o enredo com sua voz clara, modulada e sutilmente didática.

As crianças, e os adultos, saíram satisfeitos por participar da celebração.

Voltando à Avenida Baltazar optei por ir ao centro de lotação. Ar condicionado e música não fariam mal a ninguém...

* Maurício Rosa é iluminador

Out of context- for Pina por Rodrigo Monteiro

2011-09-17T10:40:00.000-07:00

Out of context- for Pina*

Em temos teóricos, o valor da dança contemporânea, ou a contemporaneidade da dança, está no fato de seus objetos manifestarem em cena que é possível descolar o significante do significado (duas faces de uma só moeda) ou, em mesma e contrária medida, “provar” que, no significante, há significado ou, na forma, há conteúdo, e vice-versa. O problema da proposta é o seu mal uso. Em Porto Alegre, é infelizmente fácil já identificar uma certa codificação na dança contemporânea de algumas montagens daqui (não em todas). Explico: assim como o ballet clássico e a dança folclórica têm seus “passos” bem registrados, em muitas montagens consideradas exemplares da dança contemporânea, passar o braço em frente ao rosto, ter o corpo levado pelo impulso da mão, falsamente jogar as pernas e retraí-las antes de concluir o desenho são alguns dos exemplos que, de tão repetidos, já deixam mofar a beleza teórica exposta acima. Talvez justamente por não enrijecer-se na própria proposição, ou seja, fugir de toda e qualquer cristalização, Out of context- for Pina está sendo considerado, nesse meio de programação, o melhor espetáculo do 18º Porto Alegre em Cena.

Descrever nessa análise o que eu acho que pensei durante a fruição da peça é exercício que eu abandonei nesses últimos anos de crítica. No entanto, vale apontar que, se o significado é deixado de lado e o que vale é o seu desapego do significante, o espetáculo se apresenta repleto de marcas de arbitrariedade, sinais de descontrole, pistas de manifesta criatividade que se renova a cada nova cena ou parte de. A forma preenche o espaço e, por ser substituída em tempo absurdamente rápido, não deixa tempo para se ter certeza do seu conteúdo. A linguagem do movimento, na primeira cena, se consolida com a repetição. Cada um dos nove bailarinos atualiza o movimento do outro, refletindo o gesto, repercutindo não o sentido, mas a marca dele. À plateia é permitido pensar em encontros, em animais, em irracionalidade, em ritualização. A importância dos pés na percepção via tato ganha grande posição. Os pés, afinal, são os maiores responsáveis pelos signos proxêmicos, isto é, aqueles que dizem respeito à relação entre os personagens entre si na consolidação do vértice tempo-espaço: quando o ator/bailarino/dançarino/criador percorre o espaço, o tempo se estabelece.

Acima falei em personagem. Alain Platel não os deixa ver e eles são pura responsabilidade do espectador (no caso, eu), esse teimoso em dar sentido para o que vê (e com o quê se emociona). O diretor permite que vejamos figuras e o resto é consequência. Em cena, como raramente se vê, os nove atores se mostram em sua individualidade aparente, de jeito que, em especial na segunda cena (seria “uma festa”? e me pego a dar sentido para algo cujo sentido não importa...), é possível se divertir ao encontrar “personagens” da noite: os casais, os solitários, os beberrões e outros (conclusões minhas). O lúdico toma lugar nesse jogo de esconde-esconde em você acha o que quiser encontrar. Platel, que foi/é professor de crianças com necessidades especiais, além de criador, em 1984, da Cia. Les Ballets C de la B, na Bélgica, abre espaço para a brincadeira, para o imaginário, para a emoção. E torna seu espetáculo uma homenagem a Pina Bausch, coreógrafa alemã, falecida em 2009, uma das maiores expoentes da dança contemporânea, cujo trabalho desenvolvido ao longo de décadas encontra repercussão nesse projeto.

A trilha sonora composta desde barulhos de animais a hits do pop, executada por gravações, mas também cantada pelos próprios atores/intérpretes, não se esquiva de incluir longos silêncios. O fugidio que marca a ordem dos acontecimentos, a opção dos figurinos com os quais os atores chegam ao palco e dele saem, e os movimentos executados (corridas, caminhadas, paradas...) também está presente na escolha dos sons. Uma vez estabelecido o esquema compreensão-alienação, ele se repete e nos acalma. As cenas finais, de profundo encantamento, acontecem quando já estamos vencidos por Platel e pelo seu grupo. O sentido já se dispersou e, talvez, como os animais vistos por mim na primeira cena, a racionalidade evaporou. Então, quando se pensa não haver mais fugas, não mais mudanças, não mais alienação, cai sobre o palco uma música que trata justamente de irracionalidade. A compreensão também não há de ser cristalizada.

Descrever a música, como descrever os sinais, seria, de alguma forma, descrever o sentido e matar o processo de construção dele, esse tão subjetivo como justamente propõe a dança contemporânea valorar. Não o farei. Mas incluo a letra como um sinal de que Out of context ainda ecoa.

It's been seven hours and fifteen days
Since you took your love away
I go out every night and sleep all day
Since you took your love away
Since you been gone I can do whatever I want
I can see whomever I choose
I can eat my dinner in a fancy restaurant
But nothing ...
I said nothing can take away these blues,
but noth (i missed a chord there)
nothing compares ...
Nothing compares to you
It's been so lonely without you here
Like a bird without a song
Nothing can stop these lonely tears from falling
Tell me baby where did I go wrong?
I could put my arms around every girl I see
But they'd only remind me of you
went to the doctor guess what he told me
Guess what he told me?
He said, son, you better have fun
No matter what you do
But he's a fool ...
'Cause nothing compares...
Nothing compares to you...
All the flowers that you planted, mama
In the back yard
All died when you went away
I know that living with you baby was sometimes hard
But I'm willing to give it another try
'Cause nothing compares...
No Nothing compares
Nothing Compares to you...

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

A lua vem da Ásia por Camilo de Lélis

2011-09-17T10:29:00.000-07:00

Mensagem dentro de uma garrafa*

“...Deus é o rei dos ausentes, e nem por isso você é capaz de dizer que ele não exista...O que não quer dizer absolutamente nada.” – última frase de O púcaro búlgaro, de Campos de Carvalho.

Saí do Theatro São Pedro e fiz a pé as poucas quadras até minha casa. Pensei no caminho. Pensei sobre a peça A lua vem da Ásia, adaptada do texto homônimo de Walter Campos de Carvalho. Ao chegar, corri à biblioteca e catei, sofregamente, o volume com sua obra reunida. O livro estava lá, empoeirado, com marca-páginas denunciando minhas interrupções. Porque eu não conseguira ler até o fim aquele autor, tão famoso a ponto de ser comparado a Henry Miller?

Agora, através do Teatro, que é minha atividade eletiva, pude reconhecer meu trauma: tudo que está ali, naquele livro, revela-me, a ponto de assustar-me. Só vendo/ouvindo, em cena, através de um ator, pude suportar a grandeza daquele escritor.

Que interessante, as duas peças, que Moacir Chaves traz, sob sua direção, ao Poa em Cena, têm algo em comum: o assassinato da lógica convencional. Em Labirinto, a loucura escreve a realidade, em A lua vem da Ásia, a realidade escreve a loucura. O diretor soube tratar estes sujeitos e seus objetos (quando a loucura escreve, ou quando a escrita enlouquece), mostrando duas encenações completamente distintas.

Sobre Labirinto, já escrevi minhas impressões num comentário ao texto que Rodrigo Monteiro instalou no blog do Poa em Cena, é só conferir. Sobre esta peça, A lua vem da Ásia, tenho, também, poucas coisas a referir.

A direção foi exemplar na utilização de um palco descarnado para dar espaço à exuberância imaginativa do texto. Digo descarnado, pois usou, como adjuvantes do ator, alguns poucos “utensílios”, além de textos gravados e imagens projetadas. Os utensílios (claro, por serem, realmente, úteis) estavam somando. Já as projeções, às vezes, subtraiam, por grafismos descritivos, redundantes. Outras vezes, ajudavam o exercício pictórico do surrealismo, que, enfim, sempre associamos à loucura. Associação não direta, mas transversal, metafórica, como na belíssima cena final, em que vemos a lua cheia. Lua dos poetas e/ou dos suicidas. Quanto às narrações...Bem, creio que o diretor, por experiente, sabe que voz gravada é um perigo. Distancia. Falseia. Desmerece a inteligência do criador, por ser solução óbvia e facilmente executável. Narrativa em “off” e projeção de filmes, não acrescentam carne à linguagem quadridimensional do tablado. Quase sempre a vida, presente na cena, é suspensa, para dar espaço a esses zumbis (filmes, gravações, etc). Porém, isso é coisa minha. Há públicos sem melindres, que nem se dão conta da mistura de linguagens, nem fazem balanço da economia conceitual empregada numa encenação.

Falando em economia, que maravilha ver um ator que, sozinho, incendeia a cena: Chico Diaz. O resto é o silêncio em minha caminhada de volta para casa, depois da peça. Disso não posso falar, logicamente.

* Camilo de Lélis é encenador

2011-09-17T01:56:00.000-07:00

SEMANA DIONISÍACA

DA CASA DE CULTURA MÁRIO QUINTANA

NO POA EM CENA

Uma programação variada e contemporânea com:

- Renegados Circenses - um ritual de arremesso de latas em artistas que não satisfazem o público e paródias dos espetáculos do PoA Em Cena.
- Jam Session para quem dança e quem não dança com bailarinos de POA.
- o ousado Strip Performático da bailarina Aline Karpinski.
- lounge com djs
- festa dos artistas com o SATED
- Cabaret do verbo.
- performances, intervenções, shows e festas.

Festa de aníver da CCMQ

Basicamente é assim que vai rolar: dia 20/09/2011 às 21h, quando terminar a última peça do Poa em Cena na Casa, começará o lounge no Mezanino, cuja ambientação foi concebida pelo Coletivo Luz Feito a Mão. É ali que os DJs vão discotecar. Um em cada noite. Na noite de 20/09, terça-feira DJ Rodrigo Panassolo da Transcedental Audio. Na noite de 21/09, quarta-feira, Marcelo e Fred Restori (do Falos & Stercus), noite de 23/09, quinta-feira, Alemão Vitor Hugo, noite de 23/09, sexta-feira será a vez de Marcelo Ferla discotecar. Em vários momentos acontecerão performances de várias linguagens artísticas. Teatro, dança de rua, dança contemporânea, malabares, circenses, video- projeções, exposição fotográfica etc.. No próprio Mezanino estará a venda chopp bem geladinho....é para o pessoal curtir mesmo... As performances não tem horário rigoroso para acontecer apenas um indicativo e algumas, que exigem mais espaços, acontecerão no hall-oeste-térreo ou na própria Travessa Cataventos.

Este conceito de festa-lounge-mostra-artística é bem eclética e contemporânea para que ninguém fique de fora do aníver de 21 anos da CCMQ!!!

Programação:

Dia 20/09

21h: Lounge - DJ Rodrigo Panassolo da Transcedental Audio

Perfomances/intervenções:

Gaitaço Eletrônico: criação gaita virtual e da trilha sonora Pampa Remix, com samples e vídeo-projeções por Moyses Lopes.

Abertura de exposição fotográfica “Comensalismo Prafrentex”. Fotos de Giovani Paim e texto de Carlos Carneiro.

Performances teatrais.

Dia 21/09

21h: Lounge – DJ Marcelo e Fred Restori (do Falos & Stercus)

Perfomances/intervenções:

Apresentação da esquete Era uma vez Ana. Criação e atuação de Diego Esteves.Vencedor do I Festival de esquetes de humor da CCMQ.

Performance de Danceability coordenada por Kalisy “Cacá” Cabeda .

Performance teatral. Grupo Núcleo. Herákles x Dionisio.

Malabares. Contraqueda: Laranja de Umbigo.

Dia 22/09

18h: Inauguração do Jardim no 7º andar. Idealizado por Marcos Barreto foi concebido pelo biólogo Edgar Salla.

21h: Lounge – DJ Alemão Vitor Hugo

Perfomances/intervenções:

Lançamento do novo site da CCMQ criado pela Making Web.

Mostra Artística Cabaré do Verbo.

My house. Ações efêmeras,street dance coordenada por Marcos Rodrigues.

23/09

21h: Lounge – DJ Marcelo Ferla

Perfomances/intervenções:

Performance teatral com o Grupo Motototi.

Renegados em cena. Tainá Borges

Jams de contato-improvisação com Ju Rutkowski, Alessadro Rivelino e Iandra Cattani.

24/09

18h30: Mesa redonda GT “Direito, cinema e literatura” promovido por professores e alunos da Ulbra.

20h30: Confraria do Rock comandada por Renato Velho.

24h: Festa Dionisíaca 21 anos da CCMQ.

Realização:

Sated/RS - Ieacen - CCMQ

Ingressos:

RS 15 geral

RS 10 classe e lista

RS 0 sócios SATED/RS em dia

Programação:

24h abertura - DJ Mary Mezzari

1h performance - Robertinha (Lira)

1h10 performance - Sibely (fogo)

1h20 show de Santiago Neto

2h20 performance - Aline Karpinski. Desnudo

2h30 Bandinha de da dó

3h30 dj Lucifer

5h fim

Dia 25/09

21h: lounge

O show Escrete: Seleção Chico Buarque. Idealizado pelo ator, cantor e compositor Antônio Carlos Falcão, o espetáculo apresenta obras de Chico interpretadas por Falcão, pelo cineasta Jorge Furtado (percussão e voz) e pelo cantor, compositor e violonista Alexandre Missel. Em cena, estarão músicas, textos e poemas.

Contatos Projetos Especiais CCMQ:

F: 32115608 e 98029398

Histórias de amor líquido por Iuri Wander

2011-09-16T19:52:00.000-07:00

Histórias de amor líquido*

"São três histórias de amor líquido. Três histórias que Walter Daguerre criou inspirado pela obra de Zygmunt Bauman, sociólogo polonês com mais de cinquenta livros publicados, a maioria abordando a falta de contornos definidos nas relações humanas, a existência líquida, o trabalho líquido, amizades líquidas, amores líquidos. Nesta aventura, vamos compartilhar a concepção de Bauman sobre o amor que não consegue ter vínculos sem se sentir aprisionado, essa impossibilidade de avaliar com maturidade um relacionamento, imaginando sempre que devemos estar perdendo alguma coisa melhor".

Este fragmento, extraído do programa da peça e escrito por Paulo José, copiei do blog de Lionel Fischer (critico e professor de teatro) pois não tive acesso ao programa. Sim, li algumas críticas sobre este espetáculo antes de escrever meu comentário, pra ver se eu tinha entendido o que vi no Teatro do CIEE dia 15 de setembro de 2011, dentro da programação do 18° Porto Alegre Em Cena. E realmente discordo de tudo que li. Linguagem de novela, tudo bem superficial. Três histórias diferentes com a mesma relação. Na primeira, da Rua sem saída, o guarda noturno e uma mulher com o mesmo problema de insônia se encontram ao lado de uma das cancelas da rua num clima taciturno. Conversam pouco e acabam se identificando pelo mesmo motivo, a perda de um grande amor. Na segunda história, da Corretora, o amor é mais obducto. A consultora de relacionamentos amorosos chamada Maritza, é convidada por um empresário ambicioso a reestruturar a imagem de um jogador de futebol, estereotipado, como sempre, de burro, que está sendo acusado de matar uma jovem num acidente automobilístico. E por fim, A casa da ponte. Ricardo e Sofia estão na casa de campo que Ricardo herdou dos pais. Com a vida útil das baterias dos aparelhos eletrônicos no zero, eles resolvem conversar e refletir sobre o relacionamento aberto do casal.

A projeção usada para fazer o cenário ao fundo foi o que mais me encantou, aliás, acabou tirando o foco das conversas em vários momentos, eu prestava mais atenção na ponte projetada ou nas câmeras filmando ao vivo os atores do que no texto em si.

O espetáculo não atingiu, em mim, o que li em outros comentários. Talvez não tenha entendido esta linguagem mais parecida com uma novela. Conversas no celular a todo o momento, marcações certinhas. A cada troca de cena parecia que viria o intervalo comercial. Se tratando de Paulo José, esperava mais.

* Iuri Wander é produtor cultural

Cinema em cena: A última estrada da praia

2011-09-16T06:36:00.000-07:00

Como o festival Porto Alegre em Cena é um evento aberto a diferentes manifestações artísticas, como dança e música e, claro, teatro, nada mais coerente que o CINEMA, a chamada sétima arte, tenha espaço por aqui.

Então, aí vai um serviço de utilidade pública: estreia hoje, 16 de setembro, nos cinemas de Porto Alegre, o longa metragem A ÚLTIMA ESTRADA DA PRAIA, produção 100% gaúcha, rodada na capital e em várias praias do nosso litoral. Com direção de Fabiano de Souza, tem no elenco principal Marcelo Adams (este que vos escreve), Rafael Sieg, Marcos Contreras e Miriã Possani.

O filme tem participado de vários festivais pelo Brasil, onde já arrecadou seis prêmios (Melhor Direção (duas vezes), Melhor Som, Melhor Direção de Arte, Melhor Ator, Melhor Atriz). Em breve participará de um festival no Canadá.

Mas o melhor é que o filme está estreando em três salas de cinema de Porto Alegre:

Cine Santander (15h, 17h e 19h)

Unibanco Arteplex (14h e 20h)

Instituto NT (21h)

Uma opção para quem está curtindo a efervescente programação teatral do Porto Alegre em Cena!

Encontros para o espectador crítico com Paulo José

2011-09-15T21:34:00.000-07:00

16 de setembro, sexta-feira:

Espetáculo HISTÓRIAS DE AMOR LÍQUIDO, RJ

Com Paulo José (Diretor), Ana Kutner e Bel Kutner (Atrizes) e Donaldo Schüler (Professor aposentado em Língua e Literatura Grega da UFRGS e do Curso de Pós-Graduação em Filosofia da PUCRS).

Tema: A liquefação das relações afetivas e sociais nos tempos que correm: transposição para o teatro da obra “Amor Líquido – Sobre a Fragilidade dos Laços Humanos”, do sociólogo alemão Zygmunt Bauman.

Das 12h30min às 14h

no Departamento de Arte Dramática da UFRGS -

Rua General Vitorino 255 - CENTRO

ENTRADA FRANCA

O amor de Clotilde por um certo Leandro Dantas por Rodrigo Monteiro

2011-09-15T20:53:00.000-07:00

O amor de Clotilde por um certo Leandro Dantas*

Talvez uma das contribuições estéticas mais interessantes do chamado circo-teatro seja a aproximação do melodrama (filho) à farsa (pai) em objetos (peças teatrais que atualizam o gênero) que manifestam toda uma gama de ações consideradas parte do que conhecemos como cultura brasileira. Tem teatro? Tem, sim, senhor! Tem palhaços? Tem, sim, senhor! Tem músicas, colorido, ironia, perversão? Tem, sim, senhor! O amor de Clotilde por um certo Leandro Dantas vai começar: uma comédia simples, sem pretensões e que ganha a plateia logo de início.

Produzido pela Trupe Ensaia Aqui e Acolá (Recife/PE), o espetáculo começa com a apresentação dos atores e os personagens que esses interpretarão ao longo da encenação. Há também o oferecimento da apresentação para alguém em especial na plateia: a peça acontecerá numa semi-arena, mas se estenderá além desse círculo, no meio do público (sem que haja a participação desse na narrativa), no espaço ocupado pela plateia. O abrir e fechar de cortinas faz parte do relato da história, uma vez que o pano é integrante do cenário, funcionando, em alguns momentos, como base para o teatro de sombras.

A dramaturgia foi composta a partir do romance A emparedada da Rua Nova, de João Maria Carneiro Vilela (Recife, 1846-1913) e viabilizada cenicamente pelo Prêmio Miriam Muniz de Incentivo às Artes Cênicas. O diretor Jorge de Paula, que interpreta o personagem “Pai”, uma das melhores construções em cena, lidera a equipe nesse projeto que nasceu entre ex-alunos do professor-pesquisador Marco Camarotti (1947-2004), hoje nome de um teatro na capital pernambucana, que tinha como ideal a valorização, através da produção de espetáculos, gêneros teatrais marginalizados, tais como: o teatro para a infância e juventude, o teatro folclórico e, como no caso dessa peça, o circo-teatro. A história de uma menina que é emparedada (“enterrrada” em uma construção de tijolos vertical) ganha cores do universo kitsch (músicas dubladas e coreografadas com inspiração, entre outras fontes, no programa oitentista Qual é a música?, do SBT), maquiagens, figurinos e cenários que lembram o circo e uma encenação irônica que lembra a velha e boa farsa popular. A narrativa, bem definida em todos os seus termos e disposta de forma ascendente até o ápice, é um exemplo de melodrama clássico em que os personagens são bastante bem definidos, os locais e tempos não deixam dúvidas ao espectador e tudo é bastante confortável à fruição. O riso vem fácil na audiência desse espetáculo que participa do 18º Porto Alegre em Cena.

Iara Campos, que interpreta a “Emparedada”, oferece a melhor construção em cena. Seus movimentos parecem ser naturais nesse universo narrativo verossímil, os gestos são limpos, a dicção é bastante clara e as intenções são propostas com manifesta segurança. Momentos tão bons como esses se repetem em Jorge de Paula, mas poderiam acontecer mais em Marcelo Oliveira, que, em quase todas as suas aparições, não consegue estabelecer um foco para o espectador quando dispersa o seu próprio olhar por sobre a plateia. Andréa Rosa, que interpreta a “Escrava”, é a construção com menos possibilidades oferecidas pela dramaturgia. Por algum motivo infeliz, a personagem se dá a ver quase sempre atrás da cortina, na execução do recurso “teatro de sombras”, o que impede a atriz de mostrar mais do seu trabalho. Como um todo, o elenco é afinado, sendo parte responsável pelos melhores momentos da qualificada representação.

O amor de Clotilde por um certo Leandro Dantas, do início ao fim, faz e assegura pontes com a plateia, garantindo ao espectador momentos de muito prazer: o texto bem dirigido e conduzido com muitos méritos, a trilha sonora escolhida, distribuída e interpretada ao bom serviço da narrativa, os elementos visuais dispostos em equânime exagero: tudo isso são as garantias oferecidas de um ótimo divertimento, além de ser, claro, valorosa atualização de um gênero, talvez, nem tão esquecido, mas que, com certeza, merece mais boas versões como é o caso aqui.

* Rodrigo Monteiro é crítico teatral

Out of context- for Pina por Cibele Sastre

2011-09-15T20:20:00.000-07:00

Minha reverência à irreverente reverência!*

A Cia C de la B é bem assim. Provoca, irrita, cutuca, atiça e desarma. Out of context nos faz passear por diferentes sensações e emoções, com e sem contexto. Não importa, os elementos que o coreógrafo Alain Platel governa na composição das narrativas corporais podem ser considerados parte de um repertório tradicional de procedimentos de dança contemporânea, e podem não ter qualquer referência direta à homenageada Pina, mas dialogam diretamente com nosso corpo sociopolítico cultural – tema principal em suas obras – e com nossos sofrimentos, que para ele é onde nos igualamos uns aos outros. Assisti ao espetáculo de terça feira e a parte da conversa de quarta e soube que nos outros dias haveria uma interferência dos alunos da oficina, o que possivelmente acrescentaria novas provocações à minha experiência estética.

Nothing compares to you, diz a canção final numa versão tocante e delicada de Jimmy Scott, enquanto os bailarinos se vestem saindo de cena sem solenidade mas acenando o fim que se aproxima. Não há chance de assistir à Cia C de la B com a intenção de compará-la ao grande amor de artistas de dança e teatro locais. Pina Bausch há muito tempo é a matéria lançada no meio do lago que propaga ondas que se transformam até a margem ou tantas outras transformações rizomáticas. Alain Platel, psicólogo e pedagogo, há muito tempo é o marginal da dança belga que faz da irreverência um lugar comum. Ver Out of context no mesmo ano em que assistimos a companhia de Pina dançar sua obra inacabada abrindo esse festival e Tadashi Endo fazendo a sua homenagem cheia de citações diretas é um privilégio, um modo de degustar os sabores espalhados pelo mito.

Mas que fique claro, Out of context- for Pina não é sobre Pina. Ela simplesmente paira como influência maior numa irreverente reverência. Para além d'Ela, Out of context mostra o frescor com que os jovens, maravilhosos e bizarros bailarinos movem as propostas tradicionais da dança contemporânea, ressignificando todos os procedimentos de forma muito provocativa e bem humorada, provando que dança contemporânea não é apenas um contorcer-se sofrido composto de “movimentos involuntários” desagradáveis ao olhar e sem qualquer narrativa. [a saber, da 'tradição contemporânea': o entrar em cena despir-se e apresentar o sujeito corpo sociopolítico cultural como “o material da dança”, o movimento mínimo, a integração da voz ao movimento de dança, o engate entre corpos orientado por explorações de contato corporal que desenham formas bizarras, chamar os bailarinos pelo nome próprio, o pop/clubber, a exploração “adulta” dos movimentos da criança (para as crianças de ontem hoje e amanhã), além da exploração virtuosa de coordenações bizarras/assimétricas entre partes do corpo].

Pleno de possíveis associações, Out of context põe contexto no que se costuma chamar de dança contemporânea. E Platel, em conversa com seu público, mostra e ilustra claramente temas e motivações para a tessitura coreográfica, que nesse caso, inclui imagens de um filme médico dos anos vinte sobre a histeria. Diferente de outros trabalhos gerados sobre esse tema, a falta de uma motivação musical direta gerou uma trilha entretecida de voz, tecnologia e as sempre presentes referências populares, incluindo uma Ave Maria. Em meio a abstrações de som e movimento, Platel nos arrebata com o lugar comum em canções e orações quase sempre em contraponto com o tema de fundo. Arrepios e curiosidade: de onde vem esse som? É ele mesmo quem canta? Qualquer maneira de enganar vale a pena...

Também podemos ver como referência um trio A no início do espetáculo, sem nudez ou bandeira como propôs Yvonne Reiner, com essa atitude de entrar em cena da plateia, despir-se (aqui não completamente) e enrolar-se num pano, que com Platel ganha ares mais performáticos do que performativos, mas aproxima Estados Unidos e Europa, influências fundamentais em Pina. Platel vai introduzindo pinos/marcos/citações por onde nossas associações passeiam livremente, com e sem contexto, deixando-nos gozar do gozo dos bailarinos com suas maravilhosas singularidades enfatizadas em solos e duos. Humor, tristeza e ironia brincam de mãos dadas quando o espelho faz a autoestima melhorar a cada dia, quando se torna “difícil ser humilde quando se é perfeito em tudo”(texto de um bailarino), quando isolamento e exibicionismo, que geram deliciosas gargalhadas, se tornam a forma de comunicação. “A ironia ajuda a digerir assuntos duros”, nos diz o coreógrafo que considera triste um dos momentos mais cômicos dessa obra. Diferente de outras produções em que Platel faz da mistura de bailarinos, atores, profissionais e amadores a política do espetáculo, esse trabalho justifica o treinamento e um impressionante virtuosismo para se chegar no êxtase, na simplicidade e na partilha do sofrimento. Ave Platel, cheio de des graça, Pina está conosco. Bendito sois vós entre os coreógrafos, bendito é o fruto da vossa demência sã, a dança.

* Cibele Sastre é bailarina e professora de Dança

Viúvas- performance sobre a ausência por Helena Mello

2011-09-15T07:07:00.000-07:00

Vi, vivi Viúvas*

Quando tentei ver o espetáculo Viúvas no início deste ano estava acompanhada do meu namorado. O primeiro depois de muitos anos. Hoje, ainda tenho amigos que me perguntam pelo “falecido”, mas não me sinto Viúva. Até porque não éramos casados e ele não morreu. Mas, com certeza, não está tão bem quanto eu que agora consegui assistir ao espetáculo. Espetáculo? Não. É mais do que isso. É um acontecimento.

Com medo de perder novamente a oportunidade de assistir Viúvas, e com o sistema de ingressos não acusando minha compra, acabei com cinco ingressos. Convidei desta vez para ir comigo uma amiga que recém começou a ir ao teatro. Os outros, revendi para pessoas que ficaram extremamente gratas, antes mesmo de assistir.

A expectativa de ir para uma ilha naquele dia de vento já mexia comigo muitas horas antes. Apesar das tardes de calor, era hora de voltar as mantas, casacos e boinas. Pelo meu imaginário chegava a passar a possibilidade de eu me ver sendo obrigada a ficar a noite na ilha. Exagero da minha parte, mas era bom se precaver contra o frio e a fome.

Não tinha muitas informações sobre o espetáculo em si, mas sabia que pegaríamos um ônibus, depois um barco para chegar até o local. Lá, vi Laura Backes subindo para sua poltrona e fui atrás e, naquele pequeno trajeto, já começamos a partilhar opiniões sobre as amizades, sobre moda, sobre o nosso jeito de ser. Convívio.

Desde o início, recebemos instruções que demonstravam organização e controle e nos passavam segurança. A caminho da ilha porém, ao ver a água alta quase chegando a janela e vendo os coletes salva-vidas sobre as nossas cabeças a lembrança de catástrofes veio a minha mente. Este misto de tensão e curiosidade já me preparava para o que estava por vir. Lembrei meu pai (que já se foi) contando diversas vezes que fazia a travessia todos os dias para ir trabalhar em uma agência bancária do outro lado do rio.

Ainda no barco, um dos atores começa a falar sobre a importância da pátria. De onde ele veio? Ele já estava entre nós? “Lá, onde até mesmo os cachorros latem diferente”. Penso no meu sobrinho que está na Austrália e que defende que nos vejamos como seres universais.

A chegada na ilha é impactante. Não só pela beleza das pedras iluminadas, mas pelos atores, comandados por Paulo Flores, que apontam armas em nossa direção. Já não parecemos tão poucos. Tiro da minha sacola um bloco e uma caneta para registrar algumas impressões. Faço isso com certo medo de ser advertida. O clima do espetáculo que mal começou já está introjetado em mim.

Vamos sendo conduzidos pelos caminhos e pela história desta memória de uma época ainda tão recente. Em uma galeria de celas sem grades, Tânia Farias promove um dos momentos mais tocantes do espetáculo. Afirma, aos gritos e aos prantos, que não vai parar enquanto não juntar todos os pedaços do pai, todas as cinzas. E por entre o público, olhando nos olhos marejados de algumas pessoas presentes, questiona: onde está Mario, onde está João, onde está Roberto, onde está Fernando, onde está Paulo, onde está...A cada nome uma emoção cada vez mais contundente. Sua atuação é tão profunda que tenho vontade de abraçá-la. Ela toca em mim e me puxa para dentro da sua agonia. Nunca as palavras esperar e desesperança tiveram tanto nexo como ali.

Somos levados para outro espaço que na ilha vazia e fria se enche de música. Enquanto eles dançam, eu me pergunto (com olhos de pesquisadora), o porquê da festa. Reconheço o trecho da história que eles relatam ali, mas ainda estou sacudida pela força da tragédia, da perda, do desaparecimento daqueles que amamos. São os sorrisos, o pão, o vinho compartilhado e as danças que diminuem um pouco (não completamente) a minha angústia. É a personagem de Tânia que, mais uma vez, se aproxima e agora me conforta com seu sorriso e seu toque meigo. Passo a mão em sua cabeça e suspiro.

A cena mais forte é vista a distância, entre uma luz negra piscante, fogos e ruídos. Sinto um certo alívio por isso. Percebo que já não sei onde estou. Se já passei por ali. Neste “cenário” de pedras, verde e água, em uma noite de lua cheia e estrelas, eu fui transportada no tempo. Para um momento da história em que corpos nus, empilhados uns sobre os outros significavam o fim da tortura, mas não o fim da espera dessas Viúvas. Saio da ilha com a certeza de que acabo de assistir e de viver momentos que serão inesquecíveis e o grupo Oi nóiz aqui traveiz registra em mim para sempre uma história que precisa ser lembrada para que jamais se repita. A efemeridade daquelas vidas perdidas foram transformadas pelo grupo Terreira da Tribo em algo eterno.

* Helena Mello é jornalista

O ruído branco da palavra noite por Mirna Spritzer

2011-09-15T06:55:00.000-07:00

O ruído branco da palavra noite*

O espetáculo baseia-se na correspondência trocada entre as principais figuras do Teatro de Arte de Moscou, tais como Tchekhov, Górki, Stanislavski, Dantchenko e Meyerhold, a partir do livro O cotidiano de uma lenda – cartas do Teatro de Arte de Moscou, de Cristiane Layher Takeda.

Aí está o principal mérito da montagem, buscar dar voz a homens e mulheres que compuseram um dos mais belos e profícuos momentos da história do teatro. Os ensaios, as buscas, as formas de interpretar e escrever, os anseios e inquietações que moveram estes artistas ousados e profundos.

Para tanto, as cartas são ditas pelos atores em cenas de ensaio, leituras e conversas. Entremeadas a elas, fragmentos das obras de Anton Tchekhov, A gaivota, Tio Vania, As três irmãs e O jardim das cerejeiras.

A paixão que mobilizou estes homens e mulheres e que, provavelmente, move também a Companhia Auto-Retrato, de SP, na busca do germe da criação e sua relação com as circunstâncias do mundo, está, porém, ausente do espetáculo.

Cartas trocadas refletem as sensações do momento, apresentam outra forma de narrativa, trazem a possibilidade de traduzir-se para o outro através de uma reflexão íntima posta em palavras escritas. Ao revelá-las em cena, os atores o fazem de forma quase sempre igual, propondo uma secura que não convida, não afeta o espectador. Há momentos, no entanto, em que é permitido sair deste aprisionamento e é aí, nestas brechas, que escapa a paixão daquela e desta gente de teatro.

É o caso em que uma atriz vem à plateia e, através da fala de Meyerhold, expõe a necessidade do teatro de rever-se e o faz com energia corporal vibrante. Outro bom momento é aquele em que um ator através de carta de Dantchenko, expõe a profunda relação deste com Stanislavski, ambos parceiros na criação do Teatro de Arte de Moscou. Aqui, percebe-se uma entrega ao instante, ao agora da cena. O ator deixa-se emocionar, traz isto a sua voz e atrai-nos.

Ao entremear cenas das peças com cenas de vivência das cartas, a companhia compõe uma narrativa interessante para a cena. É necessário, entretanto, avivá-la, inserir rupturas, assumir as quebras, dando ao espectador a possibilidade de, através das fissuras, entrever a intensa inquietação daqueles momentos de criação.

O que se desenrola a nossa frente passa a ser um desfile de cenas, quase sempre no mesmo tom. Personagens tchekhovianas e criadores russos se sucedem na mesma energia e pulsação. Desta forma o espetáculo padece de um andamento linear e cansativo.

Os corpos em cena pedem intensidade, necessitam de vozes que flutuem que sejam certeiras como flechas, que tragam nuances para a atuação. Ansiamos por ver em cena a pulsação daqueles tempos, a inquietação vivida no cerne da criação. A iluminação poderia favorecer mais os atores e a cena, tornando-se menos escura, variando mais, inserindo mais focos. Quando isto acontece, atuação e encenação brilham.

Da mesma forma, os figurinos deixariam de lado a isenção, a pretensa neutralidade ou certo tom de cotidiano indefinido, para assumir mais as diferenças propostas. Às vezes, um único elemento pode trazer a ênfase desejada.

Tudo está posto, todos os elementos inseridos, a companhia precisa então, deixar-se apaixonar e viver o aqui-agora do teatro. Como certamente fizeram aqueles bravos homens e mulheres de teatro, na Rússia da virada dos séculos XIX e XX.

* Mirna Spritzer é atriz e professora do Departamento de Arte Dramática da UFRGS

A chegada de Lampião no inferno por Paulo Balardim

2011-09-14T20:40:00.000-07:00

Do barro à vida*

A companhia PeQuod, em A chegada de Lampião no inferno, traz à tona não apenas os sentimentos que circundam o flagelo do cangaço em nosso país, apresentados por uma visão impressionista dos eventos e da história, mas, também, tange questionamentos sobre nossa essência e sobre a imortalidade, através do percurso do anti-herói aos confins do inferno, para, em seguida, ressucitá-lo novamente, como símbolo, na memória do barro esculpido pelas hábeis mãos do Mestre Vitalino, representante da cultura popular do nordeste.

Num magistral jogo de entrecruzamentos metafóricos, a dramaturgia trança a tríade Virgulino, Vitalino e a evocação de um Virgílio, presente na obra de Dante Alighieri, que conduz o protagonista pelos caminhos tortuosos de sua morte.

A estrutura do espetáculo apresenta três momentos distintos: uma introdução, que mostra o interior de um atelier onde o barro é trabalhado ao redor de uma imensa fornalha; uma primeira parte, onde o barro toma vida e assume a forma de cangaceiros e soldados que se enfrentam em meio à populacão; e uma segunda parte, a qual apresenta a chegada de Lampião ao inferno, seu encontro com o demônio e com um Vitalino-Virgílio, que o restitui à vida em forma de artesania.

Há que se perceber que o trabalho da companhia PeQuod longe está do que se poderia chamar de “tradição “ no Teatro de Animação. Como identificamos também em outras montagens suas, a utilização de um espaço cênico dinâmico e a interferência dos atores na cena como matéria significante é marca de uma inquietude e inconformismo com os limites da tradição. Mas também, há que se perceber a herança de uma arte elaborada na utilização dos bonecos em cena: a animação através de laboriosa técnica manipulatória.

Mas, apesar da boa qualidade na apresentação dos bonecos, o que se poderia apontar, como força primordial da montagem, é a ótima atuação dos atores num conjunto dramatúrgico que prima, a todo instante, em elaborar jogos de sentido com o espectador, além da acuidade estética em todos os pormenores que envolvem iluminação, trilha e cenografia.

* Paulo Balardim é ator e diretor da companhia Caixa do Elefante Teatro de Bonecos

A vida como ela é por Paulo Adriane

2011-09-14T20:10:00.000-07:00

A comédia privada da vida como ela é...

(os textos de Nelson Rodrigues

e a teatralidade de Luis Artur Nunes)*

Quem me conhece sabe que não sou crítico teatral, portanto, a análise que faço é como artista creditado para observar esta obra. A encenação em questão, dirigida por Luis Artur Nunes, é do grupo “Teatro sim... por que não?!!!” para os contos de Nelson Rodrigues, publicados no jornal A última hora no final dos anos 50 no Rio de Janeiro. Em torno de dois anos atrás alguém pretensiosamente me ironizou dizendo que quem escreveu as Comédias da vida privada foi Luís Fernando Veríssimo e não Nelson Rodrigues. Hoje, depois de ter assistido essa montagem do excelente grupo do nosso estado vizinho, saí convicto de que os contos da obra A vida como ela é, como eu já havia percebido, são também uma comédia da vida privada (claro que nada a ver com a do Veríssimo). “Comédia grostesca, amarga mas inegavelmente comédia” como declara Luís Artur no programa da peça. É medíocre demais pensar que para teatralizar Nelson precisamos mergulhar somente nas mesmas fontes, em pesquisas fundamentadas em filmes eróticos das décadas de 60 e 70 baseadas nas obras de Nelson ou ainda em qualquer referência óbvia sobre tudo que artisticamente já foi realizado sobre suas obras. Nunes, preservando categoricamente o texto, com sensível percepção, nos apresenta a comicidade intrínseca sim nesta dramaturgia. É a visão da liberdade do artista, assim, sem pudor, sem medo, sem rótulos, sem pré-conceitos e o melhor, sem a preocupação de querer agradar. O que vimos é uma encenação de grande teatralidade legitimando um dos maiores encenadores deste pais. Os contos seguem todos a mesma linha de recursos cênicos fazendo das cinco histórias uma peça. Os figurinos remetem aos anos 50 mas com graça e colorido vigorosos. Os biombos do cenário trazem impressões dos jornais da época e ainda nos surpreendem, ao final de quatro dos contos, com gravuras iluminadas alusivas ao conto em questão. A ousadia de Nunes e do talentoso elenco é sim cheia de exageros, caras, bocas, sobrancelhas, e marcas rígidas. Tudo perfeitamente natural. E aí tudo se mistura, os atores ora narram, ora encarnam os personagens, uns manipulam outros como se fossem bonecos (como um autor direcionando seus personagens) e ainda dublam-se entre si. As máscaras usadas em três dos contos nos passam a sensação de que somos todos iguais. A trilha sonora e a iluminação são impecáveis seguindo a proposta de teatralidade da encenação. No final da apresentação o público aplaude de pé com entusiasmo. No 18° Porto Alegre Em Cena, Luis Artur e o grupo de Florianópolis agradam a quem merece ser agradado, o público! Meus agradecimentos ao festival e ao Marcelo Adams pelo convite e confiança!

* Paulo Adriane é ator

Music hall por Newton Silva

2011-09-14T08:31:00.000-07:00

O ator é verbo em Music hall*

A montagem uruguaia de Music hall, texto do encenador e dramaturgo francês Jean-Luc Lagarce (1957-1995), é fiel aos princípios do autor. Colocar em cena a palavra. Ela é o cenário, o conflito e o desejo. Dita e não dita. Materializada e concretizada, exclusivamente, no corpo do intérprete. O ator é o verbo.

Explico. No palco, estão apenas três atores. Os elementos cênicos são mínimos: uma pequena escada, uma mala, algumas peças de roupa, um gravador para fita cassete e um banco de pernas altas. Neste lugar, supostamente vazio, uma atriz veterana (cantora de variedades) e seus dois ajudantes (coristas) desfilam as histórias do seu passado. São micro-histórias de uma companhia periférica, mambembe, que viaja para cidadezinhas provincianas e vazias, que se apresenta em locais pequenos, não raro com diversos problemas técnicos. E o pior. Eles enfrentam, cotidianamente, um público desinteressado, patético, grosseiro e, não raro, diminuto. Ao recriar suas memórias, com humor às vezes cáustico, o trio reafirma a fé em sua arte, a paixão e o gosto por atuar.

A ação tem lugar na narração realizada pelos personagens. Mas aquilo que poderia parecer moroso e lento (os atores o tempo todo contando histórias) encontra sua urgência na força das palavras. Este é o desafio a que se propôs o diretor Diego Arbelo, ator da Comédia Nacional do Uruguai que faz sua estreia na direção: encontrar mecanismos de atuação que sustentem o espetáculo e a falta de um conflito aparente. E o elenco, Fernando Vannet, Gustavo Suarez e Bettina Mondino (excelente) responde à altura às expectativas do diretor. Entre os diversos momentos marcantes da montagem, há um especial. É quando Bettina, com sua lindíssima voz, interpreta a canção francesa De temps en temps.

Music hall declara seu amor ao teatro, a personagens que vivem na poesia da palavra, em um tempo tão repleto de exercícios teatrais estéticos, muitas vezes, vazios. É uma reflexão sobre o fazer teatral, sobre a cultura do espetáculo, e, em última instância, sobre a vida e o destino humano.
* Newton Silva é jornalista e trabalha na TVE RS

O amor de Clotilde por um certo Leandro Dantas por Iuri Wander

2011-09-14T08:24:00.000-07:00

O amor de Clotilde por um certo Leandro Dantas*

O espetáculo da Trupe Ensaia Aqui e Acolá é inspirado numa lenda do Recife, “A emparedada da Rua Nova”. Um suspense policial. A Trupe transforma isso em um melodrama de alto nível. Mesmo não sendo de meu gosto, comédia com apelo popular, tenho que admitir que é muito bem montada. Como o titulo já diz, a peça conta a história do amor secreto de Clotilde e Leandro Dantas. Ela, a mocinha, filha de um comerciante ciumento, ele, o mulherengo, apaixonado por Clotilde. Vivem um amor secreto até ser descoberto pelo primo da moça, melhor amigo de Leandro Dantas, que diz que vai ajudar e acaba contando tudo para seu tio, pai de Clotilde. O primo conta tudo porque quer se casar com Clotilde e ficar com o dinheiro da família. Com este enredo de novela, que o amor sempre vence, a trupe traz a Porto Alegre um belo espetáculo. Com figurinos e o cenário bem coloridos no estilo circense, se divertem em cena. Os personagens abusam do clichê com gestos prolongados, dublagem de músicas bregas, saem de sincronia nos momentos de dublagem das gravações de falas, acentuam frases, entre outras coisas. Tudo muito bem exagerado como pede um melodrama. A história contagia o público e arranca boas risadas, mesmo com piadas esperadas. O elenco é bem afinado e com boa técnica corporal. Mostrando que se pode apelar para comédia popular, sim. Conheci um conto, uma história, do Recife de um jeito bem descontraído.

* Iuri Wander é produtor cultural

Dentro da noite por Marcos Chaves

2011-09-13T22:04:00.000-07:00

Prazer*

A montagem teatral carioca Dentro da noite trouxe vários atrativos ao Porto Alegre Em Cena 2011. Destaco três. Primeiro, a curiosidade de assistir a um espetáculo de teatro com direção de um renomado músico brasileiro, Ney Matogrosso. Segundo, a expectativa de receber um monólogo interpretado por um grande ator e diretor, Marcus Alvisi. Por último, a oportunidade de ver encenado o texto de um carioca imortal, João do Rio.

Não é preciso escrever muitas linhas para descrever Ney Matogrosso. Grande parte da população de nosso país conhece muitas músicas interpretadas pelo cantor, e quem acompanha sua trajetória sabe de sua relevância histórica para o Brasil em uma mistura de artes, principalmente para a música e a performance - termo amplo, nada consensual, pode-se até dizer recente em relação ao teatro que conhecemos e/ou fazemos, porém que abarca vários aspectos quando falamos a respeito de uma apresentação artística em relação ao aqui-agora.

No atual festival Em Cena de Porto Alegre, tive o prazer de conhecer pessoalmente cada um dos seis integrantes que vieram do Rio de Janeiro para trocar experiências conosco. Um diretor acessível, criativo e cuidadoso que chegara para apresentar e falar sobre sua montagem teatral, eis a pessoa Ney a quem fui apresentado. E sinceramente, minhas expectativas estavam na peça participante, por mais interessantes que sejam as obras do cantor, eu (e acredito que a maioria da plateia) não conhecia seu trabalho como encenador teatral.

O público, presente no espaço de apresentação por um motivo ou outro, recebeu diversas sutilezas em Dentro da noite”. A peça fora muito bem ambientada em uma bela iluminação por Carlos Lafert, aproveitando o Teatro Carlos Carvalho em uma disposição cênica interessante. Apenas uma cadeira ao centro do palco. A trilha sonora, pesquisada, traz músicas de ambientação que se misturam a efeitos sonoros. Em seguida, algumas narrações gravadas que, dialogando com a luz, nos trazem o ator Marcus Alvisi. A partir daí: texto. No melhor sentido da palavra. O ator ao centro interpretando as palavras escritas por João do Rio, e uma constatação: quem pouco conhece a obra do autor, vale descobrir mais sobre o escritor carioca que nos deixou muito cedo. O monólogo interpretado por Alvisi nos deixa sedentos pela história ali contada e pelo autor.

Sadismo, crueldade, prazer, vícios...Ser humano. Dentro da noite é o primeiro dos dois contos presentes na peça, O bebê de tarlatana rosa encerra a obra teatral sublinhando também as “peripécias” humanas, lidando com os sentimentos em sua contenção ou extravagância. O ator compartilha com os espectadores cada sensação, revive histórias escritas que se passam em 1906 e 1908, mas as personagens ali representadas estão entre e em nós. A plateia é contemplada com poesias encenadas em uma parceria de Ney, Marcus e João...Atualizadas por todos os espectadores atentos, cada qual de seu modo.

A equipe do espetáculo tem também o operador de som Renato Reston, e os cariúchos Juliano Barros e Déa Martins na direção de palco e produção, respectivamente. Todos os artistas abraçados por nosso festival. A maravilha do teatro é o acontecimento único em cada apresentação, então celebremos uma montagem que, certamente, marcará a 18ª edição do Porto Alegre Em Cena. É um prazer ver Marcus Alvisi em cena. É um prazer receber uma concepção teatral de Ney Matogrosso. É um prazer conhecer um pouco mais do escritor João do Rio em seus contos. É um prazer perceber uma encenação que fala sobre prazer. Deliciemo-nos, então, dentro da noite e de nossas relações pessoais.

* Marcos Chaves é ator, músico e criador de trilha sonora